Image via mixcloud.com

Ujmując to prosto, Krupa był dla perkusji ery swingu tym, czym Clark Gable był dla złotej ery Hollywood – łaskawy, płomienny, elegancki – był urodzonym showmanem i profesjonalnym czarodziejem. Chudy, krępy i przystojny dżentelmen, jego gra była pełna polotu, niekończących się, ale zawsze przemyślanych drobnych akcentów i dzikiej, bezczelnej radości z tego co robił.

Ikoniczne solo Krupy w standardzie jazzowym „Sing, Sing, Sing” było jednym z najważniejszych czynników, które podniosły rolę perkusisty jako solowego głosu w zespole, co w rezultacie sprawiło, że solówki perkusyjne stały się niewiarygodnie popularnymi atrakcjami koncertów na żywo – tradycja, która przeniosła się na gatunek rocka i pozwoliła perkusiście zająć centralną scenę.

W 1960 roku Krupa doznał ataku serca, który zmusił go do zmniejszenia częstotliwości występów, ostatecznie ogłaszając przejście na emeryturę w 1967 roku. Jednak wiecznie młody duchem, już trzy lata później wrócił do pracy, regularnie występując z kolegami z oryginalnego zespołu Benny’ego Goodmana. Witalność Krupy i jego talent wykonawczy nigdy nie osłabły, a on sam kontynuował grę nawet w ostatnich latach życia, często występując dla publiczności o połowę młodszej od siebie.

Spójrzcie tylko na ten psotny błysk w jego oku, te gładkie ruchy ramion i swawolne ruchy włosów – trudno uwierzyć, że ten człowiek był wtedy po sześćdziesiątce!

Buddy Rich

Image via wikipedia.org

Buddy Rich jest człowiekiem, który nawet dekady po swojej śmierci, nadal jest czczony przez każdego aspirującego perkusistę. Jeśli jest jakieś nazwisko, które powinieneś znać, kiedy mówisz o perkusji, to jest to właśnie on.

Podczas gdy Krupa był mistrzem suave, dżentelmeńskiej gry, Rich był jedną potężną bestią perkusisty z nadludzkimi zdolnościami. Ci dwaj byli jak Yin i Yang, jak Fred Astaire i Gene Kelly. Mocny, silny, oszałamiająco szybki, perkusja Richa brzmiała jak karabin maszynowy. Sprawdźcie ich radykalnie przeciwstawne energie w tej bitwie perkusyjnej:

Mocna, wysokoenergetyczna technika perkusyjna Richa była w pewnym sensie odzwierciedleniem jego osobowości: merkantylny, krótkowzroczny i sardoniczny koleś, nie zastanawiał się dwa razy zanim rzuciłby się na kolegów muzyków lub wdał się w bójkę (wygodnie, posiadał też czarny pas w karate!). Był biegły w dowcipnym, sardonicznym dowcipie i nigdy nie przebierał w słowach.

Pianista Lee Musiker, który grał z Richiem, potajemnie nagrał niektóre z jego wybuchów podczas prób i wycieczek autobusowych we wczesnych latach 80-tych, które dają dobry smak dla jego osobowości:

Jeśli to nie była inspiracja dla Fletchera z Whiplash granego przez JK Simmonsa, nie wiemy co było.

Chociaż Rich często groził zwolnieniem członków swojego zespołu, rzadko to robił i chwalił ich w wywiadach, co pozwala nam sądzić, że nie był aż tak złym facetem, tylko zdecydowanym zwolennikiem twardej miłości.

Legenda głosi, że jego ogromny naturalny talent do gry na perkusji został odkryty przez jego ojca, gdy zobaczył jak Rich utrzymuje stały rytm z kilkoma łyżkami, gdy miał zaledwie rok. Zaczął grać na perkusji w wodewilu, gdy miał osiem lat pod nazwą „Baby Traps the Drum Wonder”, co w końcu przerodziło się w pełnowymiarową karierę dziecięcą.

Art Blakey

Image via wikipedia.org

Now, Art Blakey był mistrzem w każdym fachu i mistrzem w każdym z nich. Był fenomenalnym bandleaderem, genialnym perkusistą, czujnym mentorem i, ogólnie rzecz biorąc, życiem imprezy. Często przypisuje mu się wynalezienie nowoczesnego bebopu i położenie podwalin pod hard pop, jest on powszechnie uznawany za osobę, która dała wielu wspaniałym muzykom jazzowym początek, biorąc ich pod swoje skrzydła i zapraszając do gry w swoim legendarnym 17-osobowym zespole The Jazz Messengers.

To on zapoczątkował kariery takich wspaniałych muzyków jak trębacz Lee Morgan, pianista Bobby Timmons czy saksofonista Wynton Marsalis i wielu, wielu innych, którzy przypisują mu duży wpływ i wspaniałego nauczyciela – duża pochwała, biorąc pod uwagę, że wielu z tych muzyków grało również u boku takich sław jazzu jak Charles Mingus czy Miles Davis. Blakey nie tylko nauczył tych młodych ludzi wielu lekcji jazzu, ale także stworzyłby dla nich doskonałą bazę jako solistów podczas występów na żywo; zawsze uważny słuchacz, odpowiadał na indywidualne potrzeby każdego solisty, wydobywając z nich to, co najlepsze:

Ale dość o innych; Blakey sam był zdumiewającą potęgą perkusisty: jego gra była agresywna, wybuchowa i absurdalnie energetyczna, z uderzeniami wylewającymi się z niego jak jakaś nieokiełznana pierwotna siła. Był również mistrzem polirytmicznych uderzeń perkusji, utrzymując do trzech lub czterech różnych uderzeń jednocześnie, co, jeśli próbowałbyś spróbować samemu, prawdopodobnie sprawiłoby, że twój mózg eksplodowałby. Kolega perkusista Max Roach powiedział: „Art był prawdopodobnie najlepszym w utrzymywaniu niezależności wszystkimi czterema kończynami. Robił to wcześniej niż ktokolwiek inny.” Spójrzcie tylko na to absurdalnie fajne solo:

Keith Moon

Image via wikipedia.org

Och, Keith Moon. Od czego by tu w ogóle zacząć? Żywe uosobienie rock’n’rollowej kultury lat sześćdziesiątych i siedemdziesiątych, był perkusistą i, prawdopodobnie, duszą The Who. Wrodzony showman (nic dziwnego, że jednym z jego ulubionych perkusistów jako młodego muzyka był Gene Krupa, którego błyskotliwy styl gry powielał na scenie), głupek i ekscentryk, z pewnością zapisał się w historii rock 'n’ rolla.

Oglądanie jego występów jest jak oglądanie show w show. Jego gra na perkusji przypominała tornado, jego ramiona latały we wszystkich kierunkach z ogromną prędkością. Znany był ze swoich oryginalnych pomysłów, takich jak umieszczanie drum fills w miejscach, o których nikt nigdy by nie pomyślał, intensywne używanie talerzy, tom-tomów i bębnów walcowych, jak również niekonwencjonalne prowadzenie czasu, które całkowicie zmieniło brzmienie The Who.

Moon’s drumming can be interpreted as an expression of his larger-than-life personality, unpredictability, theatricality and sense of humour. Nazywany „Moon the Loon”, znany był z szalonych wybryków na trasach koncertowych i poza nimi, takich jak rozbijanie zestawów perkusyjnych na scenie czy niszczenie pokoi hotelowych, a także robienie kawałów swoim kolegom z zespołu i rozśmieszanie ich, gdy próbowali ułożyć swoje partie podczas sesji nagraniowych. Niestety, jego ekscentryczność miała też ciemniejszą stronę; nałogowy pijak i narkoman, Moon podobno zaczynał dzień od „butelki szampana, Courvoisier i amfetaminy”. Zmarł z powodu przedawkowania Heminevrin w wieku 32 lat.

Jeśli masz wolną godzinę, obejrzyj występ zespołu na festiwalu Isle of Wight w 1970 roku, a zrozumiesz, dlaczego nie można było oderwać oczu od Moona, ponieważ jego maniakalna charyzma skradła show, a jego wspaniała perkusja pociągnęła za sobą całe brzmienie zespołu.

John Bonham

Image via mixdownmag.com.au

Podczas gdy Buddy Rich jest nazwiskiem, które powinieneś znać, jeśli chodzi o perkusję jazzową, Bonham powinien być pierwszym, do którego się zwrócisz, jeśli kiedykolwiek odkryjesz świat rockowej perkusji.

Ogromnie uważany za największego perkusistę rockowego na świecie przez kolegów muzyków, krytyków muzycznych i fanów, był perkusistą Led Zeppelin od 1968 roku do przedwczesnej śmierci w 1980 roku, która spowodowała ich rozpad.

Jak prawie każdy inny wielki rock, Bonham był pod silnym wpływem perkusistów jazzowych, takich jak Rich i Krupa, włączając fantazyjne flary i ozdoby do swojej gry, które były bezprecedensowe w rocku. Do tej pory główną rockową rolą perkusji było utrzymywanie stałego rytmu i uzupełnianie basu oraz gitary elektrycznej, którą niektórzy gracze używali razem z kapslami gitarowymi, ponieważ pozwalało to na szybkie zmiany akordów. Cóż, Bonham całkowicie to zmienił; silnie zainspirowany muzyką funk, zwłaszcza Jamesem Brownem, jego perkusja była chłodna, wyluzowana i seksowna, co pomogło zespołowi tak dobrze się zgrać i pozwoliło im „poczuć groove.”

And while he „gelled” well with the whole band and brought out the best in each and every one of them, it was his chemistry with Jimmy Page that was extra special. Podczas gdy większość perkusistów zazwyczaj współpracuje z basistą, Bonzo ściśle podążał za gitarą Jimmy’ego, pięknie się z nią łącząc, niezależnie od tego, jak często utwór zmieniał tempo lub tonację.

Wreszcie, solówki Bonhama były czymś w rodzaju legendy. Trwające do 30 minut, były określane jako „Pat’s Delight” (po jego żonie, Pat Phillips) lub „Moby Dick.”

Joe Morello

Image via jazztimes.com

Jak w przypadku każdego innego perkusisty na tej liście, oglądanie występów Joe Morello jest elektryzującym doświadczeniem. Gładki, innowacyjny i zainspirowany, podszedł do gry na perkusji jak światowej klasy szef kuchni do przygotowania swojego popisowego dania: starannie wybierając wszystkie najlepsze składniki i łącząc je w wyrafinowane, niezwykłe sposoby, aby stworzyć niesamowite kombinacje smakowe i teksturowe.

Morello jest być może najbardziej znany z gry na perkusji w kultowym utworze Dave’a Brubecka, „Take Five,” który stał się najlepiej sprzedającym się singlem jazzowym w historii. Został on rzekomo napisany przez Paula Desmonda w celu zaprezentowania niesamowitego opanowania przez Morello niezwykłego quintuple time – metrum muzycznego charakteryzującego się pięcioma uderzeniami na miarę (od którego utwór wziął swoją nazwę). I to jest niesamowite widowisko, aby zobaczyć go wykonać:

Innym godnym uwagi przykładem Morello wyobraźni szczęka-dropping jest jego solo na „Unsquare Dance”, który grał tylko na pałeczki – bez perkusji – w 7/4 czasu. Pod koniec utworu słychać, jak śmieje się z tego „podstępnego” zakończenia.

Odrzucając zaproszenia do gry z Tommym Dorseyem i Benem Goodmanem, Morello dołączył do The Dave Brubeck Quartet na dwumiesięcznej trasie w 1955 roku i pozostał z zespołem przez ponad dekadę. Podczas swojej wybitnej kariery był również nauczycielem, cenionym klinicystą perkusji, który opublikował kilka książek, nagrał filmy instruktażowe i wyszkolił wielu płodnych perkusistów, takich jak wieloletni perkusista Bruce’a Springsteena, Max Weinberg, czy Tico Torres z Jon Bon Jovi.

Neil Peart

Image via wikipedia.org

Widzenie byłego perkusisty Rush, Neila Pearta, za zestawem perkusyjnym w występie na żywo jest jak oglądanie kogoś, kto prowadzi statek kosmiczny obcych w filmie sci-fi. Znany ze swoich wyszukanych, rozległych i wymagających technicznie i fizycznie monstrualnych solówek na ogromnych zestawach perkusyjnych, kanadyjski muzyk był najmłodszą osobą w historii, która została wprowadzona do Modern Drummer Hall of Fame.

Technika Pearta i jego różne popisowe sztuczki były zdumiewające. Na przykład, często odwracał swoje pałeczki perkusyjne, aby wykonać cięższe uderzenia. „Kiedy zaczynałem”, powiedział, „jeśli złamałem końcówki moich pałeczek, nie mogłem sobie pozwolić na kupno nowych, więc po prostu odwracałem je i używałem drugiego końca. Przyzwyczaiłem się do tego i nadal używam ciężkich końcówek lżejszych kijów – daje mi to solidne uderzenie, ale z mniejszą ilością 'martwego balastu’ do obijania.” Tutaj łamie pałeczkę i nie traci ani jednego uderzenia:

Kilka innych charakterystycznych ruchów Pearta obejmuje używanie rozległego wachlarza egzotycznych instrumentów perkusyjnych, takich jak gongi dęte, kotły i gongi, a także jego niesamowitą zdolność do całkowitego oddzielenia wzorców kończyn górnych i dolnych, co czyni go jednym z najbardziej biegłych technicznie perkusistów rockowych w historii.

Bądź na bieżąco z najlepszymi historiami z Reader’s Digest subskrybując nasz cotygodniowy newsletter.