A Justice ebben a hónapban visszatér Ausztráliába a Sydney City Limits és egy exkluzív side show keretében a melbourne-i Hisense Arénában. Ne hagyd ki!

Xavier de Rosnay, a Justice néven ismert elektro-legendák egyik fele a legblaszfémikusabban emlékszik vissza a játékot megváltoztató zenei munkásságának születésére.

2002-ben, Párizsban két grafikus besétált egy buliba. Xavier De Ronsay-nak és Gaspard Augé-nak volt néhány közös barátja, akik történetesen egy lemezkiadót vezettek, és számokat kerestek egy válogatáshoz. Azonnali kapcsolatuk révén a páros úgy döntött, hogy kipróbálják magukat egy dal elkészítésében. Ekkor alkották meg a We Are Your Friends című, áttörést hozó kislemezüket – egy jóleső, funkos, azonnali himnuszt, amely a remixversenyt ugyan elvesztette, de elnyerte Pedro Winter, az újonnan alapított Ed Banger Records igazgatójának figyelmét, aki a Daft Punkkal is büszkélkedhetett korábbi ügyfelei között. Egy héttel később már az ő irodájában voltak, és lemezszerződést írtak alá.

Történt 14 év és három album, és a Justice átáramlott a hangzásokon és stílusokon, a filmes diszkótól a rockkal átitatott, futurisztikus gospelig. Miközben váltogatták a stílusokat, ami állandó, az a nagy dallamokhoz és a tagadhatatlan groove-hoz való érzékük – és ez valami azonnal legendás, és mindig összetéveszthetetlenül sajátjukat teremtette meg. Kitörésük éveiben péppé zúzták a rajongók elvárásait. A 2005-ös ‘Waters of Nazareth’ tele volt torzított, elektro-szintihangokkal, és kísérteties rockakkordokkal emelkedett. “Tudtuk, hogy olyasmit akarunk csinálni, ami úgy hangzik, mint… a vasárnapi istentiszteleti zene, de egy kicsit sötétebb és agresszívebb” – mondja Xavier. Az utód, a D.A.N.C.E. azonban egy gyerekkórust és egy túlságosan vidám diszkópop hangzást alkalmazott. Az üzenet egyértelmű volt – a Justice-tól bármit és mindent várhatsz. Szerény viselkedésük ellenére egyértelmű volt, hogy mind az ő, mind Gaspard kreatív elképzelései borotvaélesek.

A másik állandó dolog a logójukban rejlik – a szent kereszt felturbózott változata, amely a három albumon keresztül stílusában változik. Egy egyszerű aranyszínű körvonal az elsőn, egy középkori kövön át a fémes, többszínű, holografikus olajfoltokkal tarkított fémig a legutóbbi kiadványukon, a Woman-en. Mindegyikük markáns, baljóslatú, és erőteljes ábrázolás, amely illik erőteljes zenéjükhöz. Hogyan sikerült ennek a duónak a világ legfelismerhetőbb logójára rávetítenie saját jelentését és márkáját? “Amikor a lemezborítót készítettük, észrevettük, hogy a “T” a “Justice” középső betűje, és hogy ezt egy kereszttel lehetne helyettesíteni. Nagyon tetszett nekünk a heavy-metal és rock stílusú logótervezés, és a Justice logóját is hasonló módon akartuk megtervezni. Folyamatosan használtuk az összes művészeti alkotásunkban, és soha nem hagyta el. Hihetetlen, ha belegondolsz, mert ez nyilvánvalóan nem a mi logónk. Ez Jézus Krisztus logója. Elég őrületes, ahogyan sikerült ezt az univerzális jelet megfognunk és egy bizonyos módon birtokba vennünk.”

Xavier ezt ahhoz köti, hogy a jó zene akaratlanul is képes egy saját vallást létrehozni, ahogyan a hitvallásokat összehozza – és ahogyan az övéknek pontosan ez volt a célja. “Határozottan nem kötődünk a valláshoz abban az értelemben, hogy keresztény zenekar akarunk lenni vagy ilyesmi. A koncertjeinkre természetesen mindenkit szívesen látunk! De személy szerint nem hiszem, hogy a szimbólumot el lehet választani a vallástól, és ez így van rendjén. Úgy készítjük a számainkat, hogy ez a fajta vallásos érzés történik – abban, ahogyan összegyűjtjük az embereket. A zene egyike azoknak a dolgoknak – különösen, ha nagy helyszíneken játszol -, ami sok embert képes összegyűjteni és rávenni őket, hogy mindannyian ugyanazt a dolgot tegyék, ugyanabba az irányba nézzenek. Ez is egy nagy pontja minden vallásnak.”

Ez leginkább a 2016-os Woman című számukban érhető tetten, amely a kemény elektro debütálásukat, a ‘†’-t és a prog-rock folytatást, az ‘Audio, Video, Disco’-t olvasztja egybe. Egy csipetnyi gospellel. “A Woman a kóruszene ötletéből indult ki, de egy futurisztikus gospellemezt akartunk készíteni, arra az alapra építve, amit az előző két albummal megteremtettünk, a gospelt oldalra akartuk fordítani, és sok új, érdekes dolgot csinálni. Szerettük azt az erőt, ami akkor jön létre, amikor 20 ember énekli ugyanazt a sort, valamint az anonimitás érzését. És semmi bajunk a szólóénekesekkel, rengeteg énekessel dolgoztunk már együtt! De összességében úgy gondoltuk, hogy a kórus nagyon erőteljes rezgést kölcsönöz a zenének. Egyszerűen nem lehet ugyanazt a felső szöveget írni egy embernek, mint 20-nak. A felső sorok sokkal komolyabbak, amikor szólóénekeseknek írsz. A kórusokkal együtt énekelhetőbbé válik a zene, mert a szövegnek egyszerűbbnek kell lennie, mint amikor szólóénekesnek írsz. ” Így már érthető, hogy miért dönthetnek úgy, hogy a dalok nevén belül nem adják meg a szóló jellegzetességeiket, és többnyire megtartják maguknak az életüket – on- és offline -. Azzal, hogy fenntartják a munkatársak kétértelműségét és némi fenntartást a zenén kívüli létezésükkel kapcsolatban, úgy tudják bemutatni a Justice-t, mint egyetlen egységet, amelyet csak a zenéjük képvisel, és mint sokak hangjának csúcspontját, nem pedig kettőét.

A Woman, mint az előtte lévő albumok mindegyike, az üzenet szándékával és pontosságával készült. “Ezt a lemezt úgy kezdtük el készíteni, hogy írtunk néhány dallamot, és miután megírtunk néhány számot, azt gondoltuk: “Mi kell ahhoz, hogy izgalmas legyen, amikor az elejétől a végéig hallgatod?”. Általában úgy kezdjük, hogy eldöntjük: “Oké, most megcsináljuk a nyitó számokat”, így készült el a Safe and Sound. Minden számnak van egy duplája vagy ellentéte a lemezen, így aztán elkészítettük az utolsó számot, a Close Callt. Aztán elkezdtük kitölteni a hiányosságokat.”

“Úgy gondoljuk, hogy egy albumon néha olyan dalokat kell készíteni, amelyek kislemezként nem fogják érdekelni a közönséget, de segítenek előrevinni az album elbeszélését. Amikor már van 5-6 számunk, és elkezdtük kialakítani, hogyan néz ki az album, akkor kezdjük el igazán összerakni az egészet, hogy minden dal együtt működjön. Úgy terveztük az albumot, hogy két fele legyen, középen a Chorus a csúcs, és aztán természetesen megjelenik a lemez két oldala.”

Az eredmény egy olyan album, amely sokak szerint a Justice-t képviseli az egyre emelkedő csúcson. A diszkó és a rock, az elektro és a gospel, az organikus és az elektronikus hangszerek fúziója – ez nem éppen háttérzene. Minden figyelmedet leköti, hogy egy olyan hallgatást hozzon létre, amit csak dicsőségesnek lehet nevezni. Amikor megkérdeztem, hogy milyen előadók és dalok voltak hatással a stílusukra, Xavier a The Boggles “Video Killed The Radio Star”-ját nevezte meg. “Abban az időben nagyon nagyok voltak Párizsban – egy duó, nagyszerű zenészek voltak, de szerettük, hogy a zenéjük inkább arról szólt, hogy mit tehetsz, ha a stúdiót eszközként használod, és nem csak azt veszed fel, ami abban a pillanatban a fejedben van. Mi a stúdiót a zenekar harmadik tagjaként használjuk. A stúdiónkban van egy kicsit mindenből. Nagyon régi gépek, nagyon új dolgok, olcsó szintetizátorok és nagyon csúcskategóriás berendezések keveréke. Ha jó, nem érdekel minket, hogy szintetikus vagy analóg, régi vagy olcsó. Sok hagyományos hangszert is használunk, aztán sok digitális feldolgozást.”

A hónap végén a páros sok-sok év után először indul a tengerpartra, hogy fellépjen az SXSW testvérfesztiválján, a Sydney City Limits-en. A nagyhírű élő showjuk nem kevesebb, mint amit tőlük elvárhatunk. És azon dolgoznak, hogy még jobbá tegyék. “Most éppen az élő show-kon dolgozunk igazán, mert úgy gondoljuk, hogy rengeteg dolog van, amit produkálunk, amikor élőben játszunk! Még mindig szeretjük az albumokat, és még mindig szeretünk albumokat készíteni, de egyelőre erre koncentrálunk.”