I Loves You, Porgy

Nur wenige Künstler haben sich so spektakulär entwickelt, obwohl sie der Plattenindustrie gegenüber so abgeneigt waren, aber auch nur wenige waren so talentiert wie Nina Simone. Der Wendepunkt in ihrer Karriere war die Ablehnung durch das Curtis Institute of Music im Jahr 1951, von der sie später erfuhr, dass sie rassistisch motiviert war. Nina Simone – geboren als Eunice Kathleen Waymon – war ein Wunderkind, und in ihrer Heimatstadt Tryon, North Carolina, war ein Fonds eingerichtet worden, um ihr zu helfen, die erste schwarze Konzertpianistin in den USA zu werden. Die überraschende Ablehnung ließ sie ratlos zurück und sie brauchte Geld. Nach verschiedenen legalen Jobs nahm Eunice einen Künstlernamen an, damit ihre Mutter, eine methodistische Pastorin, nicht herausfand, dass sie in einer Bar in Atlantic City die Musik des Teufels“ spielte (Nina war ein Kosename, den ihr ein Freund gegeben hatte; Simone kam von der französischen Schauspielerin Simone Signoret). Nach einer ersten Nacht, in der sie in der Midtown Bar and Grill Gospelsongs mit Bach, Czerny und Liszt vermischte, wurde Simone gesagt, sie müsse in Zukunft singen, wenn sie ihren Job behalten wolle. Sie baute sich schnell ein Repertoire und eine feste Fangemeinde auf, was dazu führte, dass Bethlehem Records Interesse zeigte und ihr erstes Album Little Girl Blue veröffentlichte. Eine wunderbar zarte Version von I Love You, Porgy wurde auf Anregung eines Freundes, der Billie Holiday gehört hatte, aufgenommen, und Simones Interpretation wurde bald im Radio gespielt und wurde 1959 überraschend ein Top-20-Hit in den USA. Simone sträubte sich gegen die Vergleiche mit Holiday. „Ich mochte es nicht, mit anderen Jazzsängerinnen in eine Schublade gesteckt zu werden, denn meine Musikalität war völlig anders und auf ihre eigene Art überlegen“, schrieb sie in ihrer Autobiografie I Put a Spell on You. „Es war eine rassistische Sache: ‚Wenn sie schwarz ist, muss sie eine Jazzsängerin sein.‘ Das hat mich herabgesetzt.“

My Baby Just Cares for Me

Der Vertrag, den Simone mit Bethlehem Records schloss, war kurzsichtig. Sie unterschrieb die Rechte an all ihren frühen Aufnahmen im Tausch gegen 3.000 Dollar, was ihr damals wahrscheinlich als eine Menge Geld erschien. Dieser Mangel an Voraussicht sollte sie ein Vermögen kosten, und es sollte nicht das letzte Mal sein, dass sie mangelnden finanziellen Scharfsinn bewies. Nachdem Simone ihren Fehler eingesehen hatte und zu Colpix Records wechselte, brachte Bethlehem ein zusammengeschustertes zweites Album heraus – Nina Simone and Her Friends -, aber erst 1987, als My Baby Just Cares for Me in Europa explodierte, schlug es richtig ein. Dennoch brachte der Erfolg – der Song wurde in einer Parfümwerbung verwendet – Simone ein neues Publikum und erlaubte es ihr, bis zu ihrem Tod 2003 nur dann zu arbeiten, wenn sie es brauchte. (Sie nahm nur ein weiteres Studioalbum auf, A Single Woman, 1993). Es ist erstaunlich, dass My Baby Just Cares for Me so lange relativ unbekannt bleiben konnte, wenn man bedenkt, wie gut es ist. Es enthält ein atemberaubendes, virtuoses Klaviersolo, das die perfekte Verschmelzung ihrer klassischen Ausbildung und ihrer Jazzimprovisation darstellt, während ihr trauriges Timbre im Kontrast zu einer stolzen Erzählung und einer allgemein optimistischen Stimmung ein seltsames Paradoxon schafft. Wie bei dem schönen He Needs Me hat man das Gefühl, dass die ganze Einbildung über ihren Geliebten auf einer Täuschung beruhen könnte.

Mississippi Goddam

Mit Standards in ihrem Repertoire wie Work Song, das die schweißtreibende Arbeit der Kettenbande heraufbeschwört, war es klar, dass Simones Sympathien in den frühen 60er Jahren der Bürgerrechtsbewegung galten, aber ein selbst geschriebener Protestsong als Reaktion auf einen kaltblütigen Mord ließ sie 1964 zu einer Galionsfigur werden. Der Bürgerrechtler Medgar Evers war im Jahr zuvor von einem Mitglied des White Citizens‘ Council ermordet worden, ebenso wie der Bombenanschlag auf die 16th Street Baptist Church in Birmingham, Alabama, bei dem vier junge Mädchen getötet wurden. Mississippi Goddam ist ein frustrierter Aufruf zu den Waffen, ein Plädoyer für Gnade, ein widerspenstiger Schrei des Trotzes und eine wütende Stimme der Vernunft, die sich gegen die unhaltbarsten und ungerechtesten Situationen wendet. Obwohl Simone Martin Luther King sehr bewunderte, teilte sie nicht unbedingt seine Doktrin der passiven Rechtschaffenheit. „Kannst du es nicht sehen, kannst du es nicht in der Luft spüren?“, jammert sie, „Ich halte den Druck nicht länger aus!“. Mississippi Goddam war umstritten, nicht zuletzt wegen des Fluches im Titel. „Wir haben es als Single veröffentlicht und es hat sich gut verkauft, außer im Süden, wo wir Probleme mit dem Vertrieb hatten“, schreibt Simone. „Die Entschuldigung war Gotteslästerung – Goddam! –

Sinnerman

Der Ursprung von Sinnerman (oder Sinner Man, bevor Simone die Abstände wegließ) ist unklar, manche behaupten, das traditionelle afroamerikanische Spiritual sei ursprünglich ein schottisches Volkslied gewesen. Die früheste bekannte Aufnahme ist Les Baxters Version aus dem Jahr 1956, obwohl Simone das Lied mit ziemlicher Sicherheit aus ihrer Kirche übernommen hat, in der sie von klein auf Pianistin war. Ihre Version, die sie Mitte der 60er Jahre live in New York für ihr Album Pastel Blues aufnahm, ist zur bestimmenden Version geworden, die wegen ihrer hohen Dramatik in einer Vielzahl von Filmen verwendet wurde, darunter David Lynchs Inland Empire, und die auch von Felix da Housecat geremixt und von Kanye West und Talib Kweli auf dessen Get By gesampelt wurde (West ist es nicht fremd, Simone zu sampeln, denn er hat sich mit der Verwendung des erschütternden Strange Fruit als Grundlage für seine Kritik an den Alimenten unbeliebt gemacht). Sinnerman ist zu einem ihrer Markenzeichen geworden, und wenn man sich die 11 Minuten voller herzzerreißender Rhythmen, Nervenkitzel und inspirierter Momente spontaner Erfindungen anhört, ist es nicht schwer zu verstehen, wie sie den Beinamen Hohepriesterin des Soul bekommen hat. Simone trat in den 60er Jahren oft in New York auf, und ihr Traum, in der Carnegie Hall zu spielen, ging 1963 in Erfüllung, allerdings mit einer Einschränkung: Sie war nicht da, um ihren geliebten Bach zu spielen.

I Put a Spell on You

Simone hat nicht viele ihrer eigenen Songs geschrieben, aber als eine der besten Interpretinnen von Liedern anderer hatte sie das auch kaum nötig. Zum Beispiel Screamin‘ Jay Hawkins‘ I Put a Spell on You aus dem Jahr 1956. „Ich war ein ganz normaler Bluessänger. Ich war einfach Jay Hawkins“, sagte der Komponist. „Es hat sich alles irgendwie ergeben. Ich fand heraus, dass ich mehr kann, als einen Song zu zerstören und ihn zu Tode zu schreien.“ Es ist ein zutiefst unterhaltsamer, wenn auch leicht schriller Voodoo-Walzer mit unheimlichem Gebell, wenn Hawkins ihn auf seine kriegerische Art vorträgt. Zumindest klingt es so im Vergleich zu Simones Version, die glatter ist als ein polierter Fußboden in einem Palast. Die wirbelnden Blechbläser zu Beginn, gefolgt von Simones tiefem Altgesang, und dann diese unwiderstehlichen, glitzernden Glissandi vermitteln bei jedem Hören das Gefühl, einen Klassiker vor sich zu haben. I Put a Spell on You gleitet mühelos ins Ohr, und ehe man sich versieht, hat es einen genau da, wo es einen haben will.

Feeling Good

Simone mag es übel genommen haben, als Jazzmusikerin bezeichnet zu werden, aber es ist schwer, den Big-Band-Schwung von Feeling Good zu leugnen, das vielleicht ihr beliebtestes Lied ist. Er entstand im Jahr zuvor aus dem Musical The Roar of the Greasepaint – The Smell of the Crowd, das von Anthony Newley geschrieben und aufgeführt wurde und dessen Text von Leslie Bricusse stammt. Simone und der in Brooklyn ansässige Produzent Hal Mooney machten sich daran, das klimpernde Intro zu entfernen, um nur ihre nackte Stimme übrig zu lassen, und bauten eine enorme Spannung auf, bevor sie sich mit einer Salve bombastischer Bläser entlud. Der Rest des Stücks mit seinem stakkatoartigen Klavier als Kontrapunkt ist ebenso unwiderstehlich. Simones Feeling Good war ein weiterer Song, der von den wiederholten Wiederholungen eines Werbespots aus den 80er Jahren (diesmal für Weichspüler) profitierte. Seitdem wurde er mehrfach von Hip-Hop-Künstlern gesampelt, unter anderem von Kanye West für New Day auf dem Album Watch the Throne mit Jay Z. Abgesehen davon, dass sie ein Megaphon einsetzten, blieben Muse dem Arrangement von Simone treu, als sie es 2001 coverten. Die NME-Leser wählten es 2010 zur besten Coverversion aller Zeiten, was Muse hoffentlich etwas peinlich war.

Four Women

Simones Interpretationen bestehender Songs waren so eindringlich, dass andere Künstler oft ihre Version und nicht die des Originalinterpreten klauten. David Bowie gab zu, dass er zu einer Version des Titelsongs auf seinem Album Wild Is the Wind inspiriert wurde, nachdem er Simone 1975 in Los Angeles getroffen hatte, während Jeff Buckleys Lilac Wine auf unheimliche Weise in das von der Sängerin gewählte Metrum verfällt. Nur wenige Künstler hatten die Kühnheit, ihre eigene Komposition Four Women zu covern, so unnachahmlich ist sie. Über einem starken, mittelschnellen Groove präsentiert sie uns vier starke farbige Frauen: Tante Sarah, Safronia, Sweet Thing und Peaches, die sich jeweils in der ersten Person beschreiben und ihr persönliches Leid schildern. Safronia zum Beispiel singt: „Mein Vater war reich und weiß / er hat meine Mutter eines Nachts gezwungen“. Es ist ein seltsames Lied, wenn man seine Struktur bedenkt, und ohne einen nennenswerten Refrain ist seine Schlichtheit so effektiv, dass man eine Gänsehaut bekommt. Simone war bestürzt darüber, dass einige Kritiker ihr trotz ihres Status als Aktivistin rassistische Stereotypen vorwarfen; Tante Sarah sagt, ihr Haar sei „wollig“, und einige meinten, sie als Tante zu bezeichnen, entspreche dem Archetypus der Tante Jemima-Mama. „Schwarze Frauen wussten nicht, was sie wollten, weil sie durch Dinge definiert wurden, über die sie keine Kontrolle hatten“, sagte Simone trotzig. „Und solange sie nicht das Selbstvertrauen hatten, sich selbst zu definieren, würden sie für immer im selben Schlamassel feststecken – das war der Punkt, auf den der Song hinauslief.“

I Ain’t Got No / I’ve Got Life

Simone nahm ungefähr so viele Live-Alben auf wie sie im Studio produzierte, und einige waren eine Mischung aus beidem. Bei einer so versierten Künstlerin, die mit fast telepathischen Musikerkollegen wie Al Shackman zusammenarbeitete, kann man davon ausgehen, dass ihr der One-Take-Charakter der Live-Arbeit entgegenkam. Nuff Said“ ist insofern etwas Besonderes, als es drei Tage nach der Ermordung von Dr. King auf der Westbury Music Fair aufgenommen wurde und als solches die rohen Emotionen, den Schock und das kollektive Zusammenkommen, das die Tragödie mit sich brachte, einfängt – die Show beinhaltete das Tribut Why? (The King of Love is Dead), das von Simones Bassisten Gene Taylor geschrieben wurde, kurz nachdem er die Nachricht gehört hatte. Ein anderer Song, der einen Monat später im Studio aufgenommen wurde – oder besser gesagt, zwei zusammengeschobene Songs aus dem Musical Hair – fängt die Stimmung von 1968 ebenfalls sehr gut ein. Ain’t Got No / I’ve Got Life ist eine fröhliche Hippie-Hymne, die die utopischen Werte des ersehnten gelobten Landes feiert. „Wie die meisten Nummern von Hair hätte man sie schnell vergessen können“, schrieb Robert Dimery in 1.001 Songs You Must Hear Before You Die. „Seine Aufnahme in das ernsthafte ‚Nuff Said!‘ ist auf den ersten Blick überraschend, aber in Simones Händen nimmt der Ruf nach Freiheit einen härteren Bürgerrechtston an, der mit den anderen Stücken übereinstimmt, während er dennoch die gute Stimmung beibehält. Der Song erreichte Platz 2 in den britischen Single-Charts.

To Be Young, Gifted and Black

Ein weiterer Song, der die Stimmung in den späten 60er Jahren einfing, war I Wish I Knew How it Would Feel to be Free, der als inoffizielle Hymne der Bürgerrechtsbewegung angenommen wurde, als Simone ihn fünf Jahre vor seiner Übernahme durch Barry Norman und die BBC-Serie Film … sang. 1969 setzte sie noch einen drauf und nahm einen Song auf, den sie selbst geschrieben hatte: To Be Young, Gifted and Black – benannt nach einem unvollendeten Stück ihrer Freundin Lorraine Hansberry, die als erste schwarze Autorin einen Broadway-Hit hatte. Simone sagte, Hansberry, die im Alter von 34 Jahren an Krebs starb, sei ihre Inspiration gewesen und habe sie gezwungen, die schwarze Bewegung ernst zu nehmen. Der Text könnte nicht weniger zweideutig und nicht positiver sein: „Auf der ganzen Welt gibt es eine Milliarde Jungen und Mädchen / Die jung, begabt und schwarz sind / Und das ist eine Tatsache!“ Die erhebende Gospelnummer mag bei vielen Anklang gefunden haben, aber nachdem Simone 1971 Amerika verließ, um auf eine Weltreise zu gehen, die bis zum Ende ihrer Tage andauerte, äußerte sie sich besorgt darüber, dass die Bürgerrechtsbewegung scheinbar ihren Weg verloren hatte und von der Disco verdrängt worden war. Es ist kein Zufall, dass ihre Plattenkarriere um diese Zeit herum abzufallen begann.

Baltimore

Simone wartete sechs Jahre, bevor sie ein weiteres Studioalbum aufnahm, und als sie es schließlich tat, verleugnete sie es wegen ihrer mangelnden Beteiligung an den Arrangements, obwohl es von der Kritik weltweit gelobt wurde. Das elegische Everything Must Change, das mit dem Produzenten Creed Taylor in Brüssel aufgenommen wurde, ist unverkennbar Simone, aber bei anderen Stücken betritt sie Neuland, darunter ein Hall & Oates-Cover (Rich Girl) und eine Reggae-inspirierte Randy Newman-Nummer für den Titelsong. Die Sängerin selbst wollte nicht in eine Schublade gesteckt werden, und hier dehnt sie sich noch mehr aus, auch wenn sie nicht so klingt, als würde sie sich besonders ausdehnen. Nach Baltimore stotterte Simones Plattenkarriere, und es gab kaum noch etwas zum Kanon hinzuzufügen, obwohl das kaum eine Rolle spielt, wenn es eine solche Fülle an großartigem Material gab, das über den größten Teil von zwei Jahrzehnten aufgenommen wurde.