Quando pensate a una scena di lotta, quale film vi viene in mente per primo? Forse pensate al pugno da ko di Stallone in Rocky? O forse ti immagini Keanu Reeves che si muove al rallentatore in Matrix?

Che tu sia un fan dei film di arti marziali altamente coreografati o delle battaglie di supereroi in CGI: come sceneggiatore è sempre utile avere una serie di regole di base su come scrivere una buona scena di lotta. Non importa che tipo di scena di combattimento tu stia scrivendo, hai bisogno di un foglio di istruzioni o di un playbook a cui fare riferimento e da cui crescere.

Your Fight Scene Playbook: Come scrivere una scena di lotta.

Top tips per scrivere una scena di lotta

• Fate la vostra ricerca. Abbiamo fatto la prima parte per voi dandovi una lista di controllo come insieme di regole di base per scrivere la vostra scena. Ora avete bisogno di fare la ricerca per la vostra trama e i vostri personaggi. È importante farli sentire autentici per intrattenere il pubblico.
• La scena serve alla tua storia? La tua scena di lotta dovrebbe realizzare qualcosa per lo scopo della tua storia. Il combattimento dovrebbe essere rilevante per la storia e non solo buttato lì come un modo per tenere il pubblico impegnato per cinque minuti.
• La scena serve al tuo personaggio? Questo va di pari passo con il servire la vostra storia. Se la scena serve al tuo personaggio, allora serve anche alla tua storia come riverbero.
• Il ritmo è più importante dei dettagli. La tua sceneggiatura è una linea guida da cui lavorare, quindi cerca di non farla diventare una lista esaustiva di indicazioni di scena. Di solito, gli scrittori lavorano con il regista/coordinatore degli stunt e alla fine potrebbero dover scendere a compromessi su ciò che hanno scritto.
• Lascia che sia il tono a dirigere la scena. Pensa al tono della tua sceneggiatura, la scena di lotta vive ancora nei limiti che il tono del tuo film offre, o si sente fuori posto?
• Nel momento successivo alla tua scena di lotta, puoi dire al pubblico come sentirsi. Vuoi che festeggino con il campione o che simpatizzino con lo sconfitto? Dà anche allo spettatore un secondo per pensare a quello che è appena successo e, essenzialmente, per riprendere fiato.

15 delle migliori scene di lotta dei film

Diamo quindi un’occhiata a 15 delle migliori scene di lotta dei film (e una della TV). Si tratta di scene di lotta che non solo sono molto divertenti da guardare, ma che soddisfano con successo le esigenze della storia.

Le scene che abbiamo selezionato non hanno una struttura gerarchica e non possono essere considerate le migliori scene di lotta di tutti i tempi. Tuttavia, queste scene sono esempi di diversi approcci alla scrittura di una scena di lotta, e tutte hanno una lezione da impartire.

Esempio di scena di lotta #1 – Atomic Blonde

In Atomic Blonde, la protagonista, Lorraine Broughton (Charlize Theron), non incontra alcuna conseguenza fatale in questa prima scena di lotta ‘da appartamento’, a parte cadere un paio di volte. Viene presentata come la più grande combattente rispetto agli antagonisti anonimi all’interno della scena. La scena di lotta serve al ritratto del personaggio e la stabilisce come una forza con cui fare i conti.

Anche se questa sembra una procedura di base per scrivere una scena di lotta – far sì che il protagonista batta l’antagonista – questa scena è importante per la storia nella sua relazione con la progressione della narrazione lineare.

Più tardi nella sceneggiatura, Lorraine incontra il suo avversario. Mentre la prima scena ha probabilmente una scrittura di base e non è la più interessante, quando è accoppiata con questa scena, entrambe servono la sceneggiatura nel suo complesso.

Le scene si amalgamano per presentare alla fine uno sviluppo del personaggio di Lorraine. Il pubblico ha visto Lorraine sconfiggere i suoi precedenti avversari con poco sforzo. Tuttavia, quando Spyglass (Eddie Marsden) la sfida, lei comincia a lottare e incontra conseguenze più immediate e fisiche, il che aumenta la posta in gioco, la tensione e il conflitto all’interno della storia.

#2 – The Matrix

Questo esempio mostra una combinazione di elementi per fare una scena di lotta che sembra spuntare tutte le caselle. È completo. La coreografia e la musica non diegetica sono un cenno alle sequenze di arti marziali altamente tecniche viste nei film popolari di arti marziali da cui la scena prende influenza.

La scena usa strategicamente questa influenza per stabilire la dinamica di insegnante e studente tra Morpheus (Laurence Fishburne) e Neo (Keanu Reeves). Il suono e la musica alla fine tornano a ciò che è più tipicamente associato a Matrix e al suo genere, una techno veloce intesa ad amplificare la tensione.

Tutti gli elementi di questa scena forniscono la storia, il personaggio e il pubblico. Morpheus agisce come un insegnante per il pubblico così come per Neo. Impariamo come lui impara.

La tensione all’interno della scena cresce man mano che vengono offerte nuove informazioni e Neo diventa più in controllo della lotta e della sua situazione. Questa scena non solo dà al film la possibilità di mostrare la sua impressionante coreografia di combattimento e il rallentatore, ma serve come un momento importante nel viaggio evolutivo di Neo.

#3 – Fight Club

Una scena di lotta deve sempre includere due persone (o più) che combattono tra loro? Quando qualcuno menziona una scena di lotta la tua mente potrebbe saltare subito ad una scena di lotta da uomo a uomo, veloce, sanguinosa e violenta.

Non ti biasimiamo perché quella è una scena di lotta generica. Ecco perché Fight Club prende queste convenzioni e le butta fuori dalla finestra per questa ‘scena di lotta’.

Come il Narratore (Edward Norton) esplora la sua ritrovata arroganza dopo essersi risvegliato alla presa che il capitalismo ha sulla sua vita, la sceneggiatura sfida le convenzioni tipiche per lo scopo del personaggio.

Inoltre, il Narratore stabilisce la sua morale attraverso questa scena di lotta. Egli esemplifica i suoi limiti e la sua morale mentre mente e si ferisce violentemente per ottenere potere sul suo capo.

Quindi, la lotta aggiunge al ritratto del personaggio, a sua volta, aggiungendo alla storia.

#4 – Kingsman: The Secret Service

Un altro esempio che usa elementi del playbook e poi cresce da esso, è Kingsman: The Secret Service.

In primo luogo, il suo uso del dialogo tenta esplicitamente di sfidare la morale dell’impostazione della chiesa. Lo scopo è quello di sfidare le convenzioni e di scioccare il pubblico. Lo scopo dell’intera scena è quello di scioccare il pubblico.

Dall’uso del dialogo al casting di Colin Firth (nel ruolo di Harry Hart), un anziano e stereotipato gentiluomo inglese, come eroe d’azione; la scena sperimenta con il personaggio, il tono e il ritmo per sorprendere il pubblico e mantenere il suo interesse.

Negli ultimi secondi della scena, siamo costretti a vivere le conseguenze delle azioni di Harry. I momenti finali di immobilità che seguono l’azione stabiliscono una conseguenza che risuonerà con il pubblico.

Abbiamo familiarità con la morale di Harry in tutta la sceneggiatura, poiché è allineata con quella del protagonista. Tuttavia, in questo momento, sono messi in discussione e le sue azioni superano il limite, questo ritratto nelle reazioni del personaggio nelle conseguenze della scena.

#5 – Black Panther

Ora, difficilmente potremmo scrivere una lista di scene di lotta senza includere un’epica battaglia tra supereroi Marvel. La tensione nella battaglia finale di Black Panther è stabilita attraverso le due parti opposte. Quello di Killmonger (Michael B. Jordan) e quello di T’Challa (Chadwick Boseman).

Quando Killmonger prende il trono di T’Challa viene sopraffatto. In questa scena, i temi del film raggiungono il loro apice. Combattono per il diritto di essere chiamati Pantera Nera e di guidare il popolo del Wakanda.

Sembra generico avere una battaglia finale epica dove il “buono” viene sfidato ma alla fine sconfigge il “cattivo”. Ma questa scena ribalta questa nozione. Killmonger rivela le sue vere motivazioni, che alla fine ci aiuta ad empatizzare con lui. Questo arriva proprio quando è stato sconfitto, T’Challa lo ha pugnalato al petto. Questo crea un senso di tragedia.

Siamo alla fine rattristati dalla lenta morte di Killmonger, un trucco intelligente considerando che abbiamo tifato contro di lui per la maggior parte del film.

#6 – Kill Bill Vol.1

Nonostante sia diventato più familiare vedere facce di donne sul ring, non c’è ancora niente di meglio del brivido di vedere La Sposa (Uma Therman) che affronta un’intera coorte di nemici in costume in Kill Bill Vol. 1.

La mancanza di dialogo nella scena dirige la tua attenzione verso le sequenze di combattimento. Quando The Bride gira e salta attraverso la scena, il pubblico sa esattamente dove guardare.

Il cambiamento di colore, di suono e di stile della scena potrebbe diventare abbastanza confuso senza la direzione della telecamera che guida la strada. Siete situati nella prospettiva del personaggio. Tu sei La sposa in questa scena.

Per mezzo della collocazione nei panni del personaggio sei coinvolto nella scena del combattimento, come se tu fossi quello che la sta vivendo. Analogamente a Kingsman, nel seguito della lotta, il pubblico è costretto ad assistere alle conseguenze della lotta: le persone che sono ferite o morte. È un bagno di sangue.

Mentre Harry aveva dei rimorsi per le sue azioni, ponendo la Sposa come superiore attraverso l’angolazione bassa della telecamera, il tono e il dialogo, noi come pubblico capiamo che la Sposa è orgogliosa del suo risultato (che ci informa del suo personaggio).

#7 – Full Metal Alchemist

E’ interessante considerare se le regole per una scena di lotta si applicano sia al cinema che alla televisione. Probabilmente, in una narrazione televisiva seriale la posta in gioco non è così alta come quella di un film. Questo perché presumibilmente si conoscono di più i personaggi in questione, avendo passato più tempo a conoscerli.

Pertanto, l’importanza che la tua scena abbia un effetto drammatico è minore in quanto hai più opzioni per ripetere un combattimento più e più volte (se è quello che vuoi).

In Full Metal Alchemist Brotherhood, c’è una scena di lotta in ogni episodio. Come si fa a impedire che una scena di lotta diventi ripetitiva in una serie televisiva?

Questa serie lo usa a suo vantaggio, perché una scena di lotta funziona come un’introduzione al personaggio. Ci viene presentata la loro abilità, la loro morale, la loro alleanza. Ci sono un sacco di informazioni che puoi consciamente e sub-consciamente trattenere da queste scene di lotta e quindi, ognuna è importante.

#8 – Shaun of the Dead

Una regola quando si scrivono scene di lotta è di non renderle unilaterali, il che significa che non è interessante se hai un campione che vince una lotta senza alcuna lotta o conseguenze. Vuoi che ne valga la pena per il pubblico. Se si rendono le cose troppo facili, si rischia di perdere l’autenticità della scena.

Questa regola si adatta quando si scrive una scena comica. La scena a senso unico o il rendere la battaglia del personaggio troppo facile può aumentare l’umorismo della scena.

Nella commedia, il ritmo e il tono sono tutto. L’aspirazione della scena cambia leggermente. Si vuole che le persone si allineino con il personaggio principalmente attraverso la commedia, invece delle loro vittorie e perdite.

Le caratteristiche della scena non hanno più bisogno di essere realistiche. Prendiamo questa scena di Shaun of the Dead come esempio. È realistico che Shaun, Liz e Ed colpiscano uno zombie con le stecche da biliardo, a tempo di ‘Don’t Stop Me Now’ dei Queen? Difficilmente.

Ma la scena serve comunque alla storia. Mostra che i personaggi sono estremamente spaesati nella loro situazione. Nonostante la vittoria, che può essere attribuita al caso, l’obiettivo principale della scena è quello di far ridere il pubblico.

Pertanto, il punto focale di una scena di lotta non deve sempre essere il combattimento.

#9 – La tigre e il dragone

D’altra parte, ci sono alcune scene di lotta in cui il punto focale della scena è il combattimento. Come in Crouching Tiger, Hidden Dragon, il combattimento è ciò che guida le scene di lotta. Anche se sembra abbastanza elementare dare la priorità ai combattimenti in una scena di lotta, può comunque essere difficile mantenere l’attenzione del pubblico.

Per rendere leggermente più facile capire come scrivere un calcio come scena di lotta, dovete capire che una scena di lotta è solo un tipo di scena d’azione. Le scene d’azione possono includere qualsiasi scena che include un argomento per una scena di inseguimento.

Le scene d’azione sono interazioni con conseguenze. Quindi, quali sono le conseguenze della tua scena di lotta per la tua storia e il tuo personaggio?

Se le ripercussioni della vostra scena sono fisiche per i vostri personaggi o hanno un effetto più diretto sulla vostra storia, dovete considerare come la scena serve la vostra sceneggiatura nel suo complesso.

Questa lotta mostra come il ritmo di una scena sia importante per stabilire il conflitto. Nei momenti di quiete tra gli avversari dopo un intenso combattimento con la spada, il ritmo crea un turbine di emozioni mentre la posta in gioco del combattimento cambia costantemente.

La scena dimostra che non c’è niente di male in un combattimento vecchio stile uno contro uno, finché si pensa a cosa sta succedendo tra le righe.

#10 – Captain America: The Winter Soldier

Chi non ama una scena di combattimento ad alto budget, ad alta pressione, da macho? Non importa davvero se è di vostro gusto o no, ciò che è importante è ciò che si può prendere da esso. Ancora una volta, la mancanza di dialogo focalizza la vostra attenzione sul combattimento.

La relazione tra Captain America (Chris Evans) e il Soldato d’Inverno (Sebastian Stan) è ciò che eleva il conflitto all’interno della scena di combattimento in Captain America: The Winter Soldier. È l’amicizia tra i due che crea la tensione in quanto Capitan America non vuole combattere o ferire il suo migliore amico.

Per ripetere, non è la sola sequenza di combattimento ad essere importante per questa storia. È la ricerca. Poiché i personaggi preesistono all’interno di un intero mondo di fumetti, le loro motivazioni e le loro linee temporali sono precostituite.

Quindi, oltre alle regole di base per scrivere una scena di combattimento, bisogna considerare le regole quando si prendono personaggi che esistono già nel loro mondo.

Questa potrebbe essere una sfida eccitante così come una scoraggiante, basta ricercare i propri personaggi e il sottotesto sotto di loro.

#11 – Mandy

In una scena di combattimento, dovresti lasciare che la tattica di un personaggio rifletta la sua morale. In questa scena di Mandy, si può leggere che Spider non ha alcuna esitazione quando attacca Red. Dimostra che Spider ha pochissimo rimorso, se non nessuno, per la violenza e il male che impone.

Questo ci dice che la debolezza del suo personaggio non sarà legata alla sua morale. Inoltre, suggerisce che Red dovrà superare Spider fisicamente.

Il tono di Mandy è anche complesso. Ha strati sfaccettati di ciò che sta cercando di raggiungere attraverso il suo tono. Il film nel suo complesso ha un ritmo molto lento. Inoltre non cerca necessariamente l’autenticità sottolineando i suoi elementi visivi più surreali.

La violenza spiegata nella sceneggiatura prende vita nel film. Anche se alcuni dettagli possono differire, l’atmosfera generale delle scene di combattimento grottesche e brutali rimane comunque attraverso il tono coerente e il ritmo nell’adattamento dalla sceneggiatura allo schermo.

#12 – I Predatori dell’Arca Perduta

Si dice che sul set de I Predatori dell’Arca Perduta Harrison Ford si sentì troppo male per girare la scena di combattimento che era scritta nella sceneggiatura. Nella scena qui sotto, Indiana Jones inizia a combattere contro alcuni antagonisti anonimi per strada.

Poi incontra il suo avversario. Presumiamo che lo spadaccino sia il suo avversario perché è scritto che si distingue visibilmente da qualsiasi altro sfidante.

Nella sceneggiatura, Indiana Jones avrebbe dovuto sconfiggere il suo avversario in una lunga battaglia a cui avrebbero assistito i passanti. Invece, in questa alternativa umoristica che serve alla storia e al personaggio, egli affronta il suo avversario come per iniziare uno stallo e gli spara prima che abbia la possibilità di muovere un muscolo. Questo rivela la nonchalance di Indiana, un aspetto chiave del suo personaggio.

Vi poniamo questa domanda. Una scena di lotta è sempre necessaria? Una scena di lotta completa sarebbe servita alla storia o al personaggio più del risultato finale?

Quando una pagina di sceneggiatura equivale a un minuto di schermo non sempre si ha il tempo di includere una scena di lotta, specialmente quando non è essenziale per la trama. Questo può anche significare che se una scena ha bisogno di essere rielaborata a causa di complicazioni, a volte risulta migliore dell’originale.

#13 – The Raid 2

Un altro metodo per cercare di intrattenere il pubblico è introdurre più scene di lotta che avvengono contemporaneamente in luoghi diversi.

È un approccio diretto per evitare una scena di lotta a senso unico. È un metodo che divide l’attenzione del pubblico, permettendo ai vostri campioni di vincere forse il loro combattimento più facilmente, ma sembrando che si siano impegnati più di quanto non abbiano fatto in realtà.

Il pubblico non è così concentrato su un particolare combattimento, ma sulla vittoria di più personaggi. È anche un modo più veloce per esplorare i personaggi e per far progredire la storia più velocemente. The Raid 2 è un esempio di come le scene di lotta simultanea siano eseguite con successo.

Sebbene la ricerca non sia sempre una priorità, non è mai dannosa. Se stai cercando di rendere la tua scena interessante e autentica, potresti indagare su alcuni elementi specifici della tua scena. Per esempio, per questa scena di combattimento in The Raid 2 potresti chiedere: quanto è fatale una ferita da martello? Un martello o una mazza causano più danni in un combattimento?

Speriamo solo che nessuno trovi la tua cronologia di ricerca!

#14 – X-Men: First Class

Similmente a Captain America, gli scrittori di X-Men: First Class hanno dovuto essere consapevoli delle rappresentazioni esistenti dei personaggi in tutti i precedenti adattamenti attraverso film, televisione e fumetti.

In questa scena, funziona a vantaggio dello scrittore se il pubblico è consapevole del climax di questa storia o meno. Se il pubblico non sa che Magneto (Michael Fassbender) è la causa del fatto che Charles Xavier (James McAvoy) è su una sedia a rotelle, vivrà lo shock del conflitto per la prima volta.

Mentre il pubblico che è già fan della storia trova soddisfazione nell’avere il risultato della sua anticipazione di fronte a sé, è bene considerare per chi stai scrivendo i personaggi?

Rendere un adattamento interessante e nuovo, quando il pubblico potrebbe conoscere già la storia, può essere una sfida difficile da affrontare. Cercate, dove possibile, di bilanciare l’introduzione di un nuovo pubblico a questo momento e di ricompensare coloro che conoscono questa storia a fondo.

Può essere emozionante vedere una nuova storia prendere vita, ma può anche essere emozionante vedere una scena che hai solo immaginato nella tua testa prendere vita.

#15 – Rise of the Planet of the Apes

Si possono applicare le regole del playbook a una scena in cui i personaggi in questione non combattono? E se il personaggio non è nemmeno umano?

Una scena di Rise of the Planet of the Apes esplora questa interessante dinamica. Nonostante il complesso di superiorità di Dodge (Tom Felton), possiamo percepire la sua paura di Cesare (Andy Serkis). Sa di essere fisicamente inferiore a una scimmia e quindi si scaglia con il suo taser.

Mentre scopriamo informazioni sul personaggio di Dodge attraverso la sua urgenza di combattere e controllare, scopriamo informazioni sul personaggio di Cesare attraverso il suo rifiuto di combattere.

È lo shock della capacità di Cesare di parlare e reagire attraverso un “NO” profondo e ruggente che costringe la scena a raggiungere il suo climax in preparazione della fuga delle scimmie dalla prigione.

La capacità di Cesare di parlare e ottenere potere sugli altri serve pienamente la storia e il personaggio. Porta la storia in una nuova direzione rivelando un nuovo scioccante aspetto del carattere di Cesare.

Come scrivere una scena di lotta: Conclusione

Cose da ricordare:

In definitiva, tutte le scene di lotta sono diverse. Tutte possono avere uno scopo diverso. Questo manuale è qui per aiutarvi quando iniziate a scrivere la vostra scena di lotta. Usate la vostra iniziativa quando scrivete e quando avrete acquisito una certa fiducia nelle vostre scene, allora, potrete iniziare a giocare con le aspettative e le convenzioni.

Ricordate che nello scrivere una scena di lotta, non state necessariamente scrivendo una scena unica o diversa da qualsiasi altra nello script. Rivelare il personaggio, i temi e portare avanti la trama è essenziale nella composizione della tua scena. Ciò che è diverso è la posta in gioco, che, per la natura del contatto fisico, è alta. La pressione è alta.