Welcher Film kommt Ihnen als erstes in den Sinn, wenn Sie an eine Kampfszene denken? Vielleicht denken Sie an Stallones K.o.-Schlag in Rocky? Oder stellen Sie sich Keanu Reeves vor, wie er in „Matrix“ den Kugeln in Zeitlupe ausweicht?

Ob Sie nun ein Fan von hoch choreografierten Martial-Arts-Filmen oder von ausgefeilten CGI-Superheldenschlachten sind: Als Drehbuchautor ist es immer nützlich, eine Reihe von Grundregeln zu haben, wie man eine gute Kampfszene schreibt. Egal, welche Art von Kampfszene du schreibst, du brauchst einen Spickzettel oder ein Spielbuch, auf das du dich beziehen und an dem du wachsen kannst.

Dein Kampfszenen-Spielbuch: Wie man eine Kampfszene schreibt.

Top-Tipps für das Schreiben einer Kampfszene

• Recherchieren Sie. Wir haben den ersten Teil für dich erledigt, indem wir dir eine Checkliste als Grundregeln für das Schreiben deiner Szene gegeben haben. Jetzt müssen Sie die Handlung und die Figuren recherchieren. Es ist wichtig, dass sie sich authentisch anfühlen, damit das Publikum unterhalten wird.
• Dient die Szene deiner Geschichte? Deine Kampfszene sollte etwas für den Zweck deiner Geschichte bewirken. Der Kampf sollte für die Geschichte relevant sein und nicht nur dazu dienen, das Publikum für fünf Minuten zu fesseln.
• Dient die Szene deiner Figur? Das geht Hand in Hand mit dem Dienst an deiner Geschichte. Wenn die Szene deiner Figur dient, dann dient sie auch deiner Geschichte als Nachhall.
• Das Tempo ist wichtiger als die Details. Dein Skript ist ein Leitfaden, an dem du dich orientieren kannst, also versuche nicht, es zu einer erschöpfenden Liste von Regieanweisungen zu machen. In der Regel arbeiten die Autoren mit dem Regisseur/Stuntkoordinator zusammen und müssen am Ende vielleicht Kompromisse eingehen, was sie geschrieben haben.
• Lassen Sie den Ton die Szene bestimmen. Denken Sie an den Ton Ihres Drehbuchs. Hält sich die Kampfszene noch an die Grenzen, die der Ton Ihres Films vorgibt, oder fühlt sie sich fehl am Platz?
• Im Anschluss an Ihre Kampfszene können Sie dem Publikum sagen, was es fühlen soll. Sollen sie mit dem Sieger feiern oder mit dem Besiegten mitfühlen? Es gibt dem Zuschauer auch eine Sekunde Zeit, um über das Geschehene nachzudenken und zu verschnaufen.

15 der besten Kampfszenen aus Filmen

Werfen wir also einen Blick auf 15 der besten Kampfszenen aus Filmen (und eine aus dem Fernsehen). Das sind Kampfszenen, die nicht nur sehr unterhaltsam sind, sondern auch den Anforderungen der Geschichte gerecht werden.

Die Szenen, die wir ausgewählt haben, sind nicht hierarchisch aufgebaut und können nicht als die besten Kampfszenen aller Zeiten angesehen werden. Diese Szenen sind jedoch Beispiele für verschiedene Ansätze, eine Kampfszene zu schreiben, und alle haben eine Lektion zu vermitteln.

Beispiel für Kampfszene Nr. 1 – Atomic Blonde

In Atomic Blonde hat die Protagonistin Lorraine Broughton (Charlize Theron) in dieser ersten „Apartment“-Kampfszene keine tödlichen Folgen, außer dass sie ein paar Mal hinfällt.

Diese Szene ist strategisch früh im Drehbuch platziert und verdeutlicht dem Publikum Lorraines Fähigkeiten. Sie wird als die bessere Kämpferin gegenüber den anonymen Antagonisten in der Szene vorgestellt. Die Kampfszene dient der Darstellung des Charakters und etabliert sie als eine Kraft, mit der man rechnen muss.

Auch wenn dies ein einfaches Verfahren für das Schreiben einer Kampfszene zu sein scheint – den Protagonisten dazu zu bringen, den Antagonisten zu besiegen – ist diese Szene wichtig für die Geschichte in ihrer Beziehung zum Fortschreiten der linearen Erzählung.

Später im Drehbuch trifft Lorraine auf ihren Gegner. Während die erste Szene wohl eher einfach geschrieben und nicht die interessanteste ist, dienen beide in Verbindung mit dieser Szene dem Drehbuch insgesamt.

Die Szenen fügen sich zusammen, um schließlich eine Entwicklung von Lorraines Charakter zu präsentieren. Das Publikum hat erlebt, wie Lorraine ihre bisherigen Gegner mit wenig Mühe besiegt hat. Als sie jedoch von Spyglass (Eddie Marsden) herausgefordert wird, beginnt sie zu kämpfen und sieht sich mit unmittelbareren und physischen Konsequenzen konfrontiert, was den Einsatz, die Spannung und den Konflikt innerhalb der Geschichte erhöht.

#2 – The Matrix

Dieses Beispiel zeigt eine Kombination von Elementen, die eine Kampfszene ergeben, die alle Kriterien zu erfüllen scheint. Sie ist umfassend. Die Choreographie und die nicht-diegetische Musik sind eine Anspielung auf die hochtechnischen Kampfsportsequenzen in populären Martial-Arts-Filmen, von denen die Szene beeinflusst ist.

Die Szene nutzt diesen Einfluss strategisch, um die Dynamik von Lehrer und Schüler zwischen Morpheus (Laurence Fishburne) und Neo (Keanu Reeves) aufzubauen. Der Sound und die Musik kehren schließlich zu dem zurück, was typischerweise mit der Matrix und ihrem Genre assoziiert wird: schneller Techno, der die Spannung erhöhen soll.

Alle Elemente in dieser Szene dienen der Geschichte, den Figuren und dem Publikum. Morpheus fungiert als Lehrer sowohl für das Publikum als auch für Neo. Wir lernen, während er lernt.

Die Spannung in der Szene nimmt zu, als neue Informationen angeboten werden und Neo mehr Kontrolle über den Kampf und seine Situation erlangt. Diese Szene gibt dem Film nicht nur die Möglichkeit, seine beeindruckende Kampfchoreographie und die Zeitlupe zu zeigen, sondern sie ist auch ein wichtiger Moment in Neos Entwicklung.

#3 – Fight Club

Müssen in einer Kampfszene immer zwei Personen (oder mehr) gegeneinander kämpfen? Wenn jemand eine Kampfszene erwähnt, denken Sie vielleicht sofort an eine schnelle, blutige und gewalttätige Kampfszene von Mann zu Mann.

Wir nehmen Ihnen das nicht übel, denn das ist eine allgemeine Kampfszene. Deshalb nimmt Fight Club diese Konventionen und wirft sie für diese „Kampfszene“ aus dem Fenster.

Als der Erzähler (Edward Norton) seine neu entdeckte Arroganz erforscht, nachdem er sich des Einflusses des Kapitalismus auf sein Leben bewusst wird, stellt das Drehbuch typische Konventionen im Sinne der Figur in Frage.

Darüber hinaus etabliert der Erzähler seine Moral durch diese Kampfszene. Er verdeutlicht seine Grenzen und seine Moral, als er lügt und sich selbst gewaltsam verletzt, um Macht über seinen Chef zu erlangen.

Daher trägt der Kampf zur Darstellung des Charakters bei, was wiederum zur Geschichte beiträgt.

#4 – Kingsman: The Secret Service

Ein weiteres Beispiel, das Elemente des Drehbuchs verwendet und sich dann weiterentwickelt, ist Kingsman: The Secret Service.

Erstens versucht der Film mit seinen Dialogen ausdrücklich, die Moral der kirchlichen Umgebung in Frage zu stellen. Damit sollen Konventionen in Frage gestellt und das Publikum schockiert werden. Das Ziel der gesamten Szene ist es, das Publikum zu schockieren.

Angefangen von der Verwendung des Dialogs bis hin zur Besetzung von Colin Firth (als Harry Hart), einem älteren und stereotypen englischen Gentleman, als Action-Held; die Szene experimentiert mit Charakter, Ton und Tempo, um das Publikum zu überraschen und sein Interesse aufrechtzuerhalten.

In den letzten Sekunden der Szene werden wir gezwungen, die Konsequenzen von Harrys Handeln zu erfahren. Die letzten Momente der Stille, die auf die Handlung folgen, schaffen ein Nachspiel, das beim Publikum ankommt.

Wir sind mit Harrys Moral im gesamten Drehbuch vertraut, da sie mit der des Protagonisten übereinstimmt. In diesem einen Moment wird sie jedoch in Frage gestellt und seine Handlungen überschreiten die Grenze, was sich in den Reaktionen der Figur im Anschluss an die Szene zeigt.

#5 – Black Panther

Nun könnten wir kaum eine Liste mit Kampfszenen schreiben, ohne einen epischen Kampf der Marvel-Superhelden einzubeziehen. Die Spannung in der finalen Schlacht in Black Panther wird durch die beiden gegnerischen Seiten aufgebaut. Die von Killmonger (Michael B. Jordan) und die von T’Challa (Chadwick Boseman).

Als Killmonger den Thron von T’Challa besetzt, wird er überwältigt. In dieser Szene erreichen die Themen des Films ihren Höhepunkt. Sie kämpfen um das Recht, Black Panther genannt zu werden und das Volk von Wakanda anzuführen.

Eine epische Endschlacht, in der der „Gute“ herausgefordert wird, aber letztendlich den „Bösen“ besiegt, wirkt sehr gewöhnlich. Aber diese Szene stellt diese Vorstellung auf den Kopf. Killmonger enthüllt seine wahren Beweggründe, was uns letztlich hilft, mit ihm mitzufühlen. Dies geschieht, nachdem er besiegt wurde, nachdem T’Challa ihm in die Brust gestochen hat. Das schafft ein Gefühl der Tragik.

Der langsame Tod von Killmonger macht uns letztlich traurig, ein cleverer Trick, wenn man bedenkt, dass wir den größten Teil des Films gegen ihn aufgestanden sind.

#6 – Kill Bill Vol.1

Trotz der Tatsache, dass es immer vertrauter wird, Frauengesichter im Ring zu sehen, gibt es immer noch nichts Besseres als den Nervenkitzel, wenn The Bride (Uma Therman) es in Kill Bill Vol. 1 mit einer ganzen Kohorte gekleideter Gegner aufnimmt.

Das Fehlen von Dialogen in der Szene lenkt den Fokus auf die Kampfsequenzen. Wenn die Braut sich dreht und durch die Szene springt, weiß der Zuschauer genau, wo er hinschauen muss.

Der Wechsel der Farben, des Tons und des Stils der Szene könnte ziemlich verwirrend werden, wenn die Richtung der Kamera nicht den Weg weisen würde. Sie befinden sich in der Perspektive der Figur. In dieser Szene sind Sie die Braut.

Durch die Versetzung in die Rolle der Figur werden Sie in die Kampfszene hineingezogen, da Sie das Gefühl haben, sie selbst zu erleben. Ähnlich wie bei Kingsman wird der Zuschauer nach dem Kampf gezwungen, die Folgen des Kampfes mitzuerleben: die verletzten oder toten Menschen. Es ist ein Blutbad.

Während Harry seine Taten bereut, wird die Braut durch die niedrige Kameraperspektive, den Ton und den Dialog als überlegen dargestellt, und wir als Zuschauer verstehen, dass die Braut stolz auf ihre Leistung ist (was uns über ihren Charakter informiert).

#7 – Full Metal Alchemist

Es ist interessant zu überlegen, ob die Regeln für eine Kampfszene sowohl für Film als auch für Fernsehen gelten. In einer Fernsehserie ist der Einsatz nicht so hoch wie in einem Film. Das liegt daran, dass man vermutlich mehr über die betreffenden Figuren weiß, weil man mehr Zeit damit verbracht hat, sie kennenzulernen.

Daher ist es weniger wichtig, dass die Szene eine dramatische Wirkung hat, da man mehr Möglichkeiten hat, einen Kampf immer wieder zu wiederholen (wenn man das will).

In Full Metal Alchemist Brotherhood gibt es in jeder Folge eine Kampfszene. Wie verhindert man, dass eine Kampfszene in einer Fernsehserie zu repetitiv wird?

Diese Serie nutzt das zu ihrem Vorteil, denn eine Kampfszene dient als Einführung in die Figur. Wir lernen ihre Fähigkeiten kennen, ihre Moral, ihr Bündnis. Es gibt viele Informationen, die man bewusst und unbewusst aus diesen Kampfszenen aufnehmen kann, und deshalb ist jede einzelne wichtig.

#8 – Shaun of the Dead

Eine Regel beim Schreiben von Kampfszenen ist, sie nicht einseitig zu gestalten, was bedeutet, dass es nicht interessant ist, wenn ein Champion einen Kampf gewinnt, ohne zu kämpfen oder Konsequenzen zu haben. Es soll sich für das Publikum lohnen. Wenn man es sich zu leicht macht, besteht die Gefahr, dass die Szene an Authentizität verliert.

Diese Regel wird angepasst, wenn man eine Comedy-Szene schreibt. Eine einseitige Szene oder ein zu leichter Kampf der Figur kann die Komik der Szene verstärken.

In der Komödie ist das Tempo und der Ton alles. Der Anspruch der Szene ändert sich leicht. Man möchte, dass sich die Menschen vor allem durch die Komik mit der Figur identifizieren und nicht durch ihre Siege und Niederlagen.

Die Merkmale der Szene müssen nicht mehr realistisch sein. Nehmen Sie diese Szene aus Shaun of the Dead als Beispiel. Ist es realistisch, dass Shaun, Liz und Ed im Takt von „Don’t Stop Me Now“ von Queen einen Zombie mit Snooker-Queues erschlagen? Wohl kaum.

Aber die Szene dient trotzdem der Geschichte. Sie zeigt, dass die Figuren in ihrer Situation extrem überfordert sind. Trotz des Sieges, den man dem Zufall zuschreiben kann, geht es in der Szene vor allem darum, das Publikum zum Lachen zu bringen.

Daher muss der Schwerpunkt einer tollen Kampfszene nicht immer auf dem Kampf liegen.

#9 – Crouching Tiger, Hidden Dragon

Andererseits gibt es auch Kampfszenen, bei denen der Schwerpunkt der Szene auf dem Kampf liegt. Wie in Crouching Tiger, Hidden Dragon ist der Kampf das, was die Kampfszenen antreibt. Auch wenn es sich ziemlich einfach anhört, den Kampf in einer Kampfszene in den Vordergrund zu stellen, kann es dennoch schwierig sein, die Aufmerksamkeit des Publikums zu halten.

Um etwas leichter zu verstehen, wie man einen Kick als Kampfszene schreibt, muss man verstehen, dass eine Kampfszene nur eine Art von Actionszene ist. Actionszenen können alle Szenen umfassen, die ein Argument für eine Verfolgungsszene enthalten.

Aktionsszenen sind Interaktionen mit Konsequenzen. Was sind also die Konsequenzen deiner Kampfszene für deine Geschichte und deinen Charakter?

Ob die Auswirkungen Ihrer Szene physisch für Ihre Figuren sind oder sich eher direkt auf Ihre Geschichte auswirken, Sie müssen bedenken, wie die Szene Ihrem Drehbuch insgesamt dient.

Dieser Kampf zeigt, wie wichtig das Tempo einer Szene für den Aufbau eines Konflikts ist. In den Momenten der Stille zwischen den Gegnern nach einem intensiven Schwertkampf erzeugt das Tempo einen Wirbelsturm von Emotionen, da sich der Einsatz des Kampfes ständig ändert.

Die Szene beweist, dass an einem altmodischen Eins-zu-Eins-Kampf nichts auszusetzen ist, solange man darüber nachdenkt, was zwischen den Zeilen passiert.

#10 – Captain America: The Winter Soldier

Wer liebt nicht eine hochbudgetierte, druckvolle Macho-Kampfszene? Es spielt keine Rolle, ob sie deinem Geschmack entspricht oder nicht, wichtig ist, was du daraus mitnehmen kannst. Auch hier lenkt das Fehlen von Dialogen die Aufmerksamkeit auf die Kämpfe.

Die Beziehung zwischen Captain America (Chris Evans) und dem Wintersoldaten (Sebastian Stan) ist es, die den Konflikt innerhalb der Kampfszene in Captain America aufwertet: The Winter Soldier. Es ist die Freundschaft zwischen den beiden, die die Spannung erzeugt, da Captain America nicht gegen seinen besten Freund kämpfen oder ihn verletzen will.

Um es noch einmal zu wiederholen, es ist nicht die Kampfsequenz allein, die für diese Geschichte wichtig ist. Es ist die Recherche. Da die Figuren in einer ganzen Welt von Comics vorkommen, sind ihre Motivationen und Zeitlinien vorkonstruiert.

Daher muss man nicht nur die Grundregeln für das Schreiben einer Kampfszene beachten, sondern auch die Regeln, wenn man Figuren nimmt, die bereits in ihrer eigenen Welt existieren.

Das kann sowohl eine spannende als auch eine entmutigende Herausforderung sein, man muss nur seine Figuren und den ihnen zugrunde liegenden Subtext recherchieren.

#11 – Mandy

In einer Kampfszene sollte man die Taktik einer Figur ihre Moral widerspiegeln lassen. In dieser Szene von Mandy kann man lesen, dass Spider nicht zögert, wenn er Red angreift. Das zeigt, dass Spider, wenn überhaupt, nur sehr wenig Reue für die Gewalt und die Verletzungen hat, die er anrichtet.

Das sagt uns, dass die Schwäche seines Charakters nichts mit seiner Moral zu tun hat. Außerdem deutet es darauf hin, dass Red Spider körperlich überwinden muss.

Der Ton von Mandy ist ebenfalls komplex. Er hat viele Facetten, was er durch seinen Ton zu erreichen versucht. Der Film als Ganzes hat ein sehr langsames Tempo. Er strebt auch nicht unbedingt nach Authentizität, indem er seine eher surrealen visuellen Elemente hervorhebt.

Die im Drehbuch beschriebene Gewalt wird im Film lebendig. Auch wenn sich einige Details unterscheiden, bleibt die Gesamtatmosphäre der grotesken und brutalen Kampfszenen durch den konsistenten Ton und das Tempo in der Adaption vom Drehbuch zur Leinwand erhalten.

#12 – Raiders of the Lost Ark

Gerüchten zufolge fühlte sich Harrison Ford am Set von Raiders of the Lost Ark zu unwohl, um die Kampfszene zu drehen, die im Drehbuch vorgesehen war. In der folgenden Szene kämpft Indiana Jones mit einigen anonymen Gegnern auf der Straße.

Dann trifft er auf seinen Gegner. Wir gehen davon aus, dass der Schwertkämpfer sein Gegner ist, da er sich deutlich von allen anderen Herausforderern unterscheidet.

Im Drehbuch war vorgesehen, dass Indiana Jones seinen Gegner in einem langen Kampf besiegt, der von Passanten beobachtet wird. Stattdessen stellt er sich in dieser humorvollen, der Geschichte und der Figur dienlichen Variante seinem Gegner, als wolle er ein Patt anzetteln, und erschießt ihn, bevor er die Chance hat, einen Muskel zu bewegen. Dies verdeutlicht Indianas Nonchalance, ein Schlüsselaspekt seines Charakters.

Wir stellen Ihnen diese Frage. Ist eine Kampfszene immer notwendig? Hätte eine vollständige Kampfszene der Geschichte oder der Figur mehr gedient als das Endergebnis?

Wenn eine Seite Drehbuch einer Minute Filmzeit entspricht, hat man nicht immer die Zeit, eine Kampfszene einzubauen, vor allem, wenn sie nicht wesentlich für die Handlung ist. Das kann auch bedeuten, dass eine Szene, die aufgrund von Komplikationen überarbeitet werden muss, manchmal besser ausfällt als das Original.

#13 – The Raid 2

Eine andere Methode, um das Publikum zu unterhalten, ist die Einführung mehrerer Kampfszenen, die gleichzeitig an verschiedenen Orten stattfinden.

Es ist ein einfacher Ansatz, um eine einseitige Kampfszene zu vermeiden. Es ist eine Methode, die die Aufmerksamkeit des Publikums spaltet und es dem Champion ermöglicht, seinen Kampf vielleicht leichter zu gewinnen, aber den Anschein zu erwecken, er habe sich mehr angestrengt, als er tatsächlich getan hat.

Das Publikum ist nicht so sehr auf einen bestimmten Kampf konzentriert, sondern auf den Sieg mehrerer Charaktere. Es ist auch ein schnellerer Weg, Charaktere zu erkunden und die Geschichte schneller voranzutreiben. The Raid 2 ist ein Beispiel dafür, wie simultane Kampfszenen erfolgreich ausgeführt werden.

Während die Recherche nicht immer eine Priorität ist, ist sie nie schädlich. Wenn du versuchst, deine Szene interessant und authentisch zu gestalten, könntest du dich mit einigen spezifischen Elementen deiner Szene befassen. Für diese Kampfszene in The Raid 2 könntest du dich zum Beispiel fragen: Wie tödlich ist eine Hammerwunde? Verursacht ein Hammer oder ein Schläger mehr Schaden in einem Kampf?

Hoffen wir einfach, dass niemand deinen Suchverlauf findet!

#14 – X-Men: First Class

Gleich wie bei Captain America mussten die Autoren von X-Men: First Class die bestehenden Darstellungen der Charaktere in allen früheren Adaptionen in Film, Fernsehen und Comics berücksichtigen.

In dieser Szene ist es für den Autor von Vorteil, wenn sich das Publikum des Höhepunkts der Geschichte bewusst ist oder nicht. Wenn die Zuschauer nicht wissen, dass Magneto (Michael Fassbender) die Ursache dafür ist, dass Charles Xavier (James McAvoy) im Rollstuhl sitzt, erleben sie den Schock des Konflikts zum ersten Mal.

Während die Zuschauer, die bereits Fans der Geschichte sind, Befriedigung daraus ziehen, dass sich das Ergebnis ihrer Vorfreude vor ihren Augen abspielt, sollte man bedenken, für wen man die Figuren schreibt.

Eine Adaption interessant und neu zu gestalten, während das Publikum die Geschichte vielleicht schon kennt, kann eine schwierige Herausforderung sein. Versuchen Sie, wenn möglich, ein Gleichgewicht zu finden zwischen der Einführung eines neuen Publikums in diesen Moment und der Belohnung derjenigen, die die Geschichte in- und auswendig kennen.

Es kann aufregend sein zu sehen, wie eine neue Geschichte zum Leben erweckt wird, aber es kann auch aufregend sein zu sehen, wie eine Szene zum Leben erweckt wird, die man sich immer nur in seinem Kopf vorgestellt hat.

#15 – Rise of the Planet of the Apes

Können die Regeln des Drehbuchs auf eine Szene angewendet werden, in der sich die betreffenden Figuren nicht wehren? Was ist, wenn die Figur nicht einmal ein Mensch ist?

Eine Szene in Rise of the Planet of the Apes untersucht diese interessante Dynamik. Trotz des Überlegenheitskomplexes von Dodge (Tom Felton) können wir seine Angst vor Caesar (Andy Serkis) spüren. Er weiß, dass er einem Affen körperlich unterlegen ist und schlägt deshalb mit seinem Taser zu.

Während wir Informationen über Dodges Charakter durch seinen Drang zu kämpfen und zu kontrollieren entdecken, entdecken wir Informationen über Caesars Charakter durch seine Weigerung zu kämpfen.

Es ist der Schock über Caesars Fähigkeit zu sprechen und durch ein tiefes, lautes, brüllendes „NEIN“ zurückzuschlagen, der die Szene dazu zwingt, ihren Höhepunkt zu erreichen, in Vorbereitung auf die Flucht der Affen aus dem Gefängnis.

Caesars Fähigkeit, zu sprechen und Macht über andere zu erlangen, dient der Geschichte und der Figur voll und ganz. Sie führt die Geschichte in eine neue Richtung, indem sie einen schockierenden neuen Aspekt von Caesars Charakter offenbart.

Wie man eine Kampfszene schreibt: Schlussfolgerung

Das ist zu beachten:

Endlich sind alle Kampfszenen unterschiedlich. Sie können alle einen anderen Zweck haben. Dieser Leitfaden soll dir beim Schreiben deiner Kampfszene helfen. Verwenden Sie beim Schreiben Ihre eigene Initiative, und wenn Sie ein gewisses Vertrauen in Ihre Szenen gewonnen haben, können Sie damit beginnen, mit Erwartungen und Konventionen zu spielen.

Erinnern Sie sich daran, dass Sie beim Schreiben einer Kampfszene nicht unbedingt eine Szene schreiben, die einzigartig ist oder sich von anderen Szenen im Drehbuch unterscheidet. Die Darstellung des Charakters, des Themas und das Vorantreiben der Handlung sind für die Gestaltung der Szene wesentlich. Was anders ist, ist der Einsatz, der aufgrund der Natur des Körperkontakts hoch ist. Der Druck ist groß.