Justice kehren diesen Monat für Sydney City Limits und eine exklusive Sideshow in der Hisense Arena in Melbourne nach Australien zurück. Das solltet ihr nicht verpassen.

Xavier de Rosnay, die eine Hälfte der Elektro-Legende Justice, erinnert sich an die Geburt seiner bahnbrechenden Musikalität in den schönsten Worten.

In Paris, 2002, betraten zwei Grafikdesigner eine Party. Xavier De Ronsay und Gaspard Augé hatten ein paar gemeinsame Freunde, die zufällig ein Plattenlabel betrieben und Titel für eine Compilation suchten. Die beiden verstanden sich auf Anhieb und beschlossen, sich an einem Song zu versuchen. So entstand ihre bahnbrechende Single We Are Your Friends – eine Wohlfühl-Hymne voller Funk, die zwar den Remix-Wettbewerb verlor, aber die Aufmerksamkeit von Pedro Winter, dem Chef des neu gegründeten Labels Ed Banger Records, das Daft Punk zu seinen früheren Kunden zählte, auf sich zog. Eine Woche später saßen sie in seinem Büro und unterzeichneten einen Plattenvertrag.

Nach 14 Jahren und drei Alben haben sich Justice durch verschiedene Klänge und Stile bewegt, von Cinematic Disco über Rock bis hin zu futuristischem Gospel. Während sie zwischen den Stilen hin- und hergesprungen sind, ist ihr Gespür für große Melodien und einen unbestreitbaren Groove konstant geblieben – und das hat etwas geschaffen, das auf Anhieb legendär und immer unverkennbar das ihre war. In den Jahren ihres Durchbruchs zerschlugen sie die Erwartungen der Fans zu Brei. Das 2005er Album „Waters of Nazareth“ war voll von verzerrten Elektro-Synthies und stieg mit eindringlichen Rock-Akkorden auf. „Wir wussten, dass wir etwas machen wollten, das wie… Musik für den Sonntagsgottesdienst klingt, aber ein bisschen düsterer und aggressiver“, sagt Xavier. Der Nachfolger D.A.N.C.E. hingegen arbeitete mit einem Kinderchor und einem überschwänglichen Disco-Pop-Sound. Die Botschaft war klar – von Justice kann man alles und jeden erwarten. Trotz ihres bescheidenen Auftretens war klar, dass sowohl er als auch Gaspard messerscharfe kreative Visionen haben.

Eine weitere Konstante findet sich in ihrem Logo – eine aufgepeppte Version des heiligen Kreuzes, das sich über die drei Alben hinweg stilistisch weiterentwickelt. Von einem einfachen goldenen Umriss auf dem ersten Album über einen mittelalterlichen Stein bis hin zu einem Metallic-Logo mit mehrfarbigen, holografischen Ölspritzern auf dem letzten Album Woman. Sie sind alle markant, bedrohlich und eine kraftvolle Darstellung, die zu ihrer kraftvollen Musik passt. Wie hat es das Duo geschafft, seine eigene Bedeutung und Marke auf das bekannteste Logo der Welt zu projizieren? „Als wir die Plattenhülle gestalteten, fiel uns auf, dass das ‚T‘ der zentrale Buchstabe von ‚Justice‘ ist und durch ein Kreuz ersetzt werden könnte. Uns gefiel das Logo-Design im Heavy-Metal- und Rock-Stil, und wir wollten das Justice-Logo in ähnlicher Weise gestalten. Wir haben es immer wieder in all unseren Kunstwerken verwendet, und es hat uns einfach nicht mehr losgelassen. Es ist unglaublich, wenn man darüber nachdenkt, denn es ist offensichtlich nicht unser Logo. Es ist das Logo von Jesus Christus. Es ist irgendwie verrückt, wie wir es geschafft haben, dieses universelle Zeichen zu nehmen und es auf eine bestimmte Art und Weise zu besitzen.“

Xavier bringt dies mit der Art und Weise in Verbindung, wie gute Musik ungewollt eine eigene Religion schaffen kann, in der Art und Weise, wie sie Glaubensrichtungen zusammenbringt – und wie ihre Absicht war, genau das zu tun. „Wir sind definitiv nicht an eine Religion gebunden, indem wir versuchen, eine christliche Band oder was auch immer zu sein. Jeder ist natürlich bei unseren Shows willkommen! Aber ich persönlich glaube nicht, dass man das Symbol von der Religion trennen kann, und das ist auch in Ordnung. Die Art und Weise, wie wir unsere Tracks machen, ist es, diese Art von religiösem Gefühl zu erzeugen – in der Art und Weise, wie wir die Leute versammeln. Musik ist eines dieser Dinge – vor allem, wenn man auf großen Bühnen spielt -, die eine Menge Leute zusammenbringen und sie alle dazu bringen kann, dass sie dasselbe tun und in dieselbe Richtung schauen. Das ist auch ein wichtiger Punkt jeder Religion.“

Am deutlichsten wird das in ihrem 2016er Werk „Woman“, das ihr Hard-Electro-Debüt „†“ und den Prog-Rock-Nachfolger „Audio, Video, Disco“ zu einer Einheit verschmilzt. Mit einem Hauch von Gospel. „Woman entstand aus der Idee der Chormusik, aber wir wollten ein futuristisches Gospel-Album machen, aufbauend auf der Basis, die wir mit den beiden vorherigen Alben geschaffen haben, wollten wir den Gospel auf die Seite drehen und viele neue, interessante Dinge machen. Wir mögen die Kraft, die entsteht, wenn 20 Leute die gleiche Zeile singen, und auch das Gefühl der Anonymität. Und wir haben nichts gegen Solosänger, wir haben schon mit vielen gearbeitet! Aber wir waren der Meinung, dass der Chor als Ganzes der Musik eine sehr starke Schwingung verleiht. Man schreibt für eine Person einfach nicht dieselben Obertöne wie für 20. Die Toplines sind ernster, wenn man für Solokünstler schreibt. Chöre machen die Musik mitsingbarer, weil die Texte einfacher sein müssen, als wenn man für einen Solosänger schreibt. „Es ist also klar, warum sie ihre Solokarriere nicht in den Namen ihrer Songs erwähnen und ihr Leben – on- und offline – weitgehend für sich behalten. Indem sie die Zweideutigkeit der Kollaborateure und eine gewisse Zurückhaltung in Bezug auf ihre Existenz außerhalb der Musik aufrechterhalten, können sie Justice als eine Einheit präsentieren, die allein durch ihre Musik repräsentiert wird, und als eine Kulmination der Stimmen von vielen, anstatt von zwei.

Woman wurde, wie jedes der Alben zuvor, mit Absicht und Präzision auf eine Botschaft hin angefertigt. „Wir haben mit dieser Platte angefangen, indem wir ein paar Stücke geschrieben haben, und nachdem wir einige Tracks geschrieben hatten, dachten wir: „Was brauchen wir, damit es spannend wird, wenn man es von Anfang bis Ende hört?“ Normalerweise fangen wir damit an, dass wir sagen: „Okay, jetzt machen wir die Eröffnungstracks“, und so haben wir Safe and Sound gemacht. Jeder Track hat ein Double oder ein Gegenstück auf der Platte, also haben wir den letzten Track, Close Call, gemacht. Und dann fangen wir an, die Lücken zu füllen.“

„Wir denken, dass man in einem Album manchmal Songs machen muss, die als Singles kein öffentliches Interesse haben, aber sie helfen, die Erzählung des Albums voranzutreiben. Wenn wir erst einmal 5 oder 6 Tracks haben und wir beginnen, das Album zu formen, dann fangen wir an, alles zusammenzufügen und dafür zu sorgen, dass jeder Song zusammen funktioniert. Wir haben das Album so konzipiert, dass es zwei Hälften hat, mit Chorus als Höhepunkt in der Mitte, und dann erscheinen natürlich die beiden Seiten der Platte.“

Das Ergebnis ist ein Album, von dem viele meinen, dass es Justice auf dem Höhepunkt ihres Schaffens repräsentiert. Die Verschmelzung von Disco und Rock, Elektro und Gospel, die organischen und elektronischen Instrumente – das ist nicht gerade Hintergrundmusik. Sie fordert die ganze Aufmerksamkeit des Hörers und schafft ein Hörerlebnis, das man nur als glorreich bezeichnen kann. Auf meine Frage, welche Künstler und Songs ihren Stil beeinflusst haben, nannte Xavier „Video Killed The Radio Star“ von The Boggles. „Zu der Zeit waren sie in Paris sehr groß – ein Duo, sie waren großartige Musiker, aber wir liebten es, dass ihre Musik mehr eine Aussage darüber war, was man tun kann, wenn man das Studio als Instrument benutzt und nicht nur das aufnimmt, was man in diesem Moment im Kopf hat. Wir nutzen das Studio als drittes Mitglied der Band. Unser Studio hat ein bisschen von allem drin. Es ist eine Mischung aus sehr alten Geräten, sehr neuen Sachen, billigen Synthesizern und auch sehr hochwertigem Equipment. Wenn es gut ist, ist es uns egal, ob es synthetisch oder analog, alt oder billig ist. Wir verwenden auch eine Menge traditioneller Instrumente und eine Menge digitaler Bearbeitung.“

Ende des Monats werden die beiden zum ersten Mal seit vielen, vielen Jahren wieder in Australien auftreten, und zwar bei den Sydney City Limits, einem Schwesterfestival von SXSW. Ihre berühmte Live-Show ist nichts weniger als das, was man von ihnen erwartet. Und sie arbeiten daran, sie noch besser zu machen. „Im Moment arbeiten wir wirklich an den Liveshows, denn wir denken, dass es eine Menge Dinge zu tun gibt, die wir produzieren, wenn wir live spielen! Wir lieben immer noch Alben und wir lieben es immer noch, sie zu machen, aber das ist unser Fokus für jetzt.“