Als je aan een vechtscène denkt, welke film komt dan het eerst in je op? Misschien denkt u aan Stallone’s knock-out stoot in Rocky? Of misschien denkt u aan Keanu Reeves die in slowmotion kogels rondzwiept in The Matrix?

Of u nu een fan bent van sterk gechoreografeerde vechtfilms, of van supergepolijste CGI-superheldengevechten: als scenarioschrijver is het altijd handig om een aantal basisregels te hebben over hoe je een goede vechtscène schrijft. Het maakt niet uit wat voor soort vechtscène je schrijft, je hebt een spiekbriefje of draaiboek nodig dat je kunt raadplegen en waaruit je kunt groeien.

Your Fight Scene Playbook: Hoe schrijf je een vechtscène.

Top tips voor het schrijven van een vechtscène

• Doe je onderzoek. We hebben het eerste deel voor je gedaan door je een checklist te geven als basisregels voor het schrijven van je scène. Nu moet je onderzoek doen naar je plot en personages. Het is belangrijk dat ze authentiek aanvoelen om het publiek te blijven vermaken.
• Dient de scène je verhaal? Uw gevecht scène moet iets te bereiken voor het doel van uw verhaal. Het gevecht moet relevant zijn voor het verhaal en niet alleen worden gegooid in als een manier om het publiek bezig te houden voor vijf minuten.
• Dient de scène je personage? Dit gaat hand in hand met het dienen van je verhaal. Als de scène je personage dient, dan dient hij ook je verhaal als weerklank.
• Pacing boven detail. Je script is een leidraad, dus probeer er geen uitputtende lijst van regieaanwijzingen van te maken. Meestal werken schrijvers samen met de regisseur/stuntcoördinator en moeten ze uiteindelijk misschien compromissen sluiten over wat ze hebben geschreven.
• Laat de toon de scène regisseren. Denk aan de toon van je script, leeft de vechtscène nog binnen de grenzen die de toon van je film biedt, of voelt het niet op zijn plaats?
• In de nasleep van je vechtscène kun je het publiek vertellen hoe het zich moet voelen. Wil je dat ze feestvieren met de kampioen, of meeleven met de verslagene? Het geeft de kijker ook een seconde om na te denken over wat er zojuist is gebeurd en, in wezen, op adem te komen.

15 van de beste filmgevechtsscènes

Dus laten we eens kijken naar 15 van de beste vechtscènes uit films (en een van TV). Dit zijn vechtscènes die niet alleen zeer vermakelijk zijn om naar te kijken, maar ook met succes voldoen aan de eisen van het verhaal.

De scènes die we hebben geselecteerd hebben geen hiërarchische structuur en worden misschien niet beschouwd als de beste vechtscènes aller tijden. Deze scènes zijn echter voorbeelden van verschillende benaderingen van het schrijven van een vechtscène, en hebben alle een les mee te geven.

Voorbeeld van een vechtscène #1 – Atomic Blonde

In Atomic Blonde ondervindt de hoofdrolspeelster, Lorraine Broughton (Charlize Theron), geen fatale gevolgen in deze eerste ‘appartement’-vechtscène, behalve dat ze een paar keer valt.

Deze scène is strategisch vroeg in het script geplaatst en illustreert de vaardigheid van Lorraine aan het publiek. Ze wordt geïntroduceerd als de grotere vechter van de anonieme antagonisten in de scène. De vechtscène dient het portret van het personage en vestigt haar als een kracht om rekening mee te houden.

Hoewel dit een basisprocedure lijkt voor het schrijven van een vechtscène – de hoofdpersoon de antagonist laten verslaan – is deze scène belangrijk voor het verhaal omdat ze verband houdt met de voortgang van het lineaire verhaal.

Later in het script ontmoet Lorraine haar gelijke. De eerste scène is misschien wat simpel geschreven en niet de meest interessante, maar in combinatie met deze scène zijn ze allebei nuttig voor het script als geheel.

De scènes smelten samen om uiteindelijk een ontwikkeling van Lorraines karakter te laten zien. Het publiek heeft ervaren hoe Lorraine haar vorige tegenstanders met weinig moeite versloeg. Wanneer Spyglass (Eddie Marsden) haar echter uitdaagt, begint ze te worstelen en ondervindt ze meer directe en fysieke gevolgen, waardoor de inzet, de spanning en het conflict in het verhaal toenemen.

#2 – The Matrix

Dit voorbeeld toont een combinatie van elementen om een vechtscène te maken die alle hokjes lijkt aan te vinken. Het is veelomvattend. De choreografie en de niet-diegetische muziek zijn een knipoog naar de zeer technische vechtscènes uit populaire vechtfilms waar de scène zijn inspiratie uit put.

De scène maakt strategisch gebruik van deze invloed om de dynamiek van leraar en leerling tussen Morpheus (Laurence Fishburne) en Neo (Keanu Reeves) tot stand te brengen. Het geluid en de muziek keren uiteindelijk terug naar wat meer typisch wordt geassocieerd met The Matrix en zijn genre, snelle techno bedoeld om de spanning op te voeren.

Alle elementen binnen deze scène leveren het verhaal, het personage, en het publiek. Morpheus fungeert als leraar voor zowel het publiek als voor Neo. Wij leren zoals hij leert.

De spanning in de scène neemt toe naarmate nieuwe informatie wordt aangeboden en Neo meer controle krijgt over het gevecht en zijn situatie. Deze scène geeft de film niet alleen een kans om te pronken met zijn indrukwekkende gevechtschoreografie en slow-motion, maar dient ook als een belangrijk moment in Neo’s evoluerende reis.

#3 – Fight Club

Moet een vechtscène altijd bestaan uit twee mensen (of meer) die met elkaar vechten? Als iemand het over een vechtscène heeft, denk je misschien meteen aan een man tegen man, een snelle, bloederige en gewelddadige vechtscène.

We nemen het je niet kwalijk, want dat is een algemene vechtscène. Daarom neemt Fight Club deze conventies en gooit ze uit het raam voor deze ‘vechtscène’.

Als The Narrator (Edward Norton) zijn pas ontdekte arrogantie verkent nadat hij wakker is geschud voor de greep die het kapitalisme op zijn leven heeft, daagt het script typische conventies uit voor het doel van het personage.

Meer nog, The Narrator stelt zijn moraal vast door deze vechtscène. Hij illustreert zijn grenzen en moraal als hij liegt en zichzelf geweld aandoet om macht over zijn baas te krijgen.

Daarom draagt het gevecht bij aan de portrettering van het personage, wat op zijn beurt weer bijdraagt aan het verhaal.

#4 – Kingsman: The Secret Service

Een ander voorbeeld dat elementen uit het draaiboek gebruikt en er vervolgens uit groeit, is Kingsman: The Secret Service.

Ten eerste probeert het door middel van dialoog expliciet de moraal van de kerkelijke omgeving aan de kaak te stellen. Het doel hiervan is om de conventies uit te dagen en het publiek te shockeren. Het doel van de hele scène is om het publiek te shockeren.

Van het gebruik van dialoog tot het casten van Colin Firth (als Harry Hart), een oudere en stereotiepe Engelse gentleman, als actieheld; de scène experimenteert met karakter, toon en tempo om het publiek te verrassen en hun interesse vast te houden.

In de laatste paar seconden van de scène worden we gedwongen om de consequenties van Harry’s daden te ervaren. De laatste momenten van stilte die op de actie volgen, creëren een nasleep die bij het publiek weerklank zal vinden.

We zijn bekend met Harry’s moraal in het hele script, omdat die overeenkomt met die van de hoofdpersoon. Echter, in dit ene moment, worden ze uitgedaagd en zijn acties overschrijden de lijn, dit geportretteerd in de reacties van het personage in de nasleep van de scène.

#5 – Black Panther

Nu, we konden nauwelijks een vechtscène lijst te schrijven zonder opname van een epische Marvel superhelden strijd. De spanning in het laatste gevecht in Black Panther wordt gevestigd door de twee tegenover elkaar staande partijen. Die van Killmonger (Michael B. Jordan) en die van T’Challa (Chadwick Boseman).

Wanneer Killmonger de troon van T’Challa overmeestert, wordt hij overmeesterd. In deze scène bereiken de thema’s van de film hun hoogtepunt. Ze vechten voor het recht om Black Panther genoemd te worden en het volk van Wakanda te leiden.

Het voelt generiek om een laatste episch gevecht te hebben waar de ‘good guy’ wordt uitgedaagd maar uiteindelijk de ‘bad guy’ verslaat. Maar deze scène zet dat idee op zijn kop. Killmonger onthult zijn ware beweegredenen, wat ons uiteindelijk helpt met hem mee te leven. Dit komt net op het moment dat hij verslagen is, T’Challa heeft hem in de borst gestoken. Dit creëert een gevoel van tragedie.

We worden uiteindelijk bedroefd door Killmonger’s langzame dood, een slimme truc gezien het feit dat we het grootste deel van de film tegen hem hebben gewroet.

#6 – Kill Bill Vol.1

Hoewel het steeds gebruikelijker wordt om vrouwen in de ring te zien, gaat er toch niets boven de sensatie om The Bride (Uma Therman) het te zien opnemen tegen een hele cohort van aangepaste vijanden in Kill Bill Vol. 1.

Het gebrek aan dialoog in de scène richt je aandacht op de vechtscènes. Als The Bride door de scène draait en springt, weet het publiek precies waar het moet kijken.

De verandering in kleur, geluid en stijl van de scène zou behoorlijk verwarrend kunnen worden zonder de richting van de camera die de weg wijst. U bevindt zich in het perspectief van het personage. Jij bent in deze scène De Bruid.

Door jou als personage te plaatsen, ga je helemaal op in de vechtscène, omdat je het gevoel hebt dat jij degene bent die het meemaakt. Net als in Kingsman wordt het publiek in de nasleep van het gevecht gedwongen getuige te zijn van de gevolgen van het gevecht: de mensen die gewond zijn of dood. Het is een bloedbad.

Terwijl Harry wroeging had over zijn daden, door The Bride als superieur te plaatsen door het lage camerastandpunt, de toon en de dialoog, begrijpen wij als publiek dat The Bride trots is op haar prestatie (wat ons informeert over haar karakter).

#7 – Full Metal Alchemist

Het is interessant om te overwegen of de regels voor een vechtscène zowel op film als op televisie van toepassing zijn. Het is aannemelijk dat in een seriële televisiescène de inzet niet zo hoog is als in een film. Dat komt omdat je waarschijnlijk meer weet over de personages in kwestie, omdat je meer tijd hebt besteed aan het leren kennen ervan.

Daarom is het minder belangrijk dat je scène een dramatisch effect heeft, omdat je meer mogelijkheden hebt om een gevecht keer op keer te herhalen (als dat is wat je wilt).

In Full Metal Alchemist Brotherhood is er in elke aflevering een vechtscène. Hoe voorkom je dat een vechtscène repetitief wordt in een televisieserie?

Deze serie gebruikt het in hun voordeel, want een vechtscène werkt als een introductie van een personage. We maken kennis met hun vaardigheden, hun moraal, hun bondgenootschap. Er is veel informatie die je bewust en onbewust kunt onthouden uit deze vechtscènes en daarom is elke scène belangrijk.

#8 – Shaun of the Dead

Een regel bij het schrijven van vechtscènes is om het niet eenzijdig te maken, wat betekent dat het niet interessant is als je één kampioen hebt die een gevecht wint zonder enige strijd of gevolgen. Je wilt het de moeite waard maken voor het publiek. Als je het te gemakkelijk maakt, loop je het risico de authenticiteit van de scène te verliezen.

Deze regel wordt aangepast als je een komediescène schrijft. Een eenzijdige scène of het te gemakkelijk maken van de strijd van het personage kan de humor van de scène verhogen.

In een komediescène is de pacing en de toon alles. De aspiratie van de scène verandert enigszins. Je wilt dat mensen op één lijn zitten met het personage, vooral door de komedie in plaats van door hun overwinningen en verliezen.

De kenmerken van de scène hoeven niet langer realistisch te zijn. Neem deze scène uit Shaun of the Dead als voorbeeld. Is het realistisch dat Shaun, Liz en Ed een zombie slaan met snookerknuppels, op het ritme van ‘Don’t Stop Me Now’ van Queen? Nauwelijks.

Maar de scène dient nog steeds het verhaal. Het laat zien dat de personages niet goed in hun vel zitten in hun situatie. Ondanks de overwinning, die aan het toeval kan worden toegeschreven, is de scène vooral bedoeld om het publiek aan het lachen te maken.

Daarom hoeft de focus van een kick-ass vechtscène niet altijd het vechten te zijn.

#9 – Crouching Tiger, Hidden Dragon

Aan de andere kant zijn er sommige vechtscènes waar het zwaartepunt van de scène het vechten is. Zoals in Crouching Tiger, Hidden Dragon, het vechten is wat de vechtscènes leidt. Hoewel het vrij basaal klinkt om de gevechten in een vechtscène prioriteit te geven, kan het nog steeds moeilijk zijn om de aandacht van het publiek vast te houden.

Om het iets gemakkelijker te maken om te begrijpen hoe je een kick als vechtscène schrijft, moet je begrijpen dat een vechtscène slechts één type actiescène is. Actiescènes kunnen alle scènes omvatten die een argument bevatten voor een achtervolgingsscène.

Actiescènes zijn interacties met gevolgen. Dus, wat zijn de gevolgen van je vechtscène voor je verhaal en je personage?

Of de gevolgen van je scène nu fysiek zijn voor je personages of meer een direct effect hebben op je verhaal, je moet bedenken hoe de scène je script als geheel van dienst is.

Dit gevecht laat zien hoe belangrijk de pacing van een scène is bij het vaststellen van een conflict. In de momenten van stilte tussen de tegenstanders na een intens zwaardgevecht, de pacing creëert een wervelwind van emotie als de inzet van het gevecht zijn voortdurend aan het veranderen.

De scène bewijst dat er niets mis is met wat ouderwetse een op een gevechten, zolang je maar nadenkt over wat er tussen de regels gebeurt.

#10 – Captain America: The Winter Soldier

Wie houdt er niet van een high budget, high pressure, macho vechtscene? Het maakt niet echt uit of het naar je smaak is of niet, wat belangrijk is, is wat je er uit kunt halen. Nogmaals, het gebrek aan dialoog vestigt je aandacht op de gevechten.

De relatie tussen Captain America (Chris Evans) en The Winter Soldier (Sebastian Stan) is wat het conflict binnen de vechtscène in Captain America: The Winter Soldier. Het is de vriendschap tussen de twee die voor de spanning zorgt, omdat Captain America niet wil vechten of zijn beste vriend pijn wil doen.

Nogmaals, het is niet alleen de vechtscène die belangrijk is voor dit verhaal. Het is het onderzoek. Omdat de personages al in een hele stripwereld bestaan, zijn hun beweegredenen en tijdlijnen al vooraf geconstrueerd.

Daarom moet je, naast de basisregels voor het schrijven van een vechtscène, ook rekening houden met de regels wanneer je personages neemt die al in hun eigen wereld bestaan.

Dit kan zowel een opwindende als een ontmoedigende uitdaging zijn, je moet gewoon je personages en de subtekst die eronder zit onderzoeken.

#11 – Mandy

In een vechtscène moet je de tactiek van een personage zijn moraal laten weerspiegelen. In deze scène van Mandy kun je lezen dat Spider niet aarzelt als hij Red aanvalt. Het laat zien dat Spider weinig tot geen wroeging heeft voor het geweld en de pijn die hij toebrengt.

Dit vertelt ons dat de zwakte van zijn karakter niet gerelateerd zal zijn aan zijn moraal. Bovendien suggereert het dat Red Spider fysiek zal moeten overwinnen.

De toon van Mandy is ook complex. Het heeft veel verschillende lagen in wat het probeert te bereiken met zijn toon. De film als geheel heeft een zeer trage pacing. Het streeft ook niet per se naar authenticiteit door de nadruk te leggen op de meer surrealistische visuele elementen.

Het geweld dat in het script wordt uitgelegd, komt tot leven in de film. Hoewel sommige details kunnen verschillen, blijft de algehele sfeer van de groteske en brute vechtscènes overeind door de consistente toon en pacing in de adaptatie van script naar scherm.

#12 – Raiders of the Lost Ark

Het gerucht gaat dat Harrison Ford zich op de set van Raiders of the Lost Ark te onwel voelde om de vechtscène te filmen die in het script was geschreven. In de scène hieronder gaat Indiana Jones op straat de strijd aan met een aantal anonieme antagonisten.

Dan ontmoet hij zijn gelijke. We nemen aan dat de zwaardvechter zijn gelijke is, omdat hij zich duidelijk onderscheidt van alle andere uitdagers.

In het script zou Indiana Jones zijn tegenstander verslaan in een langdurig gevecht waarvan voorbijgangers getuige zouden zijn. In plaats daarvan, in dit humoristische alternatief dat het verhaal en het personage ten goede komt, kijkt hij zijn tegenstander aan alsof hij een standoff wil beginnen en schiet hij hem neer voordat hij de kans krijgt ook maar een spier te vertrekken. Dit onthult Indiana’s nonchalance, een belangrijk aspect van zijn karakter.

We stellen deze vraag aan u. Is een vechtscène altijd nodig? Zou een volledige vechtscène het verhaal of het personage meer gediend hebben dan het eindresultaat?

Wanneer één pagina scenario gelijk staat aan één minuut schermtijd, heb je niet altijd de tijd om een vechtscène op te nemen, zeker niet als die niet essentieel is voor de plot. Dit kan ook worden opgevat als dat als een scène moet worden herwerkt als gevolg van complicaties, het soms beter uitpakt dan het origineel.

#13 – The Raid 2

Een andere methode om te proberen een publiek te vermaken is door meerdere vechtscènes te introduceren die gelijktijdig op verschillende locaties plaatsvinden.

Het is een rechttoe rechtaan aanpak in het vermijden van een eenzijdige vechtscène. Het is een methode die de aandacht van het publiek verdeelt, waardoor uw kampioenen hun gevecht misschien gemakkelijker winnen, maar het lijkt alsof ze er meer moeite voor hebben gedaan dan in werkelijkheid het geval is.

Het publiek is niet zo gefocust op één bepaald gevecht, maar op de overwinning van meerdere personages. Het is ook een snellere manier om personages te verkennen en om het verhaal sneller te laten vorderen. The Raid 2 is een voorbeeld van hoe gelijktijdige vechtscènes succesvol worden uitgevoerd.

Onderzoek doen is niet altijd een prioriteit, maar het is nooit schadelijk. Als je probeert je scène interessant en authentiek te maken, zou je enkele specifieke elementen van je scène kunnen onderzoeken. Bijvoorbeeld, voor deze vechtscène in The Raid 2 zou je je kunnen afvragen: hoe dodelijk is een hamerwond? Brengt een hamer of een knuppel meer schade toe in een gevecht?

Laten we hopen dat niemand je zoekgeschiedenis vindt!

#14 – X-Men: First Class

Net als bij Captain America moesten de schrijvers van X-Men: First Class rekening houden met de bestaande afbeeldingen van personages in alle eerdere verfilmingen van film, televisie en strips.

In deze scène werkt het in het voordeel van de schrijver of het publiek zich bewust is van de climax van dit verhaal of niet. Als het publiek niet weet dat Magneto (Michael Fassbender) er de oorzaak van is dat Charles Xavier (James McAvoy) in een rolstoel zit, zullen ze de schok van het conflict voor het eerst meemaken.

Hoewel het publiek dat al fan is van het verhaal voldoening vindt in het feit dat het resultaat van hun anticipatie voor hun neus wordt uitgespeeld, is het goed om te bedenken voor wie je de personages schrijft.

Een bewerking interessant en nieuw maken, terwijl het publiek het verhaal misschien al kent, kan een lastige uitdaging zijn. Probeer, waar mogelijk, een evenwicht te vinden tussen het introduceren van een nieuw publiek en het belonen van degenen die het verhaal door en door kennen.

Het kan spannend zijn om een nieuw verhaal tot leven te zien komen, maar het kan ook spannend zijn om een scène tot leven te zien komen die je je alleen maar in je hoofd hebt voorgesteld.

#15 – Rise of the Planet of the Apes

Kunnen de regels van het draaiboek worden toegepast op een scène waarin de personages in kwestie niet terugvechten? Wat als het personage niet eens menselijk is?

Een scène in Rise of the Planet of the Apes verkent deze interessante dynamiek. Ondanks Dodge’s (Tom Felton) superioriteitscomplex, kunnen we zijn angst voor Caesar (Andy Serkis) voelen. Hij weet dat hij fysiek inferieur is aan een aap en haalt daarom uit met zijn taser.

Terwijl we informatie over het karakter van Dodge ontdekken door zijn drang om te vechten en te controleren, ontdekken we informatie over het karakter van Caesar door zijn weigering om te vechten.

Het is de schok van Caesars vermogen om te spreken en wraak te nemen door een diep, luid brullend ‘NEE’ dat de scène dwingt tot een climax in de voorbereiding op de ontsnapping van de apen uit de gevangenis.

Caesars vermogen om te spreken en macht over anderen te krijgen komt het verhaal en het personage volledig ten goede. Het brengt het verhaal in een nieuwe richting door een schokkend nieuw aspect van Caesars karakter te onthullen.

Hoe schrijf je een gevechtsscène: Conclusie

Dingen om te onthouden:

Eindelijk zijn alle vechtscènes anders. Ze kunnen allemaal een ander doel hebben. Dit draaiboek is er om u te helpen bij het schrijven van uw vechtscène. Gebruik je eigen initiatief bij het schrijven en als je wat vertrouwen krijgt in je scènes, dan kun je beginnen te spelen met verwachtingen en conventies.

Bedenk dat je bij het schrijven van een vechtscène niet per se een scène schrijft die uniek of anders is dan alle andere in het script. Het onthullen van karakter, thema’s en het voortbewegen van de plot is essentieel in de samenstelling van uw scène. Wat anders is, is de inzet, die, door de aard van fysiek contact, hoog is. De druk is hoog.