Frank Zappa

En tant que compositeur et interprète autodidacte, le guitariste Frank Zappa était, en toute franchise, connu pour être un peu particulier. Son penchant pour la bizarrerie se retrouve même dans les noms de ses enfants : Moon Unit, Dweezil, Ahmet et Diva. Mais son rock presque comique et parodique était aussi effroyablement bon.

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Maître de beaucoup de choses, Zappa a composé du rock, de la pop, du jazz, du jazz fusion et même de la musique orchestrale, mais a réussi à ne se conformer à aucun des moules. Sa musique est fondamentalement son propre genre. En tant que musicien, Zappa était tout aussi amusant à regarder qu’à écouter, avec son amour pour l’improvisation libre qui permettait au public de deviner ce qui allait suivre.

Mark Knopfler

Mark Knopfler est connu pour avoir réussi, tant bien que mal, à être à la fois le guitariste principal, le chanteur principal et l’auteur-compositeur du groupe de rock Dire Straits. Même en équilibrant tous ces rôles, il a également réussi à percer le bruit à une époque où le punk rock semblait éliminer progressivement les solos de guitare dans la musique populaire.

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Knopfler a réussi à obtenir un son comme personne n’en avait entendu auparavant, en partie grâce à son style unique de jouer de son instrument. Il était connu pour être un guitariste fingerstyle, ce qui signifie qu’il jouait sans médiator, affirmant que ce style l’aidait à jouer avec « l’immédiateté et l’âme ».

Ritchie Blackmore

Ce guitariste et auteur-compositeur anglais était l’un des membres fondateurs du groupe Deep Purple et, à son tour, a contribué à définir ce que signifie jouer de la guitare heavy metal. Vous voulez un exemple ? Il suffit d’écouter le riff de guitare au cœur de « Smoke On The Water ». Vous aurez l’idée.

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Blackmore a combiné la composition musicale de style classique avec un soupçon de blues rock brut pour offrir certaines des meilleures jams de hard rock. Apparemment, le Rock and Roll Hall of Fame est d’accord, et a intronisé Blackmore pour son travail à l’époque de Deep Purple dans sa liste des artistes les plus influents.

Les Paul

Même si quelqu’un ne reconnaît pas Les Paul pour sa musique, alors il pourrait connaître le nom de la célèbre guitare qui porte son nom. Paul était le cerveau derrière la guitare à corps solide que nous connaissons et aimons aujourd’hui, mais lorsqu’il ne fabriquait pas le célèbre instrument, il composait lui-même de la musique célèbre.

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Paul a affiné son style caractéristique – caractérisé par un son propre et élégant et des passages à l’improvisation sans effort – tout au long des années 1940 et 1950. Qu’il joue en solo ou aux côtés de sa co-guitariste et épouse, Mary Ford, il enchaîne les chansons à succès. Son amour pour son métier est resté avec lui toute sa vie, et il a continué à jouer des concerts hebdomadaires à New York jusqu’à son décès à l’âge de 94 ans.

Kurt Cobain

Kurt Cobain est peut-être l’un des noms les plus connus quand il s’agit de grands joueurs de guitare. En tant que frontman et guitariste de Nirvana, sa courte carrière a laissé une marque durable dans le monde de la musique qui a duré bien au-delà de ses années.

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Même avant que Cobain et ses camarades du groupe Nirvana n’atteignent le statut de mégastar avec la sortie de leur deuxième album Smells Like Teen Spirit, Cobain inspirait toute une génération de musiciens et a véritablement fait découvrir au monde le genre grunge que nous entendons aujourd’hui. Grâce à ses performances de guitare imposantes et sa voix tout aussi imposante, Cobain s’est cimenté comme l’un des musiciens de rock les plus influents de tous les temps.

Scotty Moore

Scotty Moore est surtout connu pour être le guitariste de génie qui a soutenu les voix emblématiques d’Elvis Presley. Les critiques musicaux ont loué Moore pour être l’inventeur de l’accord puissant. Une seule écoute de la chanson à succès de Presley, « Jailhouse Rock », et n’importe qui aurait une idée de la raison pour laquelle Moore était un choix facile pour être intronisé au Rock and Roll Hall of Fame.

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Le style de guitare de Moore a continué à inspirer des générations de guitaristes. Keith Richards, qui est devenu le guitariste principal des Rolling Stones, a même déclaré que la musicalité de Moore sur « Heartbreak Hotel » l’a inspiré à prendre lui-même la guitare. « Tous les autres voulaient être Elvis, je voulais être Scotty », a déclaré Richards.

Tony Iommi

L’histoire de Tony Iommi, et l’un des facteurs qui le rendent si fascinant, a commencé dans la ville industrielle de Birmingham, en Angleterre. C’est là qu’un Iommi adolescent a perdu le bout de son majeur et de son annulaire dans un accident d’usine. Sa capacité à non seulement jouer de la guitare après cet accident, mais à vraiment la maîtriser, est l’une des choses qui rendent Iommi si impressionnant.

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En tant que guitariste de Black Sabbath (et un très bref passage avec Jethro Tull), Iommi était connu pour désaccorder sa guitare, faisant sonner son instrument plus bas et plus lourd, et a créé un son plus fort et plus diabolique qui a finalement conduit au début du véritable heavy metal.

Slash

Slash, dont le nom de naissance est Saul Hudson, s’est fait un nom pour être l’un des meilleurs solistes de guitare électrique. Vous avez entendu le riff de guitare de « Sweet Child of Mine » ? Il a été nommé l’un des meilleurs riffs de tous les temps.

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Le guitariste principal anglo-américain de Guns N’ Roses a contribué à donner au groupe de rock emblématique son son signature. Et avec ce son caractéristique, Slash a également apporté son propre look caractéristique. De son chapeau haut de forme emblématique, ses lunettes de soleil et sa célèbre guitare Gibson orange, la musique de Slash n’était pas la seule chose qui attirait l’attention des fans de rock du monde entier.

George Harrison

En tant que guitariste principal des Beatles, George Harrison avait un véritable talent naturel quand il s’agissait de son instrument. Son collègue rockeur Tom Petty a un jour confié à Rolling Stone que Harrison lui avait expliqué comment il avait trouvé le riff de début entendu sur « You Can’t Do That » en disant « Je me tenais juste là et je me suis dit, je dois faire quelque chose. »

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Harrison était connu parmi ses amis pour être le « Beatle tranquille », mais vous ne pourriez pas le dire par la façon dont il commandait les audiences avec sa musique. Il était réputé pour son adhésion à la musique et à la culture indiennes, et ces influences peuvent certainement être entendues dans son jeu de guitare. Harrison était réputé pour avoir appris le sitar auprès du célèbre Ravi Shankar, et avoir introduit ce son indien inattendu au public occidental.

Robert Johnson

Le légendaire Robert Johnson est connu aujourd’hui pour être le maître du blues, plus précisément du blues de style Delta. Mais avant son décès dans les années 1930, Johnson était en fait célèbre pour être capable d’interpréter vraiment n’importe quel style de musique à la perfection, du jazz à la guitare slide en passant par la pop.

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Malheureusement, on ne sait pas grand-chose d’autre sur Johnson, et ce manque d’informations a suscité quelques rumeurs sur sa vie. Parmi les plus célèbres, la rumeur selon laquelle il aurait vendu son âme au diable pour obtenir son succès musical. Si c’est vrai, nous dirions que c’était un bon échange, car il s’est solidifié comme l’un des meilleurs guitaristes à avoir jamais vécu.

Pete Townshend

En tant que guitariste principal (parmi de nombreux autres rôles musicaux) du groupe de rock The Who, Pete Townshend, né en Grande-Bretagne, a attiré l’attention par ses performances énergiques. Townshend était connu pour son bras en moulin à vent lorsqu’il frappait des accords sur sa guitare, ses sauts sauvages en l’air lorsqu’il jouait, et sa propension à briser la plupart de ses instruments après les spectacles.

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Grâce à l’aide de Townshend pour créer le son inoubliable de The Who, le groupe s’est cimenté dans l’histoire du rock, et a même remporté le record du concert le plus bruyant du monde du Guinness Book of World Records. Même en tant que guitariste qui n’était pas connu pour jouer beaucoup de solos, il s’est fait un nom à lui tout seul.

Brian May

Le guitariste Brian May est certainement le seul musicien de cette liste qui peut dire qu’il a un diplôme en astrophysique. Le guitariste principal et, souvent, auteur-compositeur du groupe Queen avait une capacité incroyable à superposer plusieurs parties de guitare sur des morceaux pour créer des sons inoubliables, il suffit d’écouter ses solos dans Killer Queen et Bohemian Rhapsody pour s’en faire une idée.

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May a utilisé ses talents naturels de nerd pour même créer sa propre guitare, la Red Special, également connue sous le nom de The Old Lady, dont il jouait avec une pièce de monnaie plutôt qu’avec un médiator ordinaire. May et son père ont construit sa guitare principale avec du bois provenant de différents endroits, y compris de sa propre cheminée. Voilà qui demande de l’ingéniosité !

David Gilmour

Bien que David Gilmour ne soit pas le guitariste original de Pink Floyd, ses capacités musicales naturelles ont laissé une marque durable sur le groupe et sa signature sonore. En tant que guitariste, Gilmour a été le pionnier de l’utilisation de l’écho et d’autres effets pour lesquels Pink Floyd est si connu.

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Connu pour ses prouesses en matière de guitare improvisée, le premier amour de Gilmour était en fait la musique blues, même s’il jouait dans un groupe qui jouait rarement de la musique blues. Et s’il est vrai que Gilmour n’est pas le guitariste le plus rapide du lot, la texture rêveuse, ambiante et flottante de sa musique lui a donné un son instantanément reconnaissable.

Duane Allman

Écouter la musique produite par Duane « Skydog » Allman du Allman Brothers Band, c’est véritablement écouter du rock sudiste à son meilleur. Ses capacités à la guitare ont poussé des artistes comme Aretha Franklin, Eric Clapton, et même des musiciens de jazz comme Herbie Mann et King Curtis, à faire la queue pour faire de la musique avec ce frère Allman.

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De ses nombreux talents, il est peut-être le plus connu pour être excellent en improvisation. Son amour de l’improvisation explique pourquoi de nombreuses chansons de l’Allman Brothers Band sont soudainement devenues longues d’une demi-heure sur les albums live. Mais, heureusement, cela ne semble déranger personne. Malheureusement, Allman est décédé à l’âge précoce de 24 ans.

Keith Richards

Keith Richards est connu pour être le cofondateur, le guitariste principal et le chanteur secondaire derrière les Rolling Stones. En plus de ces rôles, Richards s’est rapidement fait connaître comme faisant partie de l’un des plus grands duos d’auteurs-compositeurs de l’histoire, aux côtés de son compagnon de groupe Mick Jagger.

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Richards est connu pour écrire des morceaux à deux ou trois notes qui ont autant d’impact que n’importe lequel de vos solos de guitare préférés. Écoutez à nouveau « (I Can’t Get No) Satisfaction » et la combinaison de riffs et d’accords superposés à l’intérieur pour vous faire une idée. Richards a également maîtrisé l’art des accords alternatifs et ouverts, et est devenu une légende à part entière.

Carlos Santana

Toute chanson de ce guitariste d’origine mexicaine peut être identifiée en entendant une seule note. Le son instantanément reconnaissable de Carlos Santana a fait de lui l’un des meilleurs guitaristes de l’histoire, et lui a valu 10 Grammy Awards et 3 Latin Grammys tout au long de sa carrière.

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Santana est connu pour avoir pris un style de musique basé sur le blues et l’avoir combiné avec l’inspiration des rythmes latins et africains pour créer son son district. Son style musical caractéristique lui a valu les éloges de nombreux grands. Prenez, par exemple, Prince, qui a déclaré que Santana avait une influence encore plus grande sur sa musique que Jimi Hendrix. « Santana jouait plus joli », a-t-il dit un jour.

Jeff Beck

Jeff Beck a parfois été qualifié de « guitariste du guitariste », car quiconque connaît la bonne guitare sait que Jeff Beck est un maître dans son art. Et si vous avez besoin de plus de preuves, considérez le fait que lors de l’enregistrement d’albums, Rod Stewart, Mick Jagger, Tina Turner, Morrissey, Diana Ross, Stevie Wonder, Cyndi Lauper, Brian May, ZZ Top et quelques autres frappaient à sa porte.

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Avez-vous encore besoin de plus de preuves ? Non seulement Beck a reçu un Grammy Award dans la catégorie de la meilleure performance instrumentale rock à six reprises, mais il a également été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame à deux reprises (une fois en tant que membre du groupe The Yardbirds, et une fois en tant qu’artiste solo).

Stevie Ray Vaughan

L’amour de Stevie Ray Vaughan pour la guitare a commencé alors qu’il n’avait que 7 ans. Et bien que sa vie ait été tragiquement interrompue par un accident d’hélicoptère à l’âge de 35 ans, son héritage et la marque qu’il a laissée sur l’œuvre musicale continuent de vivre et d’inspirer les guitaristes d’aujourd’hui.

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Vaughan était surtout connu pour être un guitariste de blues doué, avec un grand sens du swing rappelant B.B. King et Eric Clapton. Ses airs inspirés du blues lui ont finalement valu six Grammy Awards et dix Austin Music Awards, ainsi qu’une place dans le Blues Hall of Fame et la reconnaissance comme l’un des plus grands guitaristes de tous les temps.

Chuck Berry

Regardé par beaucoup comme l’un des fondateurs du rock and roll, Chuck Berry a tracé sa propre voie et fait de la musique comme personne n’en avait entendu auparavant, comme ses airs classiques « Johnny B. Goode » et « Roll Over Beethoven ». Sa torsion sur le blues de Chicago s’est transformée en quelque chose de distinctement sien, alors qu’il a porté le boogie à la guitare à un tout autre niveau.

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Cet artiste innovateur était connu pour être un pionnier, produisant des riffs de guitare comme personne ne l’avait jamais fait auparavant. Ses chansons étaient des succès commerciaux, sans être pop, et avaient un swing qui rendait sa musique facilement identifiable. De ses solos captivants à son sens du spectacle sur scène, Berry était aussi agréable à regarder qu’à écouter.

Eddie Van Halen

Eddie Van Halen, ainsi que son frère Alex Van Halen, ont pris son nom de famille et en ont fait l’un des plus grands noms de tous les temps de la musique rock. Bien qu’il soit le fondateur et le compositeur de Van Halen, son œuvre la plus impressionnante provient peut-être de ses talents fous à la guitare.

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Van Halen est connu pour être un maître des riffs (pensez : « Unchained, » « Eruption, » et « Take Your Whiskey Home »), et un génie quand il s’agit d’harmonies et de textures dans sa musique. Van Halen était également connu pour tenir son médiator entre son pouce et son majeur, ce qui ouvrait son index pour taper du doigt. Mais au-delà de cette astuce, il y a un facteur X à son travail qui est indéfinissable.

Angus Young

Les accords simplistes derrière « Back in Black » et « Highway To Hell » de l’icône rock AC/DC ne sont que la preuve de l’incroyable talent d’Angus Young, né en Écosse, pour créer des riffs de guitare emblématiques. De son style presque maniaque à ses accords puissants et percutants, le guitariste principal d’AC/DC s’est fait une place parmi les véritables grands de la guitare.

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Bien qu’il dise souvent qu’il ne se considère pas comme un soliste, sa véritable maîtrise de son art fait que même entouré de n’importe quel autre instrument, Young se distingue comme une star. Et ses pitreries sur scène sont tout aussi divertissantes que sa musique, de ses tenues d’écolier caractéristiques à son shuffle lorsqu’il se pavane sur scène.

B.B. King

B.B. King était un véritable soliste. Ses solos sophistiqués étaient l’étoffe des légendes, alors qu’il incorporait sa technique de flexion des cordes pour laquelle il est finalement devenu célèbre. Dans l’ensemble, sa musique était toujours riche et robuste, rendant hommage à un véritable style de blues.

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Apparemment, il aimait se produire tout autant que le public aimait regarder ses spectacles. Même à l’âge de 70 ans, il ne manquait pas un battement, et se produisait apparemment à plus de 200 concerts par an. Entre son amour pour son métier et son véritable talent, il n’est pas étonnant que B.B. King soit souvent considéré comme « le roi du blues ».

Jimmy Page

En tant que musicien, Jimmy Page peut apporter un ensemble incroyablement diversifié de compétences à son jeu de guitare. Il peut passer d’une minute à l’autre à jouer de la douce musique folklorique anglaise plumée dans la campagne, à la minute suivante à des solos de guitare criards. Et, pourrions-nous ajouter, il exécute les deux de manière impeccable.

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Dès le début de la carrière scénique de Led Zeppelin (le groupe qu’il a fondé et dont il a assuré la guitare principale), il n’avait vraiment pas besoin de bondir sur la scène. Au lieu de cela, il restait relativement immobile alors qu’il faisait tourner la tête du public. Il utilisait même des accessoires comme des guitares à deux manches, et était célèbre pour faire sortir des sons surnaturels de sa guitare avec un archet de violon sur des chansons comme « Dazed and Confused ».

Eric Clapton

Eric Clapton a un CV assez incroyable. Le guitariste est passé par un énorme éventail de groupes à succès, chacun ayant un son psychédélique et beaucoup de pédale wah-wah, y compris les Yardbirds, Cream, et Derek &The Dominos, avant de finalement se lancer en solo. Il n’est pas étonnant que Clapton soit considéré comme l’un des guitaristes les plus influents de tous les temps.

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Aussi inclus dans son CV : 18 Grammy Awards, et le seul musicien à avoir été intronisé trois fois distinctes au Rock and Roll Hall of Fame. Et ce n’est pas étonnant que son travail soit si bien reconnu. Il a perfectionné son rock de style blues, en mettant sa propre touche sur des notes de fond à la fois lisses et simples, ainsi que des solos mémorables dans son style caractéristique.

Jimi Hendrix

Les mains de Jimi Hendrix volaient de haut en bas du manche d’une guitare à une vitesse aveuglante. En studio, il demandait souvent aux ingénieurs du son de filtrer sa guitare et de la faire sonner comme des choses aussi abstraites que l’océan, ou le vent. Il pouvait jouer de la guitare derrière sa tête. Il pouvait jouer de la guitare avec ses dents. Et il le faisait mieux que quiconque.

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Sa performance emblématique à Woodstock, en particulier son interprétation de la Bannière étoilée, aurait pu à elle seule lui faire décrocher le titre de meilleur guitariste. Pendant la performance, sa guitare a littéralement hurlé le son des bombes et de la guerre à « et l’éclat rouge des fusées », et est facilement devenue l’une des performances rock les plus connues de tous les temps.

Mention honorable : Prince

Sa Majesté Pourpre se délectait à jouer coquinement avec les frontières du genre et a même remplacé son nom par un symbole. Sa voix pouvait passer d’un cri aigu de fausset à un croon soyeux décoiffant. Partout où ce petit homme magique de Minneapolis allait, il était sûr de faire sensation. Mais regardez au-delà de l’image flamboyante, et vous avez un homme avec des talents de guitariste époustouflants, les doigts volant de haut en bas du manche de sa guitare.

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Prince avait une collection massive de guitares, et est hautement considéré comme l’un des grands virtuoses de la guitare de son temps. Pour preuve : après son décès prématuré, un clip de 2004 dans lequel on le voit jouer un solo de guitare scandaleux lors d’un hommage à George Harrison a rapidement atteint plus de 74 millions de vues – et ce n’est pas fini.

Mention honorable : Kirk Hammett

Parfois, décider de se séparer de quelqu’un peut être la meilleure chose pour toutes les personnes impliquées. Le guitariste original de Metallica, Dave Mustaine, a été licencié et a formé le groupe Megadeth, qui connaît un succès incroyable – et le même jour, Kirk Hammett a été invité à rejoindre le groupe.

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Avec des cheveux presque aussi longs que son héritage, Kirk Hammett a été et continue d’être une force motrice du groupe légendaire Metallica depuis leur montée en puissance en 1983. Avec ses solos foudroyants et ses accords tonitruants, Hammett est responsable de certains des riffs les plus célèbres et reconnaissables non seulement dans le genre métal, mais aussi dans l’histoire de la musique rock.

Mention honorable : Tom Morello

Enchevêtrant un activisme politique franc avec les genres jumeaux du rap et du rock, Rage Against The Machine a repoussé les limites de la scène musicale des années 1990 et a forgé sa propre voie. En bondissant sur la scène, le guitariste Tom Morello a non seulement formé le noyau du son lourd du groupe, mais a exploré de nouveaux territoires dans les techniques de jeu de guitare.

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En glissant de haut en bas sur le manche de son arme anti-guerre, il a joué avec les possibilités de bruit, de larsen et de picking. Tom ajoutera ensuite son style caractéristique à l’épine dorsale du supergroupe au succès fou, Audioslave, et continue de tenir le public en haleine.

Mention honorable : Randy Rhoads

Firigé par les héros du heavy metal Black Sabbath, Ozzy Osbourne était sur le point de renaître, un phénix de ses cendres. Pour ce faire, il fallait faire monter les enchères et s’assurer que son son serait encore plus fort, plus féroce et ponctué de musiciens extrêmement talentueux. C’est ainsi qu’est arrivé un jeune membre de Quiet Riot aux talents à faire fondre les visages, le guitariste Randy Rhoads, de près d’une décennie le cadet d’Osbourne.

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Dès leur première rencontre, Osbourne a été envoûté. La vitesse à laquelle Randy était capable de travailler son instrument était absolument vertigineuse, et bien qu’il n’ait pu jouer que sur deux albums d’Ozzy Osbourne avant sa mort prématurée dans un accident d’avion, l’héritage de tube métallique après tube métallique qu’il a légué au public se fait encore sentir aujourd’hui.

Mention honorable : Tom Petty

Le décès soudain de Tom Petty en 2017 a fait que les lumières du monde du rock’n’roll ont brûlé de façon beaucoup moins brillante. Cranking out hit after hit across four decades, l’ancien leader de Tom Petty & The Heartbreakers a touché une corde sensible auprès du public non seulement dans son pays natal, les États-Unis, mais aussi dans le monde entier.

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Son style était indéniablement américain, sa voix incontestablement honnête et sans fioritures, et son travail à la guitare refusait d’être défini. Trop grinçant pour être pop, trop rauque pour être folk, mais trop léger et sincère pour être purement rock, le son de Tom Petty découlait de son travail de guitare pulsé.

Mention honorable : Dimebag Darrell

Ne vous laissez pas décourager par l’extérieur cinglant du son métal de Pantera et Damageplan : il y a une quantité choquante de techniques complexes employées par le guitariste Dimebag Darrell dans les coulisses. Génie autodidacte, Darrell a défié le concept des gammes et même des power chords. Texan de bout en bout, son son inspiré du blues parlait du tapage rocailleux du Sud.

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Musicien de rock’n’roll, il arrivait équipé d’une variété de tours dans sa manche, et savait précisément comment les utiliser pour faire monter la tension, faire passer l’excitation, ou accentuer la férocité. Tué sur scène par un fan dérangé, son seul son continue à engendrer de nouvelles branches du métal.

Mention honorable : Carol Kaye

Bien qu’elle soit principalement connue pour son travail sur la guitare basse, la légende de la musique Carol Kaye était tout aussi habile sur une six cordes ou une douze cordes. Sa carrière monolithique a formé la trame de tubes après tubes pendant plus d’un demi-siècle, et on estime qu’elle avait enregistré sur un nombre ahurissant de 10 000 chansons différentes au cours de son travail.

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Elle a fourni le son à des stars telles que Ritchie Valens, Sonny & Cher, The Righteous Brothers, Frank Zappa, The Beach Boys, The Temptations, et bien d’autres. Sa polyvalence lui a permis de capturer sans faille le sentiment d’une chanson dès le départ, et sa technique de jeu a été louée par certains des plus grands noms de l’industrie musicale.

Mention honorable : Joe Bonamassa

Où est passée cette bonne musique blues du bon vieux temps, me direz-vous ? Grâce à des guitaristes comme Joe Bonamassa, elle ne s’est pas encore éteinte. Jouer le blues ne suffit pas à ce maître du genre : il veut aussi avoir un équipement authentique, insistant pour utiliser des amplificateurs et des instruments à l’ancienne.

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Bonamassa vit et respire le blues, bien plus imprégné des influences de l’ancien que du contemporain. Il mêle son son à la country, dans un style qui saigne l’Americana. Il crée sans effort un groove qui lui a valu une place de respect, jouant aux côtés de géants du monde de la musique comme Eric Clapton, Jeff Beck et Stevie Ray Vaughan.

Mention honorable : Steve Vai

Dès le début de sa carrière, Steve Vai était destiné à la grandeur. Pour commencer, son professeur n’était autre que le poids lourd de la guitare Joe Satriani, puis il a été récupéré par le regretté grand Frank Zappa. Brassé en présence de géants, son style était voué à être tout sauf coulé dans la norme.

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Les sons qu’il parvient à arracher à sa guitare sont follement imprévisibles, et fait en sorte que son public soit constamment surpris et émerveillé par les compétences qu’il expose. Il est réputé pour utiliser des guitares qu’il a fait spécialement concevoir avec 24 frettes, ce qui lui permet de transmettre une gamme incroyablement diversifiée de sons et d’émotions.

Mention honorable : John Petrucci

A travers son travail avec Dream Theater et d’autres projets du même acabit, John Petrucci s’est révélé être l’un des guitaristes virtuoses les plus vifs et imaginatifs de l’ère contemporaine. Sa technique est encadrée par l’unicité, car il utilise souvent une guitare à sept cordes pour amplifier la lourdeur de son son et les possibilités de son travail sur les frettes.

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Les mains de Petrucci sont extraordinairement dextres, ce qui lui permet de piocher sans faille vers le bas et vers le haut à une vitesse aveuglante. Il peut débiter des riffs à faire fondre les visages, puis rebondir et s’apaiser avec des solos plus fleuris, entraînant son public avec lui dans un voyage absolu.