När du tänker på en slagsmålsscen, vilken film tänker du först på? Kanske tänker du på Stallones knock-out slag i Rocky? Eller kanske föreställer du dig Keanu Reeves som svänger kulor i slow-motion i The Matrix?

Oavsett om du är ett fan av högkoreograferade kampsportsfilmer eller superpolerade CGI-superhjälteslagsmål: som manusförfattare är det alltid användbart att ha en uppsättning grundregler för hur man skriver en bra slagsmålsscen. Oavsett vilken typ av kampscen du skriver behöver du en fusklapp eller spelbok som du kan hänvisa till och växa från.

Din spelbok för kampscener: Hur man skriver en kampscen.

De bästa tipsen för att skriva en slagsmålsscen

• Gör din research. Vi har gjort den första delen åt dig genom att ge dig en checklista som en uppsättning grundregler för att skriva din scen. Nu måste du göra research för din handling och dina karaktärer. Det är viktigt att få dem att kännas autentiska för att hålla publiken underhållen.
• Tjänar scenen din berättelse? Din stridsscen ska åstadkomma något för syftet med din berättelse. Slagsmålet bör vara relevant för berättelsen och inte bara slängas in som ett sätt att hålla publiken engagerad i fem minuter.
• Tjänar scenen din karaktär? Detta går hand i hand med att tjäna din berättelse. Om scenen tjänar din karaktär så tjänar den också din berättelse som ett efterspel.
• Pacing framför detaljer. Ditt manus är en riktlinje att arbeta utifrån så försök att inte göra det till en uttömmande lista över scenanvisningar. Typiskt sett arbetar författare med regissören/stuntkoordinatorn och kan i slutändan behöva kompromissa om vad de har skrivit.
• Låt tonen styra scenen. Tänk på tonen i ditt manus, lever slagsmålsscenen fortfarande inom de gränser som tonen i din film erbjuder, eller känns den malplacerad?
• I efterdyningarna av din slagsmålsscen kan du tala om för publiken hur den ska känna. Vill du att de ska fira med mästaren eller sympatisera med den besegrade? Det ger också tittaren en sekund att tänka på vad som just har hänt och i princip hämta andan.

15 av de bästa filmstridsscenerna

Så låt oss ta en titt på 15 av de bästa stridsscenerna från filmer (och en från TV). Detta är slagsmålsscener som inte bara är mycket underhållande att titta på utan som också framgångsrikt uppfyller berättelsens behov.

De scener vi har valt ut har ingen hierarkisk struktur och kan kanske inte anses vara de bästa slagsmålsscenerna genom tiderna. Dessa scener är dock exempel på olika tillvägagångssätt för att skriva en slagsmålsscen, och alla har en lärdom att förmedla.

Slagsmålsscen exempel #1 – Atomic Blonde

I Atomic Blonde drabbas huvudpersonen Lorraine Broughton (Charlize Theron) inte av några ödesdigra konsekvenser i denna första ”lägenhets”-slagsmålsscen annat än att hon ramlar omkull ett par gånger.

Denna scen är strategiskt placerad tidigt i manuset och exemplifierar Lorraines skicklighet för publiken. Hon introduceras som den större kämpen gentemot de anonyma antagonisterna i scenen. Kampscenen tjänar karaktärens porträtt och etablerar henne som en kraft att räkna med.

Men även om detta verkar vara en grundläggande procedur för att skriva en kampscen – att få huvudpersonen att besegra antagonisten – så är denna scen viktig för berättelsen i sitt förhållande till det linjära berättandets utveckling.

Senare i manuskriptet möter Lorraine sin jämlike. Även om den första scenen utan tvekan är enkelt skriven och inte är den mest intressanta, tjänar de båda, tillsammans med denna scen, manuskriptet som helhet.

Scenerna sammanfogas för att i slutändan presentera en utveckling för Lorraines karaktär. Publiken har upplevt hur Lorraine besegrar sina tidigare motståndare med liten ansträngning. Men när Spyglass (Eddie Marsden) utmanar henne börjar hon kämpa och möter mer omedelbara och fysiska konsekvenser, vilket ökar insatserna, spänningen och konflikten i berättelsen.

#2 – The Matrix

Det här exemplet uppvisar en kombination av element för att skapa en slagsmålsscen som tycks vara en fullträff. Den är heltäckande. Koreografin och den icke-diegetiska musiken är en vinkning till de mycket tekniska kampsportssekvenser som ses i populära kampsportsfilmer som scenen tar inspiration från.

Scenen använder strategiskt detta inflytande för att etablera dynamiken mellan Morpheus (Laurence Fishburne) och Neo (Keanu Reeves) som lärare och elev. Ljudet och musiken återgår så småningom till det som mer typiskt förknippas med The Matrix och dess genre, snabb techno avsedd att öka spänningen.

Alla element i den här scenen förser berättelsen, karaktären och publiken. Morpheus fungerar som en lärare för publiken såväl som för Neo. Vi lär oss som han lär sig.

Spänningen inom scenen byggs upp i takt med att ny information erbjuds och Neo får mer kontroll över kampen och sin situation. Den här scenen ger inte bara filmen en chans att visa upp sin imponerande kampkoreografi och slowmotion, utan den fungerar också som ett viktigt ögonblick i Neos utvecklande resa.

#3 – Fight Club

Måste en slagsmålsscen alltid innehålla två personer (eller fler) som slåss mot varandra? När någon nämner en slagsmålsscen kanske du tänker direkt på en slagsmålsscen mellan män, snabb, blodig och våldsam.

Vi klandrar dig inte, för det är en generisk slagsmålsscen. Det är därför Fight Club tar dessa konventioner och kastar ut dem ur fönstret för denna ”fight scene”.

När The Narrator (Edward Norton) utforskar sin nyfunna arrogans efter att han vaknat upp till det grepp som kapitalismen har om hans liv, utmanar manuset de typiska konventionerna för karaktärens syfte.

För övrigt etablerar The Narrator sin moral genom denna fight scene. Han exemplifierar sina gränser och sin moral när han ljuger och våldsamt skadar sig själv för att få makt över sin chef.

Därmed bidrar slagsmålet till skildringen av karaktären, vilket i sin tur bidrar till berättelsen.

#4 – Kingsman: The Secret Service

Ett annat exempel som använder delar av spelboken och sedan växer från den, är Kingsman: The Secret Service.

För det första är dess användning av dialog ett uttryckligt försök att utmana moralen i kyrkomiljön. Syftet med detta är att utmana konventioner och chockera publiken. Syftet med hela scenen är att chockera publiken.

Från användningen av dialog till att Colin Firth (som Harry Hart), en äldre och stereotypisk engelsk gentleman, rollsätts som actionhjälte; scenen experimenterar med karaktär, ton och tempo för att överraska publiken och hålla deras intresse uppe.

I de sista sekunderna av scenen tvingas vi uppleva konsekvenserna av Harrys handlingar. De sista stunderna av stillhet som följer på handlingen etablerar ett efterspel som kommer att ge resonans hos publiken.

Vi är bekanta med Harrys moral genom hela manuskriptet eftersom den stämmer överens med huvudpersonens moral. Men i det här ögonblicket utmanas de och hans handlingar går över gränsen, vilket visas i karaktärens reaktioner i scenens efterspel.

#5 – Black Panther

Nu kan vi knappast skriva en lista över slagsmålsscener utan att inkludera en episk strid mellan Marvels superhjältar. Spänningen i slutstriden i Black Panther etableras genom de två motsatta sidorna. Den av Killmonger (Michael B. Jordan) och den av T’Challa (Chadwick Boseman).

När Killmonger tar T’Challas tron blir han övermannad. I den här scenen når filmens teman sin höjdpunkt. De kämpar för rätten att kallas Black Panther och att leda folket i Wakanda.

Det känns generiskt att ha en episk slutstrid där den ”goda killen” utmanas men slutligen besegrar den ”onda killen”. Men den här scenen vänder upp och ner på den föreställningen. Killmonger avslöjar sina verkliga motiv, vilket i slutändan hjälper oss att känna empati för honom. Detta kommer precis när han har besegrats av T’Challa som har huggit honom i bröstet. Detta skapar en känsla av tragedi.

I slutändan blir vi ledsna över Killmongers långsamma död, ett smart knep med tanke på att vi har hejat mot honom under större delen av filmen.

#6 – Kill Bill Vol.1

Trots att det börjar bli vanligare att se kvinnoansikten i ringen finns det fortfarande inget som liknar spänningen att se The Bride (Uma Therman) ta sig an en hel kohort av kostymklädda fiender i Kill Bill Vol. 1.

Den brist på dialog som råder i scenen styr ditt fokus mot kampsekvenserna. När The Bride snurrar och hoppar över scenen vet publiken exakt var de ska titta.

Förändringarna i färg, ljud och stil i scenen skulle kunna bli ganska förvirrande utan att kamerans riktning visar vägen. Du befinner dig i karaktärens perspektiv. Du är bruden i den här scenen.

Genom att placera dig som karaktären blir du uppslukad av slagsmålsscenen eftersom det känns som om det är du som upplever den. På samma sätt som i Kingsman tvingas publiken i efterdyningarna av slagsmålet bevittna konsekvenserna av slagsmålet: de människor som är skadade eller döda. Det är ett blodbad.

Tyvärr var Harry ångerfull över sina handlingar, men genom att placera The Bride som överlägsen genom den låga kameravinkeln, tonen och dialogen förstår vi som publik att The Bride är stolt över sin prestation (vilket informerar oss om hennes karaktär).

#7 – Full Metal Alchemist

Det är intressant att fundera på om reglerna för en slagsmålsscen gäller för både film och tv. Man kan hävda att insatserna i en serieformad tv-berättelse inte är lika höga som i en film. Detta beror på att du förmodligen vet mer om karaktärerna i fråga, eftersom du har ägnat mer tid åt att lära känna dem.

Därmed minskar betydelsen av att din scen har en dramatisk effekt, eftersom du har fler möjligheter att upprepa ett slagsmål om och om igen (om det är vad du vill).

I Full Metal Alchemist Brotherhood finns det en slagsmålsscen i varje avsnitt. Hur förhindrar man att en kampscen blir repetitiv i en tv-serie?

Denna serie använder det till sin fördel, eftersom en kampscen fungerar som en karaktärsintroduktion. Vi introduceras till deras skicklighet, deras moral och deras allians. Det finns mycket information som man medvetet och undermedvetet kan behålla från dessa kampscener och därför är varenda en viktig.

#8 – Shaun of the Dead

En regel när man skriver kampscener är att inte göra dem ensidiga, det vill säga att det inte är intressant om man har en mästare som vinner en kamp utan någon kamp eller konsekvenser. Man vill att det ska vara värt det för publiken. Om du gör det för enkelt riskerar du att förlora all autenticitet med scenen.

Den här regeln anpassas när du skriver en komediscen. Den ensidiga scenen eller att göra karaktärens kamp för lätt kan förstärka humorn i scenen.

I komedier är tempo och ton allt. Aspirationen i scenen förändras något. Man vill att folk ska anpassa sig till karaktären främst genom komedin i stället för deras vinster och förluster.

Scenens egenskaper behöver inte längre vara realistiska. Ta den här scenen från Shaun of the Dead som exempel. Är det realistiskt för Shaun, Liz och Ed att slå en zombie med snookerkuber i takt till ”Don’t Stop Me Now” av Queen? Knappast.

Men scenen tjänar ändå historien. Den visar att karaktärerna är extremt överdrivna i sin situation. Trots att de vinner, vilket kan hänga ihop med slumpen, är scenens huvudfokus att få publiken att skratta.

Därmed behöver fokus i en kick-ass fightscen inte alltid vara striderna.

#9 – Crouching Tiger, Hidden Dragon

Det finns å andra sidan en del fightscener där fokus i scenen är striderna. Som i Crouching Tiger, Hidden Dragon är det striderna som leder stridsscenerna. Även om det låter ganska grundläggande att prioritera striderna i en kampscen kan det ändå vara svårt att hålla publikens uppmärksamhet.

För att göra det något lättare att förstå hur man skriver en spark som kampscen måste man förstå att en kampscen bara är en typ av actionscen. Handlingsscener kan inkludera alla scener som innehåller ett argument för en jaktscen.

Aktionsscener är interaktioner med konsekvenser. Vilka är därför konsekvenserna av din kampscen för din berättelse och karaktär?

Oavsett om konsekvenserna av din scen är fysiska för dina karaktärer eller om de har en mer direkt effekt på din berättelse måste du överväga hur scenen tjänar ditt manus överlag.

Detta slagsmål visar hur tempot i en scen är viktigt för att skapa en konflikt. I stunderna av stillhet mellan motståndarna efter en intensiv svärdstrid skapar tempot en virvelvind av känslor eftersom insatserna i striden ständigt förändras.

Scenen bevisar att det inte är något fel med lite gammaldags en mot en-strid så länge man tänker på vad som händer mellan raderna.

#10 – Captain America: The Winter Soldier

Vem älskar inte en högbudget, högtryck, macho fight scene? Det spelar egentligen ingen roll om den är till din smak eller inte, det viktiga är vad du kan ta med dig från den. Återigen, bristen på dialog gör att din uppmärksamhet riktas mot striderna.

Relationen mellan Captain America (Chris Evans) och The Winter Soldier (Sebastian Stan) är det som förhöjer konflikten i stridsscenen i Captain America: The Winter Soldier. Det är vänskapen mellan paret som skapar spänningen eftersom Captain America inte vill slåss eller skada sin bästa vän.

För att upprepa är det inte enbart kampsekvensen som är viktig för den här historien. Det är forskningen. Eftersom karaktärerna existerar i förväg i en hel värld av serier är deras motivationer och tidslinjer förkonstruerade.

Såväl som de grundläggande reglerna för att skriva en slagsmålsscen måste man därför ta hänsyn till reglerna när man tar karaktärer som redan existerar i sin egen värld.

Detta kan vara en spännande utmaning såväl som en skrämmande, man behöver bara forska om sina karaktärer och den undertext som ligger bakom dem.

#11 – Mandy

I en stridsscen bör du låta en karaktärs taktik återspegla deras moral. I den här scenen från Mandy kan man läsa att Spider inte tvekar när han attackerar Red. Det visar att Spider har väldigt lite ånger, om ens någon, för det våld och den skada han utövar.

Detta säger oss att hans karaktärs svaghet inte kommer att vara relaterad till hans moral. Dessutom antyder det att Red kommer att behöva övervinna Spider fysiskt.

Tonen i Mandy är också komplex. Den har mångfacetterade lager till vad den försöker uppnå genom sin ton. Filmen som helhet har ett mycket långsamt tempo. Den strävar inte heller nödvändigtvis efter autenticitet genom att betona sina mer surrealistiska visuella element.

Våldet som förklaras i hela manuset kommer till liv i filmen. Även om vissa detaljer kan skilja sig åt, finns den övergripande atmosfären av de groteska och brutala slagsmålsscenerna kvar genom den konsekventa tonen och tempot i anpassningen från manus till film.

#12 – Raiders of the Lost Ark

Rykten säger att Harrison Ford på inspelningsplatsen för Raiders of the Lost Ark kände sig för ohälsosam för att filma slagsmålsscenen som var inskriven i manuskriptet. I scenen nedan börjar Indiana Jones slåss mot några anonyma antagonister på gatan.

Han möter sedan sin jämlike. Vi antar att svärdsmannen är hans match eftersom han är skriven för att vara synligt distinkt från alla andra utmanare.

I manuskriptet skulle Indiana Jones besegra sin fiende i en långvarig strid som bevittnas av förbipasserande. I stället, i detta humoristiska alternativ som tjänar historien och karaktären, möter han sin motståndare som om han skulle inleda ett dödläge och skjuter honom innan han får chansen att röra en muskel. Detta avslöjar Indianas nonchalans, en viktig aspekt av hans karaktär.

Vi ställer den här frågan till dig. Är en stridsscen alltid nödvändig? Skulle en fullständig slagsmålsscen ha tjänat historien eller karaktären mer än slutresultatet?

När en sida manus motsvarar en minut filmtid har man inte alltid tid att inkludera en slagsmålsscen, särskilt inte när den inte är väsentlig för handlingen. Detta kan också tas till intäkt för att om någon scen behöver omarbetas på grund av komplikationer, blir den ibland bättre än originalet.

#13 – The Raid 2

En annan metod för att försöka hålla publiken underhållen är att introducera flera slagsmålsscener som utspelar sig samtidigt på olika platser.

Det är ett rakt tillvägagångssätt för att undvika en ensidig slagsmålsscen. Det är en metod som delar upp publikens uppmärksamhet, vilket gör att dina mästare kanske vinner sin kamp lättare men verkar ha ansträngt sig mer än vad de faktiskt har gjort.

Publiken är inte lika fokuserad på en viss kamp, utan på flera karaktärers seger. Det är också ett snabbare sätt att utforska karaktärerna och att föra berättelsen snabbare framåt. The Raid 2 är ett exempel på hur simultana stridsscener utförs framgångsrikt.

Samtidigt som research inte alltid är en prioritet är det aldrig skadligt. Om du försöker göra din scen intressant och autentisk kan du undersöka vissa specifika element i din scen. För den här stridsscenen i The Raid 2 skulle du till exempel kunna ställa följande frågor: Hur dödligt är ett hammarsår? Orsakar en hammare eller ett slagträ mer skada i ett slagsmål?

Låt oss bara hoppas att ingen hittar din sökhistorik!

#14 – X-Men: First Class

Som i Captain America var författarna till X-Men: First Class tvungna att ta hänsyn till de befintliga karaktärsskildringarna i alla tidigare adaptioner på film, tv och i serietidningar.

I den här scenen fungerar det till författarens fördel om publiken är medveten om klimaxet i den här historien eller inte. Om publiken inte är medveten om att Magneto (Michael Fassbender) är orsaken till att Charles Xavier (James McAvoy) sitter i rullstol kommer de att uppleva chocken av konflikten för första gången.

Medans den publik som redan är fans av berättelsen finner tillfredsställelse i att resultatet av deras förväntan utspelar sig framför dem, är det bra att tänka på vem du skriver karaktärerna för?

Att göra en anpassning intressant och ny, när publiken kanske redan känner till historien, kan vara en svår utmaning att navigera. Försök, där det är möjligt, att balansera mellan att introducera en ny publik till detta ögonblick och att belöna dem som känner till historien inifrån och ut.

Det kan vara spännande att se en ny berättelse komma till liv, men det kan också vara spännande att se en scen som du bara har föreställt dig i ditt huvud komma till liv.

#15 – Rise of the Planet of the Apes

Kan spelbokens regler tillämpas på en scen när karaktärerna i fråga inte slår tillbaka? Vad händer om karaktären inte ens är mänsklig?

En scen i Rise of the Planet of the Apes utforskar denna intressanta dynamik. Trots Dodge’s (Tom Felton) överlägsenhetskomplex kan vi känna hans rädsla för Caesar (Andy Serkis). Han vet att han är fysiskt underlägsen en apa och slår därför till med sin elpistol.

Medans vi upptäcker information om Dodges karaktär genom hans brådska att slåss och kontrollera, upptäcker vi information om Caesars karaktär genom hans vägran att slåss.

Det är chocken över Caesars förmåga att tala och ge igen genom ett djupt, högt, vrålande ”NEJ” som tvingar scenen att nå sitt klimax som förberedelse för apornas flykt från fängelset.

Caesars förmåga att tala och få makt över andra tjänar historien och karaktären fullt ut. Den tar berättelsen i en ny riktning genom att avslöja en chockerande ny aspekt av Caesars karaktär.

Hur man skriver en stridsscen: Slutsats

Saker att komma ihåg:

I slutändan är alla slagsmålsscener olika. De kan alla ha ett annat syfte. Den här spelboken är till för att hjälpa dig när du börjar skriva din slagsmålsscen. Använd ditt eget initiativ när du skriver och när du får ett visst förtroende för dina scener, då kan du börja leka med förväntningar och konventioner.

Tänk på att när du skriver en slagsmålsscen skriver du inte nödvändigtvis en scen som är unik eller skiljer sig från alla andra i manuset. Att avslöja karaktärer, teman och föra handlingen framåt är viktigt i din scens uppbyggnad. Det som är annorlunda är vad som står på spel, som på grund av den fysiska kontaktens natur är högt ställda. Pressen är stor.