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Para simplificar, Krupa foi para a percussão da era de oscilação o que Clark Gable foi para a era dourada de Hollywood – gracioso, flamboyant, elegante – ele era um showman natural e encantador profissional. Um cavalheiro magro, rijo e bonito, o seu jogo era cheio de talento, toques intermináveis mas sempre pensados, e uma alegria selvagem e impetuosa no que ele fazia.

Krupa’s iconic solo in jazz standard “Sing, Sing, Sing” foi um dos factores mais importantes que elevou o papel do baterista como voz solo numa banda, o que, como resultado, tornou os solos de bateria incrivelmente populares – prazeres do público em concertos ao vivo – uma tradição que levou ao género rock e permitiu que o baterista assumisse o centro do palco.

Em 1960, Krupa sofreu um ataque cardíaco que o forçou a reduzir a frequência das suas actuações, acabando por anunciar a sua reforma em 1967. No entanto, para sempre jovem de coração, ele voltou ao trabalho apenas três anos depois, actuando regularmente com os seus colegas músicos da banda original Benny Goodman. A vitalidade e o pizzazz de Krupa como músico nunca diminuíram e ele continuou a tocar mesmo nos seus últimos anos, actuando frequentemente para audiências com metade da sua idade.

Apenas olhar para aquele brilho malicioso no seu olho, aqueles ombros suaves e cabelos ondulados, para acreditar que o homem estava no início dos seus sessenta anos na altura!

Buddy Rich

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Buddy Rich é o homem que, mesmo décadas após a sua morte, continua a ser adorado por todos os aspirantes a baterista por aí. Se há um nome que se deve saber quando se fala de baterista, é o dele.

Embora Krupa fosse um mestre do tocar suave e cavalheiro, Rich era uma besta poderosa de um baterista com habilidades sobre-humanas. Os dois eram como Yin e Yang, como Fred Astaire e Gene Kelly. Força, força e rapidez, a bateria de Rich soava como uma metralhadora. Vê as suas energias radicalmente opostas nesta batalha de bateria:

A técnica de baterista robusto e de alta energia do Rich era um reflexo da sua personalidade de algumas maneiras: um tipo mercurial, de temperamento curto e sardónico, ele não pensava duas vezes antes de se atirar aos colegas músicos ou de se meter em rixas (convenientemente, ele também segurava uma faixa preta no karaté!). Ele era fluente em baba, sardônico, e nunca minou suas palavras.

Pianista Lee Musiker, que tocou com Rich, gravou secretamente algumas de suas explosões durante os ensaios e turnês de ônibus no início dos anos 80, o que dá um bom gosto para sua personalidade:

Se essa não foi a inspiração para o Fletcher de Whiplash tocado por JK Simmons, nós não sabemos o que foi.

Pois o Rich ameaçava frequentemente despedir membros da sua banda, raramente o fazia, e ele elogiava-os em entrevistas, o que nos faz pensar que afinal ele não era assim tão mau, apenas um forte defensor do amor duro.

Legend diz que o seu enorme talento natural para a bateria foi descoberto pelo seu pai quando viu o Rich manter um ritmo constante com algumas colheres quando ele era apenas um. Ele começou a tocar bateria no vaudeville quando tinha oito anos sob o nome de “Baby Traps the Drum Wonder”, que acabou por evoluir para uma completa carreira de infância.

Art Blakey

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Agora, Art Blakey era um macaco de todos os ofícios e um mestre de todos eles. Ele era um líder de banda fenomenal, um baterista brilhante, um mentor atento e, em geral, a vida da festa. Muitas vezes creditado por ter inventado o bebop moderno e lançado as bases do hard pop, ele é amplamente reconhecido por dar a muitos grandes músicos de jazz o seu início, levando-os sob a sua asa e convidando-os a tocar na sua lendária banda de 17 peças, The Jazz Messengers.

Ele iniciou a carreira de grandes músicos como Lee Morgan, o pianista Bobby Timmons ou o saxofonista Wynton Marsalis e muitos outros, muitos outros que o consideram uma grande influência e um grande professor – um grande elogio considerando que muitos destes músicos também tocaram ao lado de grandes nomes do jazz como Charles Mingus ou Miles Davis. Blakey não só deu muitas lições de jazz a estes jovens, mas também criou a base perfeita para eles como solistas durante actuações ao vivo; sempre o ouvinte atento, ele respondeu às necessidades individuais de cada solista, trazendo o melhor de cada um:

Mas chega de falar dos outros; o próprio Blakey era uma potência espantosa de um baterista: o seu tocar era agressivo, explosivo e ridiculamente enérgico, com batidas a sair dele como uma força primordial desenfreada. Ele também era um mestre das batidas polirrítmicas do tambor, mantendo até três ou quatro batidas diferentes simultaneamente que, se você tentasse se esforçar, provavelmente faria seu cérebro explodir. O colega baterista Max Roach disse: “A arte era talvez a melhor em manter a independência com todos os quatro membros”. Ele estava a fazê-lo antes que alguém o fizesse.” Olha só para este solo ridiculamente fixe:

Keith Moon

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Oh, Keith Moon. Por onde é que começamos? Um epítome vivo da cultura rock ‘n’ roll dos anos 60 e 70, ele era o baterista e, sem dúvida, a alma de The Who. Um showman natural (não é de se admirar que um de seus bateristas favoritos como jovem músico fosse Gene Krupa, cujo estilo de performance vistoso ele replicaria no palco), goofball e excêntrico, ele certamente fez história do rock ‘n’ roll.

Vê-lo actuar é como assistir a um espectáculo dentro de um espectáculo. A bateria dele era como rasgar, os braços dele voando em todas as direções com enorme velocidade. Ele era conhecido por suas idéias originais, como colocar a bateria em lugares que ninguém jamais pensaria em colocar, seu uso pesado de címbalos, tom-toms e tambores rolantes, bem como o tempo não convencional que transformou completamente o som do The Who.

Moon’s drumming pode ser interpretado como uma expressão de sua personalidade maior que a vida, imprevisibilidade, teatralidade e senso de humor. Apelidado de “Moon the Loon”, ele era conhecido por maluquices insanas dentro e fora das turnês, como esmagar seus kits de bateria no palco ou destruir quartos de hotel, além de tocar brincadeiras práticas em seus companheiros de banda e fazê-los rir enquanto tentavam colocar suas partes durante as sessões de gravação. Infelizmente, suas excentricidades também tinham um lado mais sombrio; um bebedor pesado e usuário de drogas, Moon, segundo consta, começaria seu dia com “uma garrafa de champanhe, Courvoisier e anfetaminas”. Ele morreu de uma overdose de Heminevrin aos 32 anos.

Se tiveres uma hora livre, vê a banda actuar no festival da Ilha de Wight em 1970 e vais perceber porque era impossível arrancar os olhos ao Moon, pois o seu carisma maníaco roubou o espectáculo e a sua soberba bateria juntou todo o som da banda.

John Bonham

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Embora Buddy Rich seja o nome que você deve saber quando se trata de bateria de jazz, Bonham deve ser o primeiro a quem você se volta se você se encontrar explorando o mundo da percussão rock.

Oversamente considerado como o maior baterista de rock do mundo por colegas músicos, críticos de música e fãs, ele foi o baterista de Led Zeppelin desde 1968 até sua morte prematura em 1980, o que os levou a se dispersar.

Just like pretty pretty any other rock great, Bonham was heavily influenced by jazz drummers such as Rich and Krupa, incorporating fancy flairs and embellishments into his playing, which were unprecedented in rock. Até então, o papel principal da percussão rock era manter um ritmo constante e complementar o baixo e a guitarra elétrica que alguns músicos usavam junto com capos de guitarra, pois permitia as rápidas mudanças de acordes. Bem, Bonham transformou isso completamente; fortemente inspirado pela música funk, especialmente James Brown, sua bateria era legal, descontraída e sexy, o que ajudou a banda a gelar tão bem e lhes permitiu “sentir o groove”

E enquanto ele “gelou” bem com toda a banda e trouxe o melhor de cada um deles, foi sua química com Jimmy Page que foi extra especial. Enquanto a maioria dos bateristas normalmente ficava com o baixista, Bonzo seguia de perto a guitarra de Jimmy, fundindo-se lindamente com ela, independentemente da frequência com que a música mudava de ritmo ou tom.

Finalmente, os solos de Bonham eram uma coisa de lenda. Com duração de até 30 minutos, eles eram referidos como “Pat’s Delight” (Depois de sua esposa, Pat Phillips) ou “Moby Dick”

Joe Morello

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Como é o caso de todos os outros bateristas desta lista, ver Joe Morello se apresentar é uma experiência eletrizante. Suave, inovador e inspirado, ele se aproximou da bateria como um chef de classe mundial se aproximaria preparando seu prato característico: escolhendo cuidadosamente todos os melhores ingredientes e emparelhando-os de maneira sofisticada e incomum para criar combinações incríveis de sabor e textura.

Morello é talvez o mais famoso por tocar bateria na faixa cult Dave Brubeck, “Take Five”, que se tornou o single de jazz mais vendido de todos os tempos. Foi supostamente escrito por Paul Desmond para apresentar o incrível domínio de Morello sobre o incomum quíntuplo tempo – um medidor de música caracterizado por cinco batidas por medida (que é de onde a canção deriva o seu nome). E é um espetáculo incrível vê-lo executá-la:

Outro exemplo notável da imaginação de Morello de cair o queixo é seu solo em “Unsquare Dance”, que ele tocou apenas em palitos – sem os tambores – em 7/4 de tempo. No final da faixa, ele pode ser ouvido rindo desse final “truque”.

Convites declinantes para tocar com Tommy Dorsey e Ben Goodman, Morello juntou-se ao The Dave Brubeck Quartet em uma turnê de dois meses em 1955, e permaneceu com a banda por mais de uma década. Ao longo de sua eminente carreira, ele também foi professor, um clínico de bateria que publicou vários livros, fez vídeos instrutivos e treinou vários bateristas prolíficos, como Bruce Springsteen, Max Weinberg ou Tico Torres, de Jon Bon Jovi.

Neil Peart

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Vendo o ex baterista Rush Neil Peart atrás do kit de bateria em uma performance ao vivo é como ver alguém homem uma nave espacial alienígena em um filme de ficção científica. Conhecido por seus elaborados, extensos e tecnicamente e fisicamente desafiadores solos monstruosos em enormes kits de bateria, o músico canadense foi a pessoa mais jovem a ser admitida no Hall da Fama do Baterista Moderno.

A técnica do Peart e vários truques de roubo de shows foram surpreendentes. Ele, por exemplo, frequentemente invertia suas baquetas para fazer golpes mais pesados. “Quando eu estava começando”, ele disse, “se eu quebrasse as pontas dos meus paus eu não poderia comprar novos, então eu simplesmente as virava e usava a outra ponta”. Habituei-me e continuo a usar a ponta pesada dos paus mais leves – isso dá-me um impacto sólido, mas com menos ‘peso morto’ para me atirar por aí”. Aqui ele está quebrando um bastão e não perdendo uma única batida:

alguns dos outros movimentos de Peart incluem o uso de uma extensa gama de instrumentos de percussão exóticos como sinos de vento, timpanos e gongos, bem como sua incrível habilidade de separar completamente seus padrões de membros superiores e inferiores, tornando-o um dos bateristas de rock mais proficientes tecnicamente de todos os tempos.

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