Justice revient en Australie pour Sydney City Limits et un sideshow exclusif à Melbourne Hisense Arena ce mois-ci. Ne manquez pas ça.

Xavier de Rosnay, la moitié des légendes de l’électro connues sous le nom de Justice, se souvient de la naissance de sa musicalité qui change la donne dans les termes les plus blazés.

À Paris, en 2002, deux graphistes entrent dans une fête. Xavier De Ronsay et Gaspard Augé ont quelques amis communs, qui se trouvent être à la tête d’une maison de disques, à la recherche de titres pour une compilation. Le courant passe immédiatement entre eux et ils décident de s’essayer à la composition d’une chanson. C’est ainsi qu’ils ont créé leur single We Are Your Friends, un hymne instantané, funk et feel-good, qui a perdu le concours de remixage, mais a attiré l’attention de Pedro Winter, directeur du nouveau label Ed Banger Records, qui comptait les Daft Punk parmi ses anciens clients. Une semaine plus tard, ils étaient dans son bureau, signant un contrat d’enregistrement.

Avancez 14 ans et trois albums, et Justice a traversé les sons et les styles, du disco cinématographique, infusé de rock, au gospel futuriste. Tout en ayant dardé entre les styles, ce qui est constant est leur don pour les grandes mélodies et le groove indéniable – et cela a créé quelque chose d’instantanément légendaire, et toujours indubitablement le leur. Au cours de leurs années d’éclosion, ils ont réduit en miettes les attentes des fans. Waters of Nazareth « , sorti en 2005, était rempli de synthés électro distordus et agrémenté d’accords rock obsédants. « Nous savions que nous voulions faire quelque chose qui sonnait comme… la musique de l’office du dimanche, mais un peu plus sombre et agressif », dit Xavier. Cependant, son successeur, D.A.N.C.E, employait une chorale d’enfants et un son disco pop trop joyeux. Le message était clair : avec Justice, vous pouvez vous attendre à tout et n’importe quoi. Malgré leur attitude humble, il était clair que les visions créatives de Gaspard et lui sont aiguisées comme des rasoirs.

Il existe une autre constante, dans leur logo – une version musclée de la croix sainte, qui évolue en style à travers les trois albums. Un simple contour doré dans le premier album, une pierre médiévale, puis un métal avec des éclaboussures d’huile multicolores et holographiques sur leur dernier album, Woman. Chacune d’entre elles est frappante, sinistre, et constitue une représentation puissante qui correspond à leur musique puissante. Comment ce duo a-t-il réussi à projeter sa propre signification et sa propre marque sur le logo le plus reconnaissable au monde ? « Lorsque nous avons réalisé la pochette du disque, nous avons remarqué que le ‘T’ était la lettre centrale de ‘Justice’, et qu’il pouvait être remplacé par une croix. Nous aimions beaucoup les logos de style heavy-metal et rock, et nous voulions concevoir le logo de Justice d’une manière similaire. Nous avons continué à l’utiliser dans toutes nos œuvres d’art, et il n’est jamais parti. C’est incroyable quand on y pense, car ce n’est évidemment pas notre logo. C’est le logo de Jésus-Christ. C’est assez fou, la façon dont nous avons réussi à prendre ce signe universel et à le posséder d’une certaine manière. »

Xavier relie cela à la façon dont la bonne musique peut involontairement créer une religion à part entière, dans la manière dont elle rassemble les croyances – et comment les leurs avaient l’intention de faire exactement cela. « Nous ne sommes absolument pas attachés à la religion, nous n’essayons pas d’être un groupe chrétien ou autre. Tout le monde est le bienvenu à nos concerts, bien sûr ! Mais personnellement, je ne pense pas que le symbole puisse être séparé de la religion, et c’est bien ainsi. La façon dont nous faisons nos morceaux est d’avoir ce genre de sentiment religieux qui se produit – dans la façon dont nous rassemblons les gens. La musique est l’une de ces choses – surtout quand on joue dans de grandes salles – qui peut rassembler beaucoup de gens et leur faire faire la même chose, regarder dans la même direction. C’est aussi un point important de toute religion. »

C’est le plus évident dans leur offrande de 2016, Woman, qui fusionne leur début hard électro, ‘†’ et la suite prog-rock, ‘Audio, Video, Disco’ en un seul. Avec juste une touche de gospel.  » Woman est venu de l’idée de la musique de chorale, mais nous voulions créer un disque de gospel futuriste, en nous appuyant sur la base que nous avons créée avec les deux albums précédents, nous voulions tourner le gospel de côté et faire beaucoup de choses nouvelles et intéressantes. Nous aimons la puissance qui est créée lorsque 20 personnes chantent la même ligne, ainsi que le sentiment d’anonymat. Et nous n’avons rien contre les chanteurs solistes, nous avons travaillé avec beaucoup d’entre eux ! Mais dans l’ensemble, nous avons trouvé que le chœur apportait une vibration très puissante à la musique. On n’écrit pas les mêmes lignes de tête pour une personne que pour 20. Les lignes de tête sont plus sérieuses lorsque vous écrivez pour des artistes solos. Les chœurs rendent la musique plus facile à chanter, car les paroles doivent être plus simples que lorsqu’on écrit pour un chanteur solo. « On comprend alors pourquoi ils ont choisi de ne pas mentionner leurs activités solo dans le nom de leurs chansons et de garder leur vie – en ligne et hors ligne – pour eux. En maintenant l’ambiguïté des collaborateurs et une certaine réserve quant à leur existence en dehors de la musique, ils peuvent présenter Justice comme une entité unique représentée par leur seule musique, et comme un aboutissement des voix de plusieurs, plutôt que de deux.

Woman, comme chacun des albums qui l’ont précédé, a été conçu avec intention et précision pour le message. « Nous avons commencé à faire ce disque en écrivant quelques airs et après avoir écrit quelques morceaux, nous nous sommes dit : « De quoi avons-nous besoin pour que ce disque soit excitant quand on l’écoute du début à la fin ? ». En général, on commence par décider « Ok maintenant on va faire les premiers morceaux », c’est comme ça qu’on a fait Safe and Sound. Chaque piste a un double ou un opposé sur le disque, donc ensuite nous avons fait la dernière piste, Close Call. Et ensuite, on commence à combler les lacunes. »

« On pense que dans un album, il faut parfois faire des chansons qui n’auront aucun intérêt public en tant que singles, mais qui aident à faire avancer la narration de l’album. Une fois que nous avons 5 ou 6 titres, et que nous avons commencé à façonner ce à quoi l’album ressemble, c’est là que nous commençons vraiment à tout assembler, à faire en sorte que chaque chanson fonctionne ensemble. Nous avons conçu l’album pour qu’il ait deux moitiés, avec Chorus comme sommet au milieu, puis naturellement les deux faces du disque apparaissent. »

Il en résulte un album dont beaucoup pensent qu’il représente Justice au sommet de son ascension constante. La fusion du disco et du rock, de l’électro et du gospel, des instruments organiques et électroniques – ce n’est pas exactement de la musique de fond. Elle exige toute votre attention, pour créer une écoute que l’on ne peut que qualifier de glorieuse. Lorsque j’ai demandé quels artistes et quelles chansons avaient influencé leur style, Xavier a cité « Video Killed The Radio Star » des Boggles. « À l’époque, ils étaient très populaires à Paris – un duo, de grands musiciens, mais nous avons aimé que leur musique soit plus une déclaration de ce que vous pouvez faire lorsque vous utilisez le studio comme un instrument, et pas seulement enregistrer ce que vous avez à l’esprit à ce moment-là. Nous utilisons le studio comme un troisième membre du groupe. Notre studio contient un peu de tout. C’est un mélange de machines très anciennes, de choses très récentes, de synthétiseurs bon marché et d’équipements très haut de gamme également. Si c’est bon, nous ne nous soucions pas de savoir si c’est synthétique ou analogique, vieux ou bon marché. Nous utilisons aussi beaucoup d’instruments traditionnels, et puis nous utilisons beaucoup de traitement numérique. »

Dans le courant du mois, le duo se rendra en Australie pour la première fois depuis de très nombreuses années pour se produire à Sydney City Limits, un festival jumeau du SXSW. Leur spectacle live très réputé n’est rien de moins que ce que l’on peut attendre d’eux. Et ils s’efforcent de le rendre encore meilleur. « En ce moment, nous travaillons vraiment sur les spectacles en direct, parce que nous pensons qu’il y a beaucoup de choses à faire, que nous produisons lorsque nous jouons en direct ! Nous aimons toujours les albums et nous aimons toujours les faire, mais c’est notre objectif pour le moment. »