Justice vuelve a Australia para el Sydney City Limits y un espectáculo exclusivo en el Hisense Arena de Melbourne este mes. No te lo pierdas.

Xavier de Rosnay, la mitad de los legendarios electro conocidos como Justice, recuerda el nacimiento de su musicalidad que cambia el juego en los términos más blazé.

En París, 2002, dos diseñadores gráficos entraron en una fiesta. Xavier De Ronsay y Gaspard Augé tenían unos amigos comunes, que casualmente dirigían un sello discográfico y buscaban temas para una recopilación. Con una conexión inmediata, la pareja decidió probar a hacer una canción. Fue entonces cuando crearon su single estrella, We Are Your Friends, un himno instantáneo lleno de funk y buen rollo que perdió el concurso de remezclas, pero que llamó la atención de Pedro Winter, director de la recién fundada Ed Banger Records, que contaba con Daft Punk como antiguos clientes. Una semana más tarde, estaban en su oficina, firmando un contrato discográfico.

Adelante, 14 años y tres álbumes, y Justice han fluido a través de sonidos y estilos, desde el disco cinematográfico, infundido con rock, y el gospel futurista. Aunque han pasado de un estilo a otro, lo que es constante es su habilidad para las grandes melodías y el innegable groove, lo que ha dado lugar a algo instantáneamente legendario y siempre inconfundible. En sus años de despegue, hicieron añicos las expectativas de los fans. Waters of Nazareth», de 2005, estaba repleto de sintetizadores distorsionados y eléctricos, y se elevaba con inquietantes acordes de rock. «Sabíamos que queríamos hacer algo que sonara como… música de servicio dominical, pero un poco más oscuro y agresivo», dice Xavier. Sin embargo, su sucesor, D.A.N.C.E, empleaba un coro de niños y un sonido disco pop demasiado alegre. El mensaje era claro: de Justice se puede esperar cualquier cosa y todo. A pesar de su humildad, estaba claro que tanto su visión creativa como la de Gaspard son muy agudas.

Hay otra constante, en su logo – una versión reforzada de la cruz sagrada, que evoluciona en estilo a través de los tres álbumes. De una simple silueta dorada en el primero, a una piedra medieval, a una metálica con una salpicadura de aceite multicolor y holográfica en su producción más reciente, Woman. Cada uno de ellos es llamativo, siniestro, y una poderosa representación que se corresponde con su potente música. ¿Cómo consiguió este dúo proyectar su propio significado y marca en el logotipo más reconocible del mundo? «Cuando estábamos haciendo la carátula del disco, nos dimos cuenta de que la ‘T’ era la letra central de ‘Justice’, y que podía sustituirse por una cruz. Nos gustaba mucho el diseño de logotipos de estilo heavy-metal y rock, y queríamos diseñar el logotipo de Justice de forma similar. Seguimos utilizándolo en todos nuestros trabajos artísticos, y nunca lo abandonamos. Es increíble cuando lo piensas, porque obviamente no es nuestro logotipo. Es el logotipo de Jesucristo. Es una especie de locura, la forma en que nos las arreglamos para tomar este signo universal y poseerlo de una manera determinada»

Xavier vincula esto a la forma en que la buena música puede crear involuntariamente una religión propia, en la forma en que une los credos – y cómo la suya pretendía hacer precisamente eso. «Definitivamente no estamos vinculados a la religión en el sentido de que intentemos ser una banda cristiana o lo que sea. Todo el mundo es bienvenido a nuestros conciertos, por supuesto. Pero personalmente, no creo que el símbolo pueda separarse de la religión, y eso está bien. La forma en que hacemos nuestros temas es para que se produzca este tipo de sentimiento religioso, en la forma en que reunimos a la gente. La música es una de esas cosas -especialmente cuando tocas en lugares grandes- que puede reunir a mucha gente y hacer que todos hagan lo mismo, que miren en la misma dirección. Eso es también un punto importante de cualquier religión».

Es más prominente en su oferta de 2016, Woman, que fusiona su debut hard electro, ‘†’ y la continuación prog-rock, ‘Audio, Video, Disco’ en uno. Con un toque de gospel. «Woman surgió de la idea de la música coral, pero queríamos crear un disco de gospel futurista, partiendo de la base que creamos con los dos discos anteriores, queríamos darle un giro al gospel y hacer un montón de cosas nuevas e interesantes. Nos gusta la fuerza que se crea cuando hay 20 personas cantando la misma línea, así como la sensación de anonimato. Y no tenemos nada en contra de los cantantes solistas, ¡hemos trabajado con muchos! Pero en conjunto, pensamos que el coro aportaba una vibración muy poderosa a la música. No se escriben los mismos versos para una persona que para veinte. Las primeras líneas son más serias cuando escribes para artistas en solitario. Los coros hacen que la música sea más cantada, porque las letras tienen que ser más sencillas que cuando escribes para un cantante solista». «Queda claro entonces por qué optan por no acreditar sus características de solistas dentro de los nombres de sus canciones, y por mantener en su mayoría sus vidas – dentro y fuera de la red – para sí mismos. Al mantener la ambigüedad de los colaboradores y cierta reserva en su existencia fuera de la música, pueden presentar a Justice como una entidad única representada sólo por su música, y como una culminación de las voces de muchos, en lugar de dos.

Woman, como cada uno de los álbumes anteriores, fue elaborado con intención y precisión para el mensaje. «Empezamos a hacer este disco escribiendo un par de melodías y, después de tener algunos temas escritos, pensamos: «¿Qué necesitamos para que sea emocionante cuando lo escuches de principio a fin?». Por lo general, empezamos decidiendo: «Vale, ahora vamos a hacer los temas iniciales», así que fue entonces cuando hicimos Safe and Sound. Cada tema tiene un doble o un opuesto en el disco, así que entonces hicimos el tema final, Close Call. Y luego empezamos a rellenar los huecos».

«Pensamos que en un álbum a veces hay que hacer canciones que no tendrán interés para el público como singles, pero que ayudan a avanzar en la narración del disco. Una vez que tenemos 5 o 6 temas y empezamos a dar forma al álbum, es cuando realmente empezamos a unirlo todo, a hacer que cada canción funcione en conjunto. Diseñamos el álbum para que tuviera dos mitades, con Chorus como punto álgido en el medio, y luego, naturalmente, aparecen las dos caras del disco»

Lo que resulta es un álbum que muchos sienten que representa a Justice en su punto álgido. La fusión de la música disco y el rock, el electro y el gospel, los instrumentos orgánicos y electrónicos, no es precisamente música de fondo. Requiere toda tu atención, para crear una escucha que sólo puede describirse como gloriosa. Cuando le pregunté qué artistas y canciones habían influido en su estilo, Xavier mencionó «Video Killed The Radio Star» de The Boggles. «En aquel momento eran muy grandes en París: un dúo, eran grandes músicos, pero nos encantaba que su música fuera más bien una declaración de lo que se puede hacer cuando se utiliza el estudio como un instrumento, y no sólo se graba lo que se tiene en mente en ese momento. Utilizamos el estudio como un tercer miembro de la banda. Nuestro estudio tiene un poco de todo dentro. Es una mezcla de máquinas muy antiguas, cosas muy nuevas, sintetizadores baratos y también equipos de muy alta gama. Si es bueno, no nos importa si es sintético o analógico, viejo o barato. También usamos muchos instrumentos tradicionales, y luego utilizamos mucho procesamiento digital».

A finales de mes, la pareja se dirigirá a Australia por primera vez en muchos, muchos años para actuar en Sydney City Limits, un festival hermano del SXSW. Su renombrado espectáculo en vivo es nada menos que lo que se puede esperar de ellos. Y están trabajando para hacerlo aún mejor. «Ahora mismo estamos trabajando de verdad en los directos, porque creemos que hay muchas cosas que hacer, ¡que producimos cuando tocamos en directo! Nos siguen gustando los álbumes y nos sigue gustando hacerlos, pero ese es nuestro enfoque por ahora»

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