Quand vous pensez à une scène de combat, quel film vous vient d’abord à l’esprit ? Peut-être pensez-vous au coup de poing assommant de Stallone dans Rocky ? Ou peut-être imaginez-vous Keanu Reeves faisant dévier des balles au ralenti dans The Matrix ?

Que vous soyez un fan des films d’arts martiaux hautement chorégraphiés, ou des batailles de super-héros en CGI super léchées : en tant que scénariste, il est toujours utile d’avoir un ensemble de règles de base sur la façon d’écrire une bonne scène de combat. Quel que soit le type de scène de combat que vous écrivez, vous avez besoin d’une antisèche ou d’un livre de jeu auquel vous pouvez vous référer et à partir duquel vous pouvez évoluer.

Votre livre de jeu de scène de combat : Comment écrire une scène de combat.

Top tips pour écrire une scène de combat

• Faites vos recherches. Nous avons fait la première partie pour vous en vous donnant une liste de contrôle comme un ensemble de règles de base pour écrire votre scène. Maintenant, vous devez faire des recherches pour votre intrigue et vos personnages. Il est important de les faire sentir authentiques pour que le public reste diverti.
• La scène sert-elle votre histoire ? Votre scène de combat doit accomplir quelque chose pour le but de votre histoire. Le combat devrait être pertinent pour l’histoire et pas seulement jeté comme un moyen de garder le public engagé pendant cinq minutes.
• La scène sert-elle votre personnage ? Cela va de pair avec le fait de servir votre histoire. Si la scène sert votre personnage, alors elle sert aussi votre histoire comme une réverbération.
• Pacing over detail. Votre script est une ligne directrice à partir de laquelle travailler, alors essayez de ne pas en faire une liste exhaustive de directives de scène. Généralement, les scénaristes travaillent avec le réalisateur/coordinateur de cascades et pourraient finalement devoir faire des compromis sur ce qu’ils ont écrit.
• Laissez le ton diriger la scène. Pensez au ton de votre scénario, la scène de combat vit-elle encore dans les limites que le ton de votre film offre, ou se sent-elle hors de propos ?
• Après votre scène de combat, vous pouvez dire au public comment se sentir. Voulez-vous qu’ils fassent la fête avec le champion, ou qu’ils compatissent avec le vaincu ? Cela donne également au spectateur une seconde pour réfléchir à ce qui vient de se passer et, essentiellement, reprendre son souffle.

15 des meilleures scènes de combat de films

Passons donc en revue 15 des meilleures scènes de combat de films (et une de la télévision). Ce sont des scènes de combat qui sont non seulement grandement divertissantes à regarder, mais qui répondent aussi avec succès aux besoins de l’histoire.

Les scènes que nous avons sélectionnées ne sont pas d’une structure hiérarchique et peuvent ne pas être considérées comme les meilleures scènes de combat de tous les temps. Cependant, ces scènes sont des exemples de différentes approches de l’écriture d’une scène de combat, et toutes ont une leçon à transmettre.

Exemple de scène de combat #1 – Atomic Blonde

Dans Atomic Blonde, la protagoniste, Lorraine Broughton (Charlize Theron), ne rencontre aucune conséquence fatale dans cette première scène de combat  » en appartement « , si ce n’est qu’elle tombe à quelques reprises.

Cette scène est stratégiquement placée tôt dans le scénario et elle exemplifie les compétences de Lorraine auprès du public. Elle est présentée comme la meilleure combattante face aux antagonistes anonymes dans la scène. La scène de combat sert le portrait du personnage et l’établit comme une force avec laquelle il faut compter.

Bien que cela semble être une procédure de base pour écrire une scène de combat – faire en sorte que le protagoniste batte l’antagoniste – cette scène est importante pour l’histoire dans sa relation avec la progression du récit linéaire.

Plus tard dans le scénario, Lorraine rencontre son adversaire. Alors que la première scène a sans doute une écriture basique et n’est pas la plus intéressante, lorsqu’elle est associée à cette scène, elles servent toutes deux le scénario dans son ensemble.

Les scènes s’amalgament pour présenter finalement un développement du personnage de Lorraine. Le public a vu Lorraine vaincre ses adversaires précédents avec peu d’efforts. Cependant, lorsque Spyglass (Eddie Marsden) la défie, elle commence à lutter et rencontre des conséquences plus immédiates et physiques, ce qui augmente les enjeux, la tension et le conflit au sein de l’histoire.

#2 – The Matrix

Cet exemple présente une combinaison d’éléments pour faire une scène de combat qui semble cocher toutes les cases. Elle est complète. La chorégraphie et la musique non diégétique sont un clin d’œil aux séquences d’arts martiaux très techniques vues dans les films d’arts martiaux populaires dont la scène s’inspire.

La scène utilise stratégiquement cette influence pour établir la dynamique de professeur et d’élève entre Morpheus (Laurence Fishburne) et Neo (Keanu Reeves). Le son et la musique reviennent finalement à ce qui est plus typiquement associé à The Matrix et à son genre, une techno au rythme rapide destinée à amplifier la tension.

Tous les éléments de cette scène alimentent l’histoire, le personnage et le public. Morpheus agit comme un professeur pour le public ainsi que pour Neo. Nous apprenons comme il apprend.

La tension dans la scène s’accroît au fur et à mesure que de nouvelles informations sont offertes et que Neo devient plus maître du combat et de sa situation. Cette scène donne non seulement au film une chance de montrer son impressionnante chorégraphie de combat et son ralenti, mais elle sert de moment important dans le voyage évolutif de Neo.

#3 – Fight Club

Une scène de combat doit-elle toujours inclure deux personnes (ou plus) qui se battent entre elles ? Lorsque quelqu’un mentionne une scène de combat, votre esprit peut sauter directement à une scène de combat d’homme à homme, rapide, sanglante et violente.

Nous ne vous en voulons pas car c’est une scène de combat générique. C’est pourquoi Fight Club prend ces conventions et les jette par la fenêtre pour cette « scène de combat ».

Alors que le Narrateur (Edward Norton) explore sa nouvelle arrogance après avoir été éveillé à l’emprise du capitalisme sur sa vie, le scénario défie les conventions typiques pour les besoins du personnage.

De plus, le Narrateur établit sa morale à travers cette scène de combat. Il exemplifie ses limites et sa morale lorsqu’il ment et se blesse violemment pour obtenir le pouvoir sur son patron.

Par conséquent, le combat ajoute à la représentation du personnage, à son tour, ajoutant à l’histoire.

#4 – Kingsman : The Secret Service

Un autre exemple qui utilise des éléments du livre de jeu, puis se développe à partir de celui-ci, est Kingsman : The Secret Service.

Premièrement, son utilisation du dialogue tente explicitement de remettre en question la morale du cadre de l’église. Le but est de défier les conventions et de choquer le public. Le but de la scène entière est de choquer le public.

De son utilisation du dialogue au casting de Colin Firth (dans le rôle de Harry Hart), un gentleman anglais plus âgé et stéréotypé, en tant que héros d’action ; la scène expérimente avec le caractère, le ton et le rythme pour surprendre le public et maintenir son intérêt.

Dans les dernières secondes de la scène, nous sommes forcés de vivre les conséquences des actions de Harry. Les derniers instants d’immobilité qui suivent l’action établissent un contrecoup qui résonnera avec le public.

La morale de Harry nous est familière tout au long du scénario car elle s’aligne sur celle du protagoniste. Cependant, à ce moment précis, elles sont remises en question et ses actions dépassent les limites, ceci étant dépeint dans les réactions du personnage dans la suite de la scène.

#5 – Black Panther

Maintenant, nous pourrions difficilement écrire une liste de scènes de combat sans inclure une bataille épique de super-héros Marvel. La tension de la bataille finale de Black Panther est établie par les deux camps opposés. Celui de Killmonger (Michael B. Jordan) et celui de T’Challa (Chadwick Boseman).

Lorsque Killmonger prend le trône de T’Challa, il est maîtrisé. Dans cette scène, les thèmes du film atteignent leur paroxysme. Ils se battent pour le droit d’être appelé Panthère Noire et de diriger le peuple du Wakanda.

Il semble générique d’avoir une bataille épique finale où le « gentil » est défié mais finit par vaincre le « méchant ». Mais cette scène bouleverse cette notion. Killmonger révèle ses véritables motivations, ce qui nous aide à éprouver de l’empathie pour lui. Cette révélation intervient alors qu’il vient d’être vaincu, T’Challa l’ayant poignardé à la poitrine. Cela crée un sentiment de tragédie.

Nous sommes finalement attristés par la mort lente de Killmonger, une astuce intelligente compte tenu du fait que nous avons encouragé contre lui pour la plupart du film.

#6 – Kill Bill Vol.1

Malgré le fait qu’il devienne plus familier de voir des visages de femmes sur le ring, il n’y a toujours rien de comparable au frisson de voir la Mariée (Uma Therman) affronter une cohorte entière d’ennemis en costume dans Kill Bill Vol. 1.

L’absence de dialogue dans la scène dirige votre attention vers les séquences de combat. Lorsque la mariée virevolte et bondit à travers la scène, le public sait exactement où regarder.

Le changement de couleur, de son et de style de la scène pourrait devenir assez déroutant sans la direction de la caméra qui guide le regard. Vous êtes situé dans la perspective du personnage. Vous êtes la mariée dans cette scène.

En vous plaçant comme le personnage, vous êtes absorbé par la scène de combat et vous avez l’impression d’être celui qui la vit. De la même manière que dans Kingsman, à la suite de la bagarre, le public est obligé d’assister à la conséquence de la bagarre : les personnes qui sont blessées ou mortes. C’est un bain de sang.

Alors que Harry a des remords pour ses actions, en plaçant la mariée comme supérieure par l’angle de caméra bas, le ton et le dialogue, nous comprenons en tant que public que la mariée est fière de son exploit (ce qui nous informe sur son caractère).

#7 – Full Metal Alchemist

Il est intéressant de se demander si les règles d’une scène de combat s’appliquent à la fois au cinéma et à la télévision. On peut soutenir que, dans un récit télévisé sérialisé, les enjeux ne sont pas aussi élevés que ceux d’un film. C’est parce que vous en savez vraisemblablement plus sur les personnages en question, ayant passé plus de temps à les connaître.

Par conséquent, l’importance pour votre scène d’avoir un effet dramatique est moindre car vous avez plus d’options pour répéter un combat encore et encore (si c’est ce que vous voulez).

Dans Full Metal Alchemist Brotherhood, il y a une scène de combat dans chaque épisode. Comment empêcher une scène de combat de devenir répétitive dans une série télévisée ?

Cette série l’utilise à son avantage, car une scène de combat fonctionne comme une introduction de personnage. On nous présente leurs compétences, leur morale, leur alliance. Il y a beaucoup d’informations que vous pouvez retenir consciemment et inconsciemment de ces scènes de combat et donc, chacune d’entre elles est importante.

#8 – Shaun of the Dead

Une règle lors de l’écriture de scènes de combat est de ne pas les rendre unilatérales, ce qui signifie que ce n’est pas intéressant si vous avez un champion qui gagne un combat sans aucune lutte ou conséquence. Il faut que cela vaille la peine pour le public. Si vous rendez les choses trop faciles, alors vous risquez de perdre toute authenticité avec la scène.

Cette règle est adaptée lorsque vous écrivez une scène de comédie. La scène unilatérale ou le fait de rendre le combat du personnage trop facile peut accentuer l’humour de la scène.

Dans une comédie, le rythme et le ton sont tout. L’aspiration de la scène change légèrement. Vous voulez que les gens s’alignent sur le personnage principalement par le biais de la comédie plutôt que par leurs victoires et leurs pertes.

Les caractéristiques de la scène n’ont plus besoin d’être réalistes. Prenez cette scène de Shaun of the Dead comme exemple. Est-il réaliste pour Shaun, Liz et Ed de frapper un zombie avec des queues de billard, au rythme de  » Don’t Stop Me Now  » de Queen ? Difficilement.

Mais la scène sert quand même l’histoire. Elle montre que les personnages sont extrêmement dépassés par leur situation. Malgré le fait de gagner, ce qui peut être mis sur le compte du hasard, l’objectif principal de la scène est de faire rire le public.

Par conséquent, le point central d’une scène de combat qui déchire n’a pas toujours besoin d’être le combat.

#9 – Tigre et Dragon cachés

En revanche, il existe des scènes de combat où le point central de la scène est le combat. Comme dans Tigre et Dragon cachés, c’est le combat qui mène les scènes de combat. Bien que cela semble assez basique de donner la priorité aux combats dans une scène de combat, il peut toujours être difficile de retenir l’attention des spectateurs.

Pour faciliter un peu la compréhension de la façon d’écrire un coup de pied comme scène de combat, vous devez comprendre qu’une scène de combat n’est qu’un type de scène d’action. Les scènes d’action peuvent inclure toutes les scènes qui comprennent un argument à une scène de poursuite.

Les scènes d’action sont des interactions avec des conséquences. Par conséquent, quelles sont les conséquences de votre scène de combat pour votre histoire et votre personnage ?

Que les répercussions de votre scène soient physiques pour vos personnages ou qu’elles aient un effet plus direct sur votre histoire, vous devez considérer comment la scène sert votre scénario dans son ensemble.

Ce combat montre comment le rythme d’une scène est important pour établir le conflit. Dans les moments d’immobilité entre les adversaires après un intense combat à l’épée, le rythme crée un tourbillon d’émotions car les enjeux du combat changent constamment.

La scène prouve qu’il n’y a rien de mal à un combat à l’ancienne en un contre un tant que vous pensez à ce qui se passe entre les lignes.

#10 – Captain America : Le Soldat de l’Hiver

Qui n’aime pas une scène de combat macho à gros budget et sous haute pression ? Peu importe si c’est à votre goût ou non, ce qui est important c’est ce que vous pouvez en retirer. Encore une fois, l’absence de dialogue concentre votre attention sur les combats.

La relation entre Captain America (Chris Evans) et le Soldat de l’hiver (Sebastian Stan) est ce qui élève le conflit au sein de la scène de combat dans Captain America : Le Soldat de l’hiver. C’est l’amitié entre les deux qui crée la tension car Captain America ne veut pas se battre ou blesser son meilleur ami.

Pour répéter, ce n’est pas la séquence de combat seule qui est importante pour cette histoire. C’est la recherche. Comme les personnages préexistent à tout un monde de bandes dessinées, leurs motivations et leurs chronologies sont préconstruites.

Par conséquent, en plus des règles de base pour écrire une scène de combat, vous devez prendre en compte les règles lorsque vous prenez des personnages qui existent déjà dans leur propre monde.

Cela peut être un défi passionnant comme un défi intimidant, vous devez juste faire des recherches sur vos personnages et le sous-texte qui les sous-tend.

#11 – Mandy

Dans une scène de combat, vous devriez laisser la tactique d’un personnage refléter sa morale. Dans cette scène de Mandy, vous pouvez lire que Spider n’a aucune hésitation lorsqu’il attaque Red. Cela montre que Spider a très peu de remords, voire aucun, pour la violence et la blessure qu’il impose.

Cela nous indique que la faiblesse de son personnage ne sera pas liée à sa morale. De plus, cela suggère que Red devra surmonter Spider physiquement.

Le ton de Mandy est également complexe. Il y a de multiples facettes dans ce qu’il essaie d’atteindre à travers son ton. Le film dans son ensemble a un rythme très lent. Il ne recherche pas non plus nécessairement l’authenticité en insistant sur ses éléments visuels plus surréalistes.

La violence expliquée tout au long du scénario prend vie dans le film. Si certains détails peuvent différer, l’atmosphère générale des scènes de combat grotesques et brutales demeure grâce au ton et au rythme cohérents de l’adaptation du scénario à l’écran.

N°12 – Les Aventuriers de l’Arche perdue

La rumeur veut que sur le tournage des Aventuriers de l’Arche perdue, Harrison Ford se soit senti trop mal pour filmer la scène de combat inscrite dans le scénario. Dans la scène ci-dessous, Indiana Jones commence à combattre des antagonistes anonymes dans la rue.

Il rencontre alors son adversaire. Nous supposons que l’épéiste est son adversaire car il est écrit qu’il se distingue visiblement de tout autre challenger.

Dans le script, Indiana Jones devait vaincre son ennemi dans un long combat dont les passants étaient témoins. Au lieu de cela, dans cette alternative humoristique qui sert l’histoire et le personnage, il fait face à son adversaire comme pour entamer un face-à-face et lui tire dessus avant qu’il ait la possibilité de bouger un muscle. Cela révèle la nonchalance d’Indiana, un aspect essentiel de son caractère.

Nous vous posons cette question . Une scène de combat est-elle toujours nécessaire ? Une scène de combat complète aurait-elle servi l’histoire ou le personnage plus que le résultat final ?

Quand une page de scénario équivaut à une minute d’écran, vous n’avez pas toujours le temps d’inclure une scène de combat, surtout si elle n’est pas essentielle à l’intrigue. On peut également en déduire que si une scène doit être retravaillée en raison de complications, elle s’avère parfois meilleure que l’originale.

#13 – The Raid 2

Une autre méthode pour essayer de garder un public diverti est d’introduire plusieurs scènes de combat qui se déroulent simultanément dans différents endroits.

C’est une approche directe pour éviter une scène de combat unilatérale. C’est une méthode qui divise l’attention du public, permettant à vos champions de peut-être gagner leur combat plus facilement mais en ayant l’air d’avoir fourni plus d’efforts qu’ils n’en ont réellement fourni.

Le public n’est pas aussi concentré sur un combat particulier, mais sur la victoire de plusieurs personnages. C’est aussi un moyen plus rapide d’explorer les personnages et de faire progresser l’histoire plus rapidement. The Raid 2 est un exemple d’exécution réussie de scènes de combat simultanées.

Si la recherche n’est pas toujours une priorité, elle n’est jamais nuisible. Si vous essayez de rendre votre scène intéressante et authentique, vous pourriez vous pencher sur certains éléments spécifiques de votre scène. Par exemple, pour cette scène de combat dans The Raid 2, vous pourriez vous demander : quel est le degré de fatalité d’une blessure par marteau ? Un marteau ou une batte causent-ils plus de dégâts dans une bagarre ?

Espérons que personne ne trouvera votre historique de recherche !

#14 – X-Men : First Class

Similairement à Captain America, les scénaristes de X-Men : First Class ont dû tenir compte des représentations existantes des personnages à travers toutes les adaptations précédentes au cinéma, à la télévision et dans les bandes dessinées.

Dans cette scène, cela fonctionne à l’avantage du scénariste que le public soit au courant du climax de cette histoire ou non. Si le public ne sait pas que Magneto (Michael Fassbender) est la cause du fait que Charles Xavier (James McAvoy) se retrouve en fauteuil roulant, il vivra le choc du conflit pour la première fois.

Alors que le public qui est déjà fan de l’histoire trouve la satisfaction de voir le résultat de son anticipation se jouer devant lui, il est attentif à considérer pour qui vous écrivez les personnages ?

Rendre une adaptation intéressante et nouvelle, alors que le public pourrait déjà connaître l’histoire, peut être un défi délicat à naviguer. Essayez, dans la mesure du possible, de trouver un équilibre entre l’introduction de nouveaux publics à ce moment et la récompense de ceux qui connaissent cette histoire à fond.

Il peut être passionnant de voir une nouvelle histoire prendre vie, mais aussi de voir une scène que vous n’avez jamais imaginée que dans votre tête prendre vie.

#15 – Rise of the Planet of the Apes

Les règles du livre de jeu peuvent-elles s’appliquer à une scène où les personnages en question ne se défendent pas ? Et si le personnage n’est même pas humain ?

Une scène de Rise of the Planet of the Apes explore cette dynamique intéressante. Malgré le complexe de supériorité de Dodge (Tom Felton), on peut sentir sa peur de César (Andy Serkis). Il sait qu’il est physiquement inférieur à un singe et se déchaîne donc avec son taser.

Alors que nous découvrons des informations sur le personnage de Dodge à travers son urgence à se battre et à contrôler, nous découvrons des informations sur le personnage de César à travers son refus de se battre.

C’est le choc de la capacité de César à parler et à riposter par un  » NON  » profond et rugissant qui force la scène à atteindre son point culminant en préparation de l’évasion des singes de la prison.

La capacité de César à parler et à prendre le pouvoir sur les autres sert pleinement l’histoire et le personnage. Elle fait prendre une nouvelle direction à l’histoire en révélant un nouvel aspect choquant du caractère de César.

Comment écrire une scène de combat : Conclusion

Ce qu’il faut retenir :

En définitive, toutes les scènes de combat sont différentes. Elles peuvent toutes avoir un objectif différent. Ce livre de jeu est là pour vous aider lorsque vous commencez à écrire votre scène de combat. Utilisez votre propre initiative lors de l’écriture et lorsque vous aurez acquis une certaine confiance dans vos scènes, alors, vous pourrez commencer à jouer avec les attentes et les conventions.

N’oubliez pas qu’en écrivant une scène de combat, vous n’écrivez pas nécessairement une scène unique ou différente de toutes les autres dans le scénario. Révéler le personnage, les thèmes et faire avancer l’intrigue est essentiel dans la composition de votre scène. Ce qui est différent, c’est l’enjeu, qui, de par la nature du contact physique, est élevé. La pression est forte.