Kiedy myślisz o scenie walki, jaki film pierwszy przychodzi ci na myśl? Może myślisz o nokautującym ciosie Stallone’a w Rocky’m? A może wyobrażasz sobie Keanu Reevesa wymijającego kule w zwolnionym tempie w Matrixie?

Niezależnie od tego, czy jesteś fanem filmów o sztukach walki z wysoką choreografią, czy super wypolerowanych bitew superbohaterów CGI: jako scenarzysta zawsze warto mieć zestaw podstawowych zasad, jak napisać dobrą scenę walki. Bez względu na to, jakiego typu scenę walki piszesz, potrzebujesz cheat sheet lub playbook, do którego możesz się odnieść i z którego możesz się rozwijać.

Your Fight Scene Playbook: How to Write a Fight Scene.

Top tips for writing a fight scene

• Do your research. Zrobiliśmy dla ciebie pierwszą część, dając ci listę kontrolną jako zestaw podstawowych zasad pisania twojej sceny. Teraz musisz zrobić badania dla swojej fabuły i postaci. Ważne jest, aby czuć się autentycznie, aby utrzymać publiczność entertained.
• Does the scene serve your story? Twoja scena walki powinna osiągnąć coś dla celów swojej historii. Walka powinna być istotna dla historii, a nie tylko wrzucona jako sposób na utrzymanie zaangażowania widzów przez pięć minut.
• Czy scena służy twojej postaci? To idzie ręka w rękę z obsługą twojej historii. Jeśli scena służy twojej postaci, to służy również twojej historii jako pogłos.
• Przedkładanie tempa nad szczegóły. Twój scenariusz jest wskazówką do pracy, więc staraj się nie robić z niego wyczerpującej listy wskazówek scenicznych. Zazwyczaj pisarze współpracują z reżyserem/koordynatorem kaskaderów i ostatecznie mogą być zmuszeni do kompromisu w sprawie tego, co napisali.
• Niech ton kieruje sceną. Think of the tone of your script, does the fight scene still live within the limits that the tone of your film offers, or does it feel out of place?
• In the aftermath of your fight scene, you can tell the audience how to feel. Czy chcesz, aby świętowali z mistrzem, czy współczuli pokonanemu? Daje to również widzowi sekundę na zastanowienie się nad tym, co właśnie się stało i, zasadniczo, złapanie oddechu.

15 najlepszych filmowych scen walki

Przyjrzyjrzyjmy się więc 15 najlepszym scenom walki z filmów (i jednej z telewizji). Są to sceny walki, które nie tylko są bardzo zabawne do oglądania, ale także z powodzeniem spełniają potrzeby fabuły.

Sceny, które wybraliśmy nie mają hierarchicznej struktury i nie mogą być uznane za najlepsze sceny walki wszech czasów. Jednakże, te sceny są przykładami różnych podejść do pisania scen walki, i wszystkie mają lekcję do przekazania.

Przykład sceny walki #1 – Atomowa Blondynka

W Atomowej Blondynce, główna bohaterka, Lorraine Broughton (Charlize Theron), nie napotyka żadnych śmiertelnych konsekwencji w tej pierwszej scenie walki w „mieszkaniu”, innych niż upadek kilka razy.

Ta scena jest strategicznie umieszczona wcześnie w scenariuszu i stanowi przykład umiejętności Lorraine dla publiczności. Ona jest wprowadzona jako większy wojownik do anonimowych antagonistów w scenie. Scena walki służy portret postaci i ustanawia ją jako siłę, z którą należy się liczyć.

Podczas gdy wydaje się to podstawową procedurą pisania sceny walki – uzyskanie protagonisty do pokonania antagonisty – ta scena jest ważna dla historii w jej związku z postępem liniowej narracji.

Później w scenariuszu, Lorraine spotyka swój mecz. Podczas gdy pierwsza scena prawdopodobnie ma podstawowe pisanie i nie jest najbardziej interesujące, gdy sparowane z tej sceny zarówno służyć skryptu ogólnie.

The sceny amalgamate ostatecznie przedstawić rozwój dla charakteru Lorraine. Publiczność doświadczyła Lorraine pokonując jej poprzednich przeciwników z niewielkim wysiłkiem. Jednakże, kiedy Spyglass (Eddie Marsden) rzuca jej wyzwanie, zaczyna walczyć i napotyka bardziej bezpośrednie i fizyczne konsekwencje, co zwiększa stawkę, napięcie i konflikt w opowieści.

#2 – The Matrix

Ten przykład wykazuje połączenie elementów, aby scena walki, która wydaje się zaznaczać wszystkie pola. Jest wszechstronna. Choreografia i nie-diegetyczna muzyka są ukłonem w stronę wysoce technicznych sekwencji sztuk walki widzianych w popularnych filmach o sztukach walki, z których scena czerpie wpływ.

Scena strategicznie wykorzystuje ten wpływ do ustanowienia dynamiki nauczyciela i ucznia między Morfeuszem (Laurence Fishburne) i Neo (Keanu Reeves). Dźwięk i muzyka w końcu wrócić do tego, co jest bardziej typowo związane z Matrix i jego gatunku, szybkie techno przeznaczone do wzmocnienia napięcia.

Wszystkie elementy w tej scenie dostarczyć historię, charakter, i publiczności. Morfeusz działa jako nauczyciel dla publiczności, jak również dla Neo. Uczymy się tak, jak on się uczy.

Napięcie w tej scenie wzrasta, gdy nowe informacje są oferowane, a Neo staje się bardziej opanowany w walce i swojej sytuacji. Ta scena nie tylko daje filmowi szansę na pokazanie swojej imponującej choreografii walki i slow-motion, ale służy jako ważny moment w ewoluującej podróży Neo.

#3 – Fight Club

Czy scena walki zawsze musi zawierać dwie osoby (lub więcej) walczące ze sobą? Kiedy ktoś wspomina o scenie walki, twój umysł może od razu skoczyć do męskiej, szybkiej, krwawej i brutalnej sceny walki.

Nie winimy cię, ponieważ to jest generyczna scena walki. To dlatego Fight Club bierze te konwencje i wyrzuca je przez okno dla tej 'sceny walki’.

Jak Narrator (Edward Norton) odkrywa swoją nowo odkrytą arogancję po tym, jak budzi się do chwytu, który kapitalizm ma na jego życie, scenariusz rzuca wyzwanie typowym konwencjom dla celów postaci.

Co więcej, Narrator ustanawia swoją moralność poprzez tę scenę walki. On egzemplifikuje swoje ograniczenia i moralność, jak on kłamie i brutalnie rani siebie, aby zdobyć władzę nad swoim szefem.

Dlatego, walka dodaje do portretu postaci, z kolei, dodając do historii.

#4 – Kingsman: The Secret Service

Innym przykładem, który wykorzystuje elementy playbooka, a następnie z niego wyrasta, jest Kingsman: The Secret Service.

Po pierwsze, jego użycie dialogu jest wyraźnie próbując zakwestionować moralność ustawienia kościoła. Celem tego jest zakwestionowanie konwencji i szokować publiczność. Celem całej sceny jest szokowanie publiczności.

Od wykorzystania dialogu do obsady Colin Firth (jako Harry Hart), starszy i stereotypowy angielski dżentelmen, jako bohater akcji; scena eksperymentuje z charakteru, tonu i tempa, aby zaskoczyć publiczność i utrzymać ich zainteresowanie.

W ostatnich kilku sekundach sceny, jesteśmy zmuszeni do doświadczenia konsekwencji działań Harry’ego. Ostatnie chwile bezruchu, które następują po akcji ustanowić następstwa, które będą rezonować z audiencjami.

Jesteśmy zaznajomieni z moralnością Harry’ego w całym scenariuszu, ponieważ są one zgodne z tym z głównego bohatera. Jednak w tym jednym momencie zostają one zakwestionowane, a jego działania przekraczają granicę, co zostało przedstawione w reakcjach postaci w następstwie sceny.

#5 – Czarna Pantera

Teraz trudno byłoby napisać listę scen walki bez uwzględnienia epickiej bitwy superbohaterów Marvela. Napięcie w ostatecznej bitwie w Czarnej Panterze jest ustanowione przez dwie przeciwstawne strony. Killmonger (Michael B. Jordan) i T’Challa (Chadwick Boseman).

Kiedy Killmonger zajmuje tron T’Challi, zostaje obezwładniony. W tej scenie wątki filmu osiągają swój punkt kulminacyjny. Walczą o prawo do bycia nazywanym Czarną Panterą i do prowadzenia ludzi Wakandy.

Czuje się generycznie, aby mieć ostateczną epicką bitwę, gdzie „dobry facet” jest kwestionowany, ale ostatecznie pokonuje „złego faceta”. Ale ta scena zmienia to wyobrażenie. Killmonger ujawnia swoje prawdziwe motywacje, co ostatecznie pomaga nam empatyzować z nim. Dzieje się to zaraz po tym, jak został pokonany – T’Challa wbił mu nóż w klatkę piersiową. To tworzy poczucie tragedii.

Ostatecznie jesteśmy zasmuceni powolną śmiercią Killmongera, sprytną sztuczką, biorąc pod uwagę, że kibicowaliśmy mu przez większość filmu.

#6 – Kill Bill Vol.1

Pomimo, że coraz bardziej znane staje się oglądanie kobiecych twarzy na ringu, nadal nie ma nic podobnego do dreszczyku emocji, jaki towarzyszy oglądaniu Panny Młodej (Uma Therman) biorącej na siebie całą kohortę dopasowanych przeciwników w Kill Bill Vol. 1.

Brak dialogów w tej scenie kieruje twoją uwagę na sekwencje walki. Gdy Panna Młoda obraca się i skacze przez scenę, widzowie wiedzą dokładnie, gdzie patrzeć.

Zmiana koloru, dźwięku i stylu sceny mogłaby stać się dość myląca bez kierunku kamery prowadzącej drogę. Znajdujesz się w perspektywie postaci. Jesteś Panną Młodą w tej scenie.

Poprzez umieszczenie cię jako postać jesteś pochłonięty sceną walki, ponieważ czujesz się tak, jakbyś był tym, który jej doświadcza. Podobnie jak w Kingsman, w następstwie walki, widzowie są zmuszeni do obserwowania konsekwencji walki: ludzi, którzy są ranni lub martwi. To jest krwawa jatka.

Podczas gdy Harry miał wyrzuty sumienia z powodu swoich czynów, dzięki umieszczeniu Panny Młodej jako lepszej poprzez niski kąt kamery, ton i dialog, my jako publiczność rozumiemy, że Panna Młoda jest dumna ze swojego osiągnięcia (co informuje nas o jej charakterze).

#7 – Full Metal Alchemist

Ciekawe jest rozważenie, czy zasady dla sceny walki odnoszą się zarówno do filmu jak i telewizji. Prawdopodobnie, w serialowej narracji telewizyjnej stawka nie jest tak wysoka jak w filmie. Dzieje się tak, ponieważ przypuszczalnie wiesz więcej o postaciach, o których mowa, spędziwszy więcej czasu na ich poznawaniu.

W związku z tym, znaczenie dramatycznego efektu twojej sceny jest mniejsze, ponieważ masz więcej opcji powtarzania walki w kółko (jeśli tego właśnie chcesz).

W Full Metal Alchemist Brotherhood, jest scena walki w każdym odcinku. Jak powstrzymać sceny walki przed staniem się powtarzalnymi w serii telewizyjnej?

Ta seria wykorzystuje to na swoją korzyść, ponieważ scena walki działa jak wprowadzenie postaci. Jesteśmy wprowadzani do ich umiejętności, ich moralności, ich sojuszu. Jest wiele informacji, które możesz świadomie i podświadomie zachować z tych scen walki i dlatego każda z nich jest ważna.

#8 – Shaun of the Dead

Jedną z zasad pisania scen walki jest to, aby nie uczynić go jednostronnym, co oznacza, że nie jest interesujące, jeśli masz jednego mistrza, który wygrywa walkę bez walki lub konsekwencji. Chcesz, żeby to było wartościowe dla publiczności. Jeśli zrobisz rzeczy zbyt łatwe wtedy jesteś na ryzyko utraty autentyczności z sceną.

Ta zasada jest dostosowana, gdy piszesz scenę komediową. Jednostronna scena lub uczynienie walki bohatera zbyt łatwą może spotęgować humor sceny.

W komedii, tempo i ton jest wszystkim. Dążenie sceny zmienia się nieznacznie. Chcesz ludzi do wyrównania z charakterem przede wszystkim poprzez komedię zamiast ich zwycięstw i strat.

Funkcje sceny nie muszą już być realistyczne. Weźmy tę scenę z Shaun of the Dead jako przykład. Czy to jest realistyczne dla Shauna, Liz i Eda, aby uderzyć zombie z kijami do snookera, w czasie do „Don’t Stop Me Now” zespołu Queen? Trudno.

Ale ta scena nadal służy historii. Pokazuje, że bohaterowie są niezwykle poza ich głębokości w ich sytuacji. Pomimo wygranej, która może być umieszczona w dół do szansy, głównym celem sceny jest, aby publiczność się śmiać.

Therefore, the focus of a kick-ass fight scene doesn’t always need to be the fighting.

#9 – Przyczajony Tygrys, Ukryty Smok

On the other hand, there are some fight scenes where the focal point of the scene is the fighting. Jak w Przyczajony tygrys, ukryty smok, walki jest to, co prowadzi sceny walki. Chociaż brzmi to dość podstawowe do priorytetów walki w scenie walki, to nadal może być trudne do utrzymania uwagi widzów.

Aby nieco łatwiej zrozumieć, jak napisać kopnięcie jako sceny walki, musisz zrozumieć, że scena walki jest tylko jeden rodzaj sceny akcji. Sceny akcji mogą obejmować wszelkie sceny, które zawierają argument do sceny pościgu.

Sceny akcji to interakcje z konsekwencjami. Dlatego, jakie są konsekwencje twojej sceny walki dla twojej historii i postaci?

Czy reperkusje twojej sceny są fizyczne dla twoich postaci czy mają bardziej bezpośredni wpływ na twoją historię, musisz rozważyć jak scena obsługuje twój scenariusz ogólnie.

Ta walka pokazuje jak tempo sceny jest ważne w ustanawianiu konfliktu. W chwilach bezruchu między przeciwnikami po intensywnej walce na miecze, tempo tworzy wir emocji, ponieważ stawka walki ciągle się zmienia.

Scena ta udowadnia, że nie ma nic złego w staromodnej walce jeden na jeden, tak długo jak myślisz o tym, co dzieje się między wierszami.

#10 – Kapitan Ameryka: The Winter Soldier

Kto nie kocha wysokobudżetowej, wysokociśnieniowej, macho sceny walki? To naprawdę nie ma znaczenia, czy jest to do gustu, czy nie, ważne jest to, co można z niego wziąć. Ponownie, brak dialogu hones w swojej uwagi do walki.

The związek między Kapitanem Ameryką (Chris Evans) i The Winter Soldier (Sebastian Stan) jest to, co podnosi konflikt w scenie walki w Kapitan Ameryka: The Winter Soldier. To właśnie przyjaźń między parą tworzy napięcie, ponieważ Kapitan Ameryka nie chce walczyć ani ranić swojego najlepszego przyjaciela.

Powtarzam, to nie sama sekwencja walki jest ważna dla tej historii. To są badania. Ponieważ postacie istnieją w całym świecie komiksów, ich motywacje i linie czasowe są wstępnie skonstruowane.

W związku z tym, oprócz podstawowych zasad pisania scen walki, musisz rozważyć zasady, kiedy bierzesz postacie, które już istnieją w swoim własnym świecie.

To może być ekscytujące wyzwanie, jak również zniechęcające, musisz tylko zbadać swoje postacie i podtekst, który się pod nimi kryje.

#11 – Mandy

W scenie walki powinieneś pozwolić, by taktyka postaci odzwierciedlała ich moralność. W tej scenie z Mandy, można przeczytać, że Spider nie waha się podczas ataku na Reda. To pokazuje, że Spider ma bardzo mało wyrzutów sumienia, jeśli w ogóle, za przemoc i krzywdę, którą narzuca.

To mówi nam, że słabość jego charakteru nie będzie związana z jego moralnością. Dodatkowo sugeruje, że Red będzie musiał pokonać Spidera fizycznie.

Ton Mandy jest również złożony. Ma wielopłaszczyznowe warstwy do tego, co stara się osiągnąć poprzez swój ton. Film jako całość ma bardzo powolne tempo. To również nie koniecznie dążyć do autentyczności poprzez podkreślanie jego bardziej surrealistyczne elementy wizualne.

Przemoc wyjaśnione w całym scenariuszu przychodzi do życia w filmie. Podczas gdy niektóre szczegóły mogą się różnić, ogólna atmosfera groteskowych i brutalnych scen walki nadal pozostaje poprzez spójny ton i tempo w adaptacji ze scenariusza na ekran.

#12 – Raiders of the Lost Ark

Plotka głosi, że na planie Raiders of the Lost Ark Harrison Ford czuł się zbyt źle, aby nakręcić scenę walki, która została wpisana do scenariusza. W poniższej scenie Indiana Jones zaczyna walczyć z kilkoma anonimowymi antagonistami na ulicy.

Potem spotyka swojego przeciwnika. Zakładamy, że szermierz jest jego przeciwnikiem, ponieważ jest on napisany tak, aby widocznie odróżniał się od każdego innego challengera.

W scenariuszu, Indiana Jones miał pokonać swojego wroga w długiej walce, której świadkami byli przechodnie. Zamiast tego, w tej humorystycznej alternatywie, która służy historii i charakterowi, staje przed swoim przeciwnikiem, jakby rozpocząć impas i strzela do niego, zanim ten ma szansę poruszyć choćby jeden mięsień. To ujawnia nonszalancję Indiany, kluczowy aspekt jego charakteru.

Postawiliśmy wam to pytanie. Czy scena walki jest zawsze konieczna? Czy pełna scena walki służyłaby historii lub postaci bardziej niż efekt końcowy?

Gdy jedna strona scenariusza równa się jednej minucie czasu ekranowego, nie zawsze masz czas, by zawrzeć scenę walki, zwłaszcza gdy nie jest ona niezbędna dla fabuły. Może to również oznaczać, że jeśli jakaś scena wymaga przeróbki z powodu komplikacji, to czasami okazuje się lepsza niż oryginał.

#13 – The Raid 2

Inną metodą, aby spróbować i utrzymać publiczność w rozrywce jest wprowadzenie wielu scen walki, które dzieją się jednocześnie w różnych miejscach.

Jest to proste podejście w unikaniu jednostronnej sceny walki. Jest to metoda, która dzieli uwagę publiczności, pozwalając twoim mistrzom być może łatwiej wygrać walkę, ale wydaje się, że włożyli więcej wysiłku niż w rzeczywistości.

Widownia nie jest tak skupiona na jednej konkretnej walce, ale na zwycięstwie wielu postaci. Jest to również szybszy sposób na poznanie postaci i szybszy postęp fabuły. The Raid 2 jest przykładem tego, jak sceny walki symultanicznej są wykonywane z powodzeniem.

Podczas gdy badania nie zawsze są priorytetem, nigdy nie są szkodliwe. Jeśli próbujesz uczynić swoją scenę interesującą i autentyczną, możesz przyjrzeć się niektórym specyficznym elementom sceny. Na przykład, dla tej sceny walki w The Raid 2 możesz zadać pytanie: jak śmiertelna jest rana zadana młotkiem? Czy młotek lub kij powodują więcej obrażeń w walce?

Miejmy tylko nadzieję, że nikt nie znajdzie twojej historii wyszukiwania!

#14 – X-Men: Pierwsza klasa

Podobnie do Kapitana Ameryki, scenarzyści X-Men: Pierwsza klasa musieli mieć na uwadze istniejące przedstawienia postaci we wszystkich poprzednich adaptacjach filmowych, telewizyjnych i komiksowych.

W tej scenie, to działa na korzyść pisarza, czy publiczność jest świadoma punktu kulminacyjnego tej historii, czy nie. Jeśli widzowie nie są świadomi, że Magneto (Michael Fassbender) jest przyczyną tego, że Charles Xavier (James McAvoy) jest na wózku inwalidzkim, po raz pierwszy przeżyją szok związany z tym konfliktem.

Podczas gdy widzowie, którzy są istniejącymi fanami historii znajdują satysfakcję z posiadania rezultatu ich przewidywań rozgrywających się przed nimi, warto zastanowić się dla kogo piszesz te postacie?

Uczynienie adaptacji interesującą i nową, kiedy publiczność może znać już historię, może być trudnym wyzwaniem do pokonania. Spróbuj, gdzie to możliwe, zachować równowagę pomiędzy wprowadzeniem nowych widzów w ten moment i nagrodzeniem tych, którzy znają tę historię na wylot.

To może być ekscytujące widzieć, jak nowa historia ożywa, ale może to być również ekscytujące widzieć, jak scena, którą tylko wyobrażałeś sobie w swojej głowie, ożywa.

#15 – Rise of the Planet of the Apes

Czy zasady playbooka mogą mieć zastosowanie do sceny, w której postacie, o których mowa, nie walczą ze sobą? A co jeśli postać nie jest nawet człowiekiem?

Scena w Rise of the Planet of the Apes eksploruje tę interesującą dynamikę. Pomimo kompleksu wyższości Dodge’a (Tom Felton), możemy wyczuć jego strach przed Cezarem (Andy Serkis). On wie, że jest fizycznie gorszy od małpy i dlatego lashes out z jego taser.

Podczas gdy odkrywamy informacje o charakterze Dodge’a poprzez jego pilność do walki i kontroli, odkrywamy informacje o charakterze Cezara poprzez jego odmowę walki.

Jest to szok zdolności Cezara do mówienia i odwetu poprzez głęboki głośny ryk „NIE”, który zmusza scenę do osiągnięcia punktu kulminacyjnego w przygotowaniu do ucieczki małp z więzienia.

Caesara zdolność do mówienia i zdobyć władzę nad innymi w pełni służy historię i charakter. Zabiera historię w nowym kierunku, ujawniając nowy, szokujący aspekt charakteru Cezara.

Jak napisać scenę walki: Conclusion

Rzeczy do zapamiętania:

Ultimately, all fight scenes are different. Każda z nich może mieć inny cel. Ten podręcznik jest tutaj, aby pomóc Ci, jak zacząć pisać swoją scenę walki. Użyj własnej inicjatywy podczas pisania i kiedy zdobędziesz trochę zaufania do swoich scen, wtedy, możesz zacząć grać z oczekiwaniami i konwencjami.

Pamiętaj, że pisząc scenę walki, niekoniecznie piszesz scenę unikalną lub inną od wszystkich innych w scenariuszu. Odsłanianie postaci, tematów i poruszanie fabuły jest istotne w makijażu sceny. To, co jest inne, to stawka, która z natury fizycznego kontaktu, jest wysoka. Presja jest duża.